Ein ehemaliges Londoner Schulgebäude ist vielleicht nicht der erste Ort, der einem in den Sinn kommt, wenn man an zeitgenössische Kunst denkt, aber Alessandro und Emilia De Stasio erkannten das Potenzial dieses Gebäudes in Hackney mit seinen großen Fenstern und unpassenden Elementen und haben es in einen Raum für genau das verwandelt. Das Paar ist Mitbegründer der Online-Sammlerplattform Artscapy und lebt, arbeitet und sammelt gemeinsam Kunst – eine gemeinsame Leidenschaft, von der ihr Zuhause ein Zeugnis ist.

Emilia, Alessandro, wie habt ihr angefangen, gemeinsam Kunst zu sammeln, von welchem Künstler habt ihr als Erstes etwas gekauft?
Alessandro (A): Wir lernten uns 2015 kennen. In Großbritannien interessierte ich mich für die Street-Art-Szene, insbesondere für Banksy. Wir mochten beide die Weise, wie er mit Witz und Satire einen bestimmten Punkt in der Geschichte reflektierte. Ich hatte ein paar Werke gekauft, und dann begannen wir gemeinsam, eine Sammlung aufzubauen. Wir kauften 15 oder 16 Werke in kurzer Folge. Der Banksy-Markt war damals noch nicht das, was er heute ist. Auch jetzt ist ein großer Teil unserer Sammlung sozialkritisch. Es geht nicht unbedingt darum, dass ein Künstler eine politische Agenda hat, sondern um soziale Beobachtung.

Emilia (E): Je mehr wir zu sammeln begannen, desto mehr wurde es zu einem intellektuellen Hobby, und wir begannen, uns selbst herauszufordern und ein Auge dafür zu entwickeln, was uns gefiel und was wir mit unserer Sammlung sagen wollten. Daher haben wir drei Stränge. Es gibt den sozio-politischen Bereich, in den Banksy passt. Dann gibt es den ökologischen Bereich, also Kunst, die sich mit der Natur oder ihrer Zerstörung beschäftigt. Und schließlich geht es um die Erschaffung des Selbst. Wie sich Identität bildet und welche Herausforderungen wir bewältigen müssen, um zu definieren, wer wir sind und wie wir uns selbst verstehen. Abgesehen von diesen drei Themen gibt es auch eine Regel, an die wir uns halten, nämlich dass wir nur Werke lebender Künstler sammeln.

Manche könnten sagen, dass das eine gewagte Entscheidung ist, warum habt ihr euch das zur Regel gemacht?
E: Wir wollten eine Sammlung schaffen, die unsere Zeit und unsere Geschichte widerspiegelt. Und so sehr wir Basquiat oder Haring auch bewundern, wir haben diese Zeit im New York der 70er und 80er Jahre nicht persönlich miterlebt.

A: Wir genießen die intellektuelle Herausforderung, eine Struktur für die Kollektion zu haben und eine Geschichte, die sich durch sie zieht.

E: Ich halte es für wichtig, die Geschichte der Zeit, in der wir leben, zu erzählen, denn ich denke, dass die Kunst die wichtigste Reflektion der Zeit ist, in der wir leben, und dass Künstler die schärfsten Sozialwissenschaftler sind, die es gibt, sie sehen und können Zeiten auf einer viel tieferen Ebene vorhersagen und fühlen als der Rest von uns. Ich finde die Fähigkeit, dies in Kunstwerken einzufangen, faszinierend.

A: Und für mich ist die Kunst das Medium, das vor allen anderen voraussieht, was heute geschieht. Sie ist der Spiegel, der einem sagt, was in 10, 15, 50 Jahren passieren wird – das ist meiner Meinung nach die Macht der Kunst. Die Herausforderung der konzeptionellen Kunst besteht vor allem darin, keine feste Antwort zu geben. Sondern eine Frage zu stellen, die eine Interpretation auslöst, die sich mit der Zeit entwickelt. Das ist der Grund, warum der Futurismus so interessant war, die Avantgarde so spannend gewesen ist und Duchamp so verstörend wirkte. Künstler können eine Aussage über die Gesellschaft treffen, die zuvor nicht gesehen wurde. Ich denke, das ist etwas, was die Werke, die uns anziehen, einfangen.

Wenn ein Alien euer Haus besuchen würde, was würdet ihr denken, was es von der Kunst halten würde?
E: Vielleicht würden sie denken, sie würden in den Spiegel schauen? (Emilia scherzt und deutet auf ein großes Gemälde, das zwei androgyne humanoide Kreaturen hinter ihr darstellt – Zwei Körper mit Gurt und weißen Punktenvon Andriu Deplazes)

E: Ich denke, die Hauptthemen in diesem Werk sind die Sorge um die Umwelt, die Richtung, in die wir uns bewegen, und die Zerstörung der Natur.

(Emilia zeigt auf ein anderes Werk, eine Skulptur von Michael E. Smith, die aus einem Metallamboss besteht, der zwei Muschelstücke umgreift und auf einer Holzpalette ruht)

E: Und hier fängt Michael E. Smith ein, was der Mensch und was die Natur hinterlassen haben und wie sie interagieren und wie wir unsere Welt und die Natur gehen lassen. Ich denke, wenn man sich unsere Sammlung ansieht, sieht man viele dieser Spannungen und Kämpfe.

A: Dem stimme ich zu. Ich denke, unsere Sammlung fängt ein Gefühl für die Spannung ein, dass die Dinge dabei sind, etwas anderes zu werden. Es liegt am Betrachter zu entscheiden, ob sie sich in Richtung des Positiven oder des Negativen bewegen – vielleicht sieht man anders, was aus den Dingen werden kann.

(Er zeigt auf einen Wandteppich, der an der Wand hängt und aus buntem Stoff besteht).

A: Dieser Künstler ist Samuel Nnorom. Er schafft komplizierte Karten aus mit Stoff überzogenen Schaumstoffkugeln, die zusammengenäht werden und eine Metapher für ein „Gesellschaftsgewebe“ darstellen. Jede Blase ist eine eigene geschlossene soziale Struktur. Nnorom verwendet Ankara-Stoff, dessen Ursprünge in der Geschichte des afrikanischen Kontinents liegen. Er erforscht dessen vielschichtige Symbolik und macht sich einen zeitgenössischen Stoff zu eigen, der in seiner Gemeinschaft allgegenwärtig ist. Die Karte kann auch als Kommentar zur afrikanischen Diaspora und zur Ausbeutung des Kontinents durch andere Länder gelesen werden. Der Ankara-Stoff wurde in den 1800er Jahren von holländischen Händlern nach Westafrika eingeführt und hat eine komplexe Geschichte und Herkunft. Auch heute noch wird dieser Stoff im Ausland bedruckt, dann zur chemischen Fixierung nach China verschifft und gelangt schließlich nach Afrika, wo er Teil der lokalen Modeproduktion wird. Diese Arbeit ist im Grunde eine soziopolitische Arbeit mit starken historischen Untertönen.

(Alessandro deutet auf eine Skulptur von Michael E. Smith, die aus den Körpern mehrerer ausgetrockneter Kugelfische besteht, die an einem durchsichtigen PlayStation-Controller befestigt sind, der eine blaue Flüssigkeit enthält, als wäre er ein Spielzeugaquarium).

A: Genauso könnte man sagen, dass die Arbeit von Michael E. Smith dieses Gefühl eines sich entwickelnden Dialogs mit der symbiotischen Spannung zwischen Natur und Mensch einfängt.

Hindert euch eine so starke Erzählung im Hinterkopf jemals daran, Stücke nur aus Freude zu kaufen?
A: Absolut nicht, sie wären nicht in unserem Haus, wenn wir nicht Freude, Liebe und Rätselhaftes an ihnen finden würden.

E: Am schwierigsten war es für uns, als wir umgezogen sind und die Kunstwerke nicht mehr jeden Tag betrachten konnten. Ich dachte, ich würde sie vermissen, aber ich hatte nicht erwartet, dass es mich so sehr berühren würde, wie es der Fall war. Die tiefe Sehnsucht, die ich nach ihr empfand, war spektakulär. Ich kann ohne vieles leben, aber nicht ohne die Kunst. Sie hilft mir beim Nachdenken und prägt meine Stimmung jeden Tag.

Wie entscheidet ihr, wo ihr neue Werke aufstellt?
A: Das ist eine logistische Herausforderung.

E: Die durch unsere zunehmende Verliebtheit in große Werke noch verschärft wird. Aber Alessandro und ich sind beide sehr analytisch, sodass wir darüber diskutieren, wann wir neue Werke kaufen, und es gibt eine Erzählung, die die Werke in den verschiedenen Bereichen unseres Hauses miteinander verbindet. Einmal haben wir sogar ein maßstabsgetreues PowerPoint-Mock-up unserer Wohnung erstellt und dann Bilder der Werke von unserem Artscapy-Konto heruntergeladen, wo wir unsere Sammlung hatten, um zu sehen, wie sie passen würden, bevor wir sie in der Realität aufhängen.

Aber welche Werke würdet ihr vor einem Feuer retten und warum?
(Emilia zeigt auf Zwei Körper mit Gurt und weisse Punkte, 2019 von Andriu Deplazes)

E: Das ist eines meiner absoluten Lieblingsstücke – es ist fantastisch. Abgesehen von der Handwerkskunst und den kunsthistorischen Bezügen erzählt es so viele Geschichten. Es geht um menschliche Beziehungen und die Verbindung zur Welt und vermittelt auch eine Umweltbotschaft, das Gefühl, dass wir alle irgendwie an einem Ort festsitzen.

A: Ich würde mich für die Skulpturen von Michael E. Smith entscheiden, weil er für mich ein Künstler ist, der eine unglaubliche Synthese schafft, die die Auswirkungen des Menschen auf die Welt und die Natur im Allgemeinen zeigt. Sein Werk spricht das Versagen der Menschheit und die weitreichenden sozialen und ökologischen Auswirkungen der industriellen Revolution an. Über diese Zeit wird nur selten wirklich gesprochen, weil wir gewöhnlich dazu neigen, die wirtschaftlichen Auswirkungen zu feiern. Aber er spricht viel mehr als das an.

Auch wenn euch Werke zu gefallen scheinen, die den Herausforderungen der heutigen Gesellschaft einen Spiegel vorhalten, gibt euch die Kunst auch Hoffnung für die Zukunft
E: Sicherlich, absolut.

A: Ich denke, dass jedes Kunstwerk in beide Richtungen betrachtet werden kann. Es ist lustig, denn während unser Geschmack eher düster ist, denke ich, dass jedes Kunstwerk voller Interpretationen ist. Die Tatsache, dass es eine Kritik gibt, bedeutet also nicht, dass sie binär positiv oder negativ gemeint ist. Sie ist fast sachlich und zeigt einem, was sie ist. Und sie bringt dich dazu, deine Gefühle zu hinterfragen.

E: Für mich war eines der lustigsten Beispiele dafür, als wir einen Banksy-Druck des Sensenmannes bekamen. Der Sensenmann sitzt auf einem Ziffernblatt, das dem von Big Ben mit einem großen Smiley-Gesicht ähnelt, und auf den ersten Blick dachte ich, dass es irgendwie deprimierend ist, es hat auf jeden Fall eine bedrückende Stimmung und lässt einen an den Tod und all diese morbiden Dinge denken. Aber als wir es zu Hause hatten, habe ich es mir genauer angesehen und bin zu dem Schluss gekommen, dass es eine grundsätzlich optimistische Botschaft hat. Für mich ist es in gewisser Weise eine Erinnerung daran, dass man nur einmal lebt, also sollte man die Zeit, die man hat, gut nutzen, denn man hat nur diese eine Gelegenheit oder dieses eine Leben, um zu leben und etwas zu schaffen, also sollte man den Tag nutzen.

Angesichts der Tatsache, dass ihr bei der Kunst, die ihr sammelt, ziemlich methodisch vorgeht, gilt das auch dafür, wie und wo ihr sie findet und kauft?
A: Wir haben keine goldene Regel, aber wir versuchen, primäre Arbeiten von Galerien zu kaufen, wo immer es möglich ist, weil die Unterstützung aufstrebender Künstler der Schlüssel zu unserer Reise ist und das ist der Grund, warum wir weiter sammeln und kaufen.

E : Wir gehen nicht mehr so oft auf Auktionen, aber am Anfang haben wir das öfter gemacht, vor allem, wenn uns ein bestimmtes Werk wirklich interessiert hat.

Ihr beide scheint euch für soziale Strukturen zu interessieren. War der Wunsch, eingefahrene Systeme rund um den Kauf von Kunst zu demokratisieren, in gewisser Weise die Inspiration für Artscapy?
A: Ich glaube, ich habe erkannt, dass das, was ich mit Artscapy erreichen möchte, Ehrlichkeit ist. Es klingt vielleicht unauthentisch oder klischeehaft, das zu sagen, aber es geht um Transparenz und Ethik und darum, den Menschen die Werkzeuge zu geben, nicht nur die Software, sondern auch das Know-how, um zu verstehen, was Kunst ist. Ich denke, dass Neulinge im Kunstsammeln leicht ausgenutzt werden können, und ich möchte, dass Artscapy ihnen hilft, Fallen zu vermeiden.

E: Ich denke, ein wichtiger Aspekt für mich war die Zugänglichkeit und die Unterstützung der Menschen beim Einstieg in die Welt der Kunst, oder? Es kann eine abschreckende Angelegenheit sein. Es kommt auch heute noch vor, dass wir eine Galerie betreten und man uns von oben bis unten mustert. Es ist verrückt, dass man diese Art von Dynamik hat. Sie entfernt einen so weit von der Kunst und von der Idee, die kulturelle Produktion zu unterstützen, was für mich eines der wichtigsten Dinge beim Sammeln ist – die Unterstützung von Künstlern und der kulturellen Produktion. Auf diese Weise wollten wir einen Unterschied machen. Transparenz ist der zweite Schritt. Artscapy ist kein Marktplatz, sondern eine vollständige Plattform, die Ihnen hilft, ein Kunstportfolio oder eine Sammlung von Anfang bis Ende zu verwalten. Es war eine Reaktion auf die Frustration, die wir empfanden, weil wir keine einfache Möglichkeit hatten, unser Portfolio zu verwalten. Wir wollten einen Ort, an dem man seine Kunst bewerten und versichern lassen kann und an dem man all die anderen Dinge erhält, die man braucht, um eine Sammlung zu beginnen, zu verwalten und weiter auszubauen. Und wir wollten, dass dies für die Menschen, egal wo auf der Welt sie sich befinden, digital möglich ist.

Was sind die wichtigsten Dinge, die ihr auf dem Weg als Sammler gelernt habt, und welche Tipps würdet ihr Leuten geben, die gerade erst anfangen?
A: Sammelt nicht nur, weil ihr Geld verdienen wollt. Das ist ein leerer Ansatz. Es ist hilfreich, jemanden zu haben, der unparteiisch ist, der Sie nach Ihren Zielen fragen und Ihnen helfen kann, diese zu verwirklichen. Emilia und ich haben zwar eine Formel für unsere Sammlung, aber das ist nicht alles. Aber es ist hilfreich, jemanden oder etwas zu haben, das einem hilft, sich in der Dynamik des Marktes zurechtzufinden.

E: Ich glaube, das Wichtigste ist, unendlich neugierig zu sein und zu recherchieren. Man sollte nicht immer auf den ersten Eindruck hereinfallen. Was etwas wertvoll macht, ist meiner Meinung nach nicht etwas, das man von Anfang an „versteht“. Hochwertige Kunst ist schwierig. Sie wirkt allmählich auf den Betrachter ein. Ich denke, die großen Künstler sind diejenigen, die zuerst etwas Bemerkenswertes sagen und tun, und zwar ganz anders als alle anderen. Aber das findet man nur durch Neugierde und Recherche heraus. Wenn einem etwas anspricht, sollte man sich Zeit nehmen, um zu verstehen, warum es so ist und was einem daran gefällt. Finde heraus, ob andere Menschen etwas Ähnliches gemacht haben oder wie ein Thema zuvor angegangen wurde. Es ist auch hilfreich, die Dynamik des Kunstmarktes zu verstehen und mehr über den Künstler und seine Praxis zu erfahren. Ich würde sagen, das sind die beiden Dinge, die ich aus den letzten Jahren unserer Tätigkeit als Sammler mitgenommen habe.

Interview: Frederica Miller
Fotos: Liz Seabrook