Jens-Peter Brask ist Kurator, Verleger und leidenschaftlicher Kunstsammler. Was mit einer frühen Faszination für Graffiti als künstlerische Ausdrucksform begann, setzte sich fort, indem Kunst heute sein Privat- und Berufsleben bestimmt. Nachdem er viele Jahre lang ein Restaurant betrieben hatte, überwog schließlich der Drang, sich selbst ernsthafter in der Kunstwelt zu engagieren, was Jens-Peter 2015 dazu veranlasste, sein Restaurant zu verkaufen, um hauptberuflich als Kurator zu arbeiten. Ein weiteres Projekt, das ihm ans Herz gewachsen ist, ist es, seine vielen Besuche bei Künstlerinnen und Künstlern in ihren Ateliers in einer Buchreihe unter eigenen Verlagslabel zu dokumentieren.

Jens-Peter, kannst du erzählen, wie du das erste Mal mit der Kunstwelt in Berührung gekommen bist?
Ich war damals noch sehr jung und interessierte mich für Graffiti. Damals lebte ich in einer Stadt namens Roskilde, etwa 30 Minuten von Kopenhagen entfernt. Ich fühlte mich sofort zu dieser Form von Kunst hingezogen, weil ich fand, dass es für die Künstler eine wunderbare Ausdrucksmöglichkeit war. Ich war fasziniert von der einzigartigen Art und Weise, wie ein Künstler die visuelle Ästhetik im urbanen Raum beeinflusst und gestaltet. Als ich selbst Graffiti-Künstler wurde, lernte ich viele verschiedene Künstler kennen, die sich sowohl mit Graffiti als auch mit bildender Kunst beschäftigten. Damit begann auch mein Interesse an der bildenden Kunst und 1993 erwarb ich mein erstes Werk des dänischen Künstlers Michael Kvium.

Hast du dich dabei hauptsächlich an der dänischen Kunstszene orientiert
?
Ja, einige Jahre lang habe ich mich ausschließlich auf dänische Künstler konzentriert. Aber Nils Stærk, ein Galerist, mit dem ich inzwischen eng befreundet bin, schlug vor, dass ich mich mehr mit der internationalen Kunstszene auseinandersetzen und mehr Wissen aufbauen sollte. Nils' Rat hat mich überzeugt, und so ist meine Sammlung eine ziemlich breit angelegte Mischung aus Hunderten von Künstlern aus der ganzen Welt. Ich bin sehr zufrieden mit der Vielfalt meiner Sammlung, die sowohl einige der weltweit bekanntesten Künstler als auch jüngere, weniger etablierte Künstler repräsentiert.

Du hast bereits erwähnt, dass du während deiner Zeit als Graffiti-Künstler andere Künstler kennengelernt hast, die auch in der bildenden Kunst tätig waren. Wo siehst du denn die Grenzen zwischen Kunst an Hauswänden und der Kunst, die man typischerweise im White Cube einer Galerie finden würde?

Zunächst einmal gibt es einen großen Unterschied zwischen Graffiti und Street-Art. Graffiti ist eine anonyme Kunstform und Subkultur, die sowohl legal als auch illegal sein kann. Überall auf der Welt kann man legale Graffiti-Wände finden - das ist auch meine Erfahrung mit Graffiti. Dann gibt es Street-Art, die ein sehr weites Feld ist und viel schwieriger zu definieren. Die meiste Straßenkunst ist illegal und wird anonym geschaffen und wird oft als Post-Graffiti kategorisiert. Eine dritte Kategorie ist die Public Art, bei der etablierte Künstler ein einzigartiges Kunstwerk im öffentlichen Raum schaffen. Dies ist oft eine Auftragsarbeit und unterscheidet sich durch diese Definition von den beiden anderen Kategorien.

Was braucht es aus deiner Sicht, damit Kunst von der Straße genug Glaubwürdigkeit erlangt, um auch von Sammlern akzeptiert zu werden?
Das ist gar nicht so leicht zu beantworten. Ich schätze dafür gibt es kein Patentrezept, aber es hilft, wenn man vollen Einsatz zeigt, hart arbeitet und talentiert ist. Ich glaube, in unserer postmodernen Realität der heutigen Zeit wäre eine interessante Diskussion, was einen Künstler oder eine Institution eigentlich ausmacht? Man könnte argumentieren, dass unser heutiges Verständnis davon, was einen Künstler klassifiziert, tief in der Ausdehnung des Konzepts und des Verständnisses von Kunst begründet ist. Für mich hat die Massenkultur dazu beigetragen, mit der früheren Wahrnehmung von Kunst als etwas Elitäres und Unzugängliches aufzuräumen. Die Grenzen sind fließend geworden und Kunst ist nicht mehr etwas, das nur den großen Institutionen zugänglich und auf sie beschränkt ist.

Du meinst also, dass es eine neue Generation von Künstlern gibt, die sich von den akzeptierten Konventionen der Kunstwelt entfernt?
Schau dir zum Beispiel Banksy an. Er bringt die Kunst buchstäblich auf die Straße und in das Bewusstsein eines viel breiteren Publikums. Daher glaube ich, dass unsere Generation eine starke neue Welle erlebt, die unser Verständnis von Kunst zu etwas völlig Neuem formt. So erleben wir, wie viele zeitgenössische Künstler die urbane Umgebung als Leinwand nutzen und Anerkennung von Sammlern und dem Kunstbetrieb erhalten.

Wenn du dich an die Zeit erinnerst, als du selbst noch unerfahren in der Kunstwelt warst. Was würdest du heute jemandem raten, der oder die sich neu mit zeitgenössischer Kunst beschäftigt. Wie beginnt man, sich in der Kunstwelt zurechtzufinden? 

Lass dich so viel wie möglich auf die Kunstwelt ein: Gehe zu Galerie- und Museumseröffnungen und spreche mit anderen Besuchern. Es hat sich für mich sehr gelohnt, Zeit auf diese Weise zu verbringen und hat mir viele einzigartige Erfahrungen beschert. Je mehr Zeit du damit verbringst, dich mit dem Markt vertraut zu machen, desto größer stehen deine Chancen, auch die Werke zu finden, die dich am meisten ansprechen. Die am meisten gehypten oder auf Instagram geposteten Künstler sind nicht unbedingt die besten, daher ist es wichtig, sich die Zeit zu nehmen, den Markt kennenzulernen und das zu finden, was einen wirklich anspricht.

Nur wenige junge Sammler haben ein großes Budget, um eine Sammlung zu beginnen. Was ist deiner Meinung nach ein guter Weg, um eine eigene Sammlung aufzubauen?
Man kann mit einem kleinen Budget schon recht weit kommen, vor allem wenn man in aufstrebende, jüngere Künstler investiert. Das kann sehr lohnend sein, weil man die Gelegenheit hat, neue Talente schon am Anfang ihrer Karriere zu unterstützen. Oft werden diese noch nicht von einer Galerie vertreten und das Preisniveau spiegelt das wider. Instagram und andere Formen der sozialen Medien bieten vielen aufstrebenden Künstlern eine einzigartige Ausstellungsplattform, auf der sie ihre Arbeiten einem großen Publikum präsentieren können. Es ist aufregend, neue Talente zu entdecken und ihre Karriere von einem frühen Stadium an zu verfolgen. Außerdem gibt es einem die Möglichkeit, mit relativ geringem finanziellen Aufwand in gleich mehrere Kunstwerken zu investieren.

Welche Faktoren spielen eigentlich mit, wenn man der eigenen Kunstsammlung zu einer gewissen Bedeutsamkeit verhelfen will?

Eine Sammlung sollte meiner Meinung nach zunächst immer persönlich sein und den Charakter ihres Besitzers widerspiegeln. Ich kaufe nur Werke, die ich selbst interessant finde und versuche, Marktspekulationen oder übermäßig gehypte Künstler so weit wie möglich zu vermeiden. Natürlich kann es schwierig sein, sich nicht von populären Trends beeinflussen zu lassen, aber es ist viel herausfordernder (und interessanter), beim Aufbau einer Sammlung gegen den Strom zu schwimmen. Der amerikanische Kunstsammler Hubert Neumann zum Beispiel hat einmal betont, wie wichtig es ist, junge Künstler zu unterstützen und eine Sammlung aufzubauen, die auf Künstlern der Zukunft basiert und nicht auf denen der Vergangenheit. Mit dem prall gefüllter Geldbörse kann jeder etablierte und bekannte Künstler von Da Vinci bis Picasso kaufen, aber diese Künstler sind nicht mehr unter uns, und ich denke, es ist viel lohnender, lebende Künstler zu unterstützen und ihnen zum Aufstieg zu verhelfen. Kunst bekommt eine ganz andere Perspektive, wenn man sich dafür entscheidet, heutige Talente zu entdecken und in sie zu investieren - die Natur des Sammelns wird dadurch frischer und spannender. Ich würde auch empfehlen, eher "weniger und größer" als "mehr und kleiner" zu kaufen. Letztendlich ist es für mich nicht die Größe einer Sammlung, die zählt, sondern der Inhalt. Weniger kann in diesem Fall oft mehr sein.

Du gehörst selbst zu einer neuen Generation von Kunstsammlern. Kannst du Unterschiede im Verhalten älterer Sammler und der jüngeren Generation feststellen, was die Art und Weise betrifft, wie sie Kunst suchen und finden?

Ich denke, es gibt einen großen Unterschied zwischen der älteren Generation etablierter Sammler und der heutigen jüngeren Generation. Die ältere Generation hat einen "traditionelleren" Zugang zum Kunstmarkt und zieht es meist vor, Galerien persönlich aufzusuchen, oder auf Auktionen und Kunstmessen zu gehen, um neue Kunst kennenzulernen und zu kaufen. Die jüngere Generation hingegen erkennt man daran, dass sie sich online sehr viel wohler fühlt. Abgesehen davon glaube ich aber immer noch, dass man Kunst am besten in der Realität erlebt (und nicht "nur" online). Allerdings ist das Internet ein wirklich nützliches Werkzeug, das mich über neue Trends und aufstrebende Künstler auf dem Laufenden hält und ein riesiges und unmittelbares Publikum für aufstrebende Talente bietet. Ich verallgemeinere hier, aber ich denke, dass die ältere Generation dazu neigt, Galerien als notwendiges "Qualitätssiegel" zu betrachten, während jüngere Sammler eher bereit sind, die Künstler selbst anzuerkennen. Bei diesem Thema falle ich eher zwischen zwei Stühle: Ich glaube, dass es wichtig ist, mit den Institutionen zu interagieren, die Künstler vertreten und ihre Werke verkaufen, aber ich liebe es auch, über das Internet und soziale Medien direkt mit den Künstlern in Kontakt zu treten.

Was braucht es damit ein Kunstwerk deine Aufmerksamkeit fesselt?
Das hängt eng mit meiner generellen Auffassung vom Sammeln von Kunst zusammen: Ein Werk muss mich direkt ansprechen und eine schon fast körperliche Reaktion hervorrufen - ein Staunen, das bei mir bleibt. Es ist wie in einer Beziehung: Man möchte eine ewige Liebe eingehen, die auch nach vielen Jahren noch anhält. Kunst muss die gleiche Wirkung auf mich haben, und ich habe gelernt, dabei meinem eigenen Urteil zu vertrauen. Das spiegelt sich in der Art und Weise wider, wie ich Werke für meine Sammlung erwerbe. Ich habe meine Entscheidung oft auf den ersten Blick getroffen - ich 'weiß' es einfach. Die Brask-Sammlung ist umfangreich, und zwangsläufig habe ich einige Käufe getätigt, über die ich mittlerweile hinweg bin. Trotzdem habe ich noch nie ein Werk für die Sammlung gekauft, das ich später wirklich bereut habe. Wie bei so vielen Dingen im Leben hat mich die Erfahrung weiser gemacht und mir die Art von Wissen vermittelt, die man nur durch Zeit, Ausprobieren und Fehler erreichen kann. Meine Herangehensweise und mein Verständnis für das Sammeln von Kunst hat sich im Laufe der Jahre weiterentwickelt, und ich bin dankbar für jeden Teil dieser Reise.

Im Laufe der Jahre hast du sicherlich viele Ateliers betreten. Was genießt du am meisten am Austausch mit Künstlern?

Die Atelierbesuche und die Interaktion mit den Künstlern sind eines der Dinge, die ich in meiner Rolle als Kurator und Sammler am meisten schätze. Das Atelier eines Künstlers ist ein heiliger Ort, an dem Ideen und Gedanken geboren und in einzigartige Werke verwandelt werden. Es ist, als ob man "hinter die Kulisse" schauen darf. Mein Interesse begann aus meinem eigenen Mangel an Verständnis für den Prozess, der hinter der Schaffung von Kunstwerken steht. Ich war neugierig auf die Umgebung, die Materialien, die Inspiration durch die Kunst ansteht und wollte mehr darüber erfahren, wie ein Künstler einen Gedanken aufnehmen und etwas daraus schaffen kann. In Folge dessen wurde die Kunst für mich noch interessanter und persönlicher, nachdem ich die Gelegenheit hatte, Zeit im Atelier zu verbringen.

Durch deine Atelierbesuche ist dann auch eine Buchreihe entstanden, die Brask Studio Visits. 

Ganz genau. Seit sieben Jahren gebe ich die Buchreihe Brask Studio Visits heraus, die verschiedene Künstler in ihren Ateliers porträtiert. Die Serie erscheint in einem Format, das sowohl Kunstneulinge als auch Experten anspricht, und enthält neben Fotografien der verschiedenen Ateliers auch ein Interview mit den Künstlern während ihrer Arbeit - so bleibt das Gespräch zwanglos und zugänglich. Die Atelierbesuche sind etwas, dem ich auch in arbeitsintensiven Phasen viel Raum gebe, weil es mir so viel Freude bereitet und mich mit den Künstlern verbindet. Sie sind mir auch in meiner Rolle als Kurator besonders wichtig und haben mir die Möglichkeit gegeben, viele einmalige Kollaborationen einzugehen. Ich arbeite gerade an der siebten Ausgabe von Brask Studio Visits, die im Oktober 2021 erscheinen wird, und ich bin so glücklich, dass ich meine zahlreichen Atelierbesuche weiterhin mit einem breiten Publikum teilen kann.

Wie entstand der Drang, über Kunst zu schreiben?

Das begann in den frühen 90er Jahren, als ich für ein Magazin namens Fantazie über Graffiti schrieb. Zwischen 1991 und 1993 gründete ich zusammen mit dem dänischen Graffiti-Künstler Rens das Magazin Sneaktip. Dies war das erste Magazin in Dänemark (möglicherweise in ganz Skandinavien) über Graffiti. In beiden Magazinen hatte ich eine Kolumne, in der ich darüber berichtete, was es Neues in der Graffiti-Szene gab. Das war noch vor dem Internet (in dem Sinne, wie wir es heute kennen) und wir mussten uns gegenseitig Briefe mit beigelegten Bildern schicken. Das dauerte ewig, weil die Bilder entwickelt werden mussten, aber es war der Ausgangspunkt für das, was ich heute noch mache, nämlich über Kunst zu schreiben. Im Jahr 2013 kuratierte ich die Ausstellung DANSK GRAFFITI 1984-2013 im Kunsten Museum of Modern Art in Aalborg. In Verbindung mit der Ausstellung beschlossen wir, einen Katalog zu veröffentlichen. Seitdem habe ich etwa 20 Bücher in meinem eigenen Verlag, Brask Publications, veröffentlicht und arbeite derzeit mit meinem Team an einer Reihe neuer Publikationen, die auf unserer Website erscheinen werden.

Du erwähntest, dass du auch als Kurator arbeitest. Kannst du mehr über deine kuratorischen Aktivitäten erzählen?
In meiner Rolle als Kurator arbeite ich mit Sammlern zusammen, um ihr Portfolio aufzubauen und ihnen mit meiner Expertise und meinem Netzwerk zu helfen, eine Sammlung zu verwirklichen, die ihren Wünschen entspricht. Meine Rolle definiert sich dabei eher dadurch, dass ich meine Erfahrung und mein Wissen über den Erwerb spezifischer Kunstwerke einbringe, wie man eine Sammlung aufbaut und weiter entwickelt, als dass ich generelle Kunstberatung anbiete. Einige der Sammler, mit denen ich zusammenarbeite, kaufen ein Gemälde pro Jahr, andere erwerben mehrere pro Monat. Deshalb ist es wichtig, persönliche Beziehungen zu Sammlern aufzubauen, die ich treffe, um sicherzustellen, dass ich ihren Geschmack und ihre Präferenzen noch besser verstehen lerne als sie selbst. Es ist so lohnend, Sammler an neue künstlerische Positionen heran zu führen oder ihnen zu helfen, ihren Traum vom Besitz von Werken bestimmter Künstler zu verwirklichen. Ich würde zwar nie jemanden überreden, ein Werk anzunehmen, das er nicht mag. Wie sich jedoch herausstellt, sind viele oft dankbar für die "Einführung" und glücklich, dass sie eine neue und unerwartete Richtung eingeschlagen haben. Ich respektiere das und würde nie jemanden überreden, ein Werk anzunehmen, das er nicht mag. Wie sich jedoch herausstellt, sind sie oft dankbar für die "Einführung" und glücklich, dass sie eine neue und unerwartete Richtung eingeschlagen haben. Ich liebe es, mit so vielen begeisterten Sammlern zu arbeiten und freue mich immer darauf, mit ihnen über Kunst zu diskutieren.

Kannst du den Namen eines Künstlers nennen, dessen Werk einen nachhaltigen Einfluss auf die Art und Weise hatte, wie Kunst in dein Leben getreten ist?

Zum einen natürlich der dänische Künstler Michael Kvium, der der erste Künstler überhaupt war, von dem ich ein Werk erworben habe, also hat er gewissermaßen den Grundstein für die Brask Collection gelegt. Ich kannte Kvium zu der Zeit nicht persönlich. Ich kannte ihn nur von seinen Arbeiten, aber ich bin glücklich, ihn jetzt zu meinen engen Freunde zählen zu dürfen. Er ist ein außergewöhnlicher Mensch mit einem großen Herzen, und ich halte ihn für eines der größten Talente unserer Zeit. Dann hat mich die Arbeit von Dan Schein schon immer gefesselt. Es ist faszinierend, wie er das Wesen im Kern des Menschen und seine Sehnsüchte aufzeigt. Ein weiterer wichtiger Künstler in der Sammlung ist der amerikanische Künstler Eddie Martinez. Eddie ist einer jener Künstler, deren Talent augenscheinlich ist. Seine Werke sind lebendig, unverfälscht und poetisch zugleich, und ich bin immer gerne in der Nähe seiner Werke, was wahrscheinlich das Wichtigste ist, wenn man sich dazu entscheiden, mit Kunst zu leben.

Text: Florian Langhammer
Fotos: Mads Guldager, mit freundlicher Genehmigung von Jens-Peter Brask