Oliver Elst und Laura del Arco sind ein bekanntes Sammlerpaar mit Sitz in Berlin und Barcelona. Laura, Modedesignerin und Kunstdirektorin, und Oliver, ehemaliger Autodesigner, wohnten beide lange Zeit in Shanghai, in China, sind vor einigen Jahren in die Welt des Kunstsammelns eingetreten und haben seither einzeln und gemeinsam bedeutende Kunstsammlungen aufgebaut. Laura gründete die Del Arco Collection im Jahr 2018 und konzentriert sich auf die Unterstützung von Künstlerinnen und Künstlern, die sich mit weiblicher Selbstdarstellung, Identität, Zugehörigkeit und Gender-Darstellung beschäftigen. Mit ihrer Sammlung befördert sie weibliche, nicht-binäre und queere Visionen in der zeitgenössischen Kunstlandschaft. Oliver begann 2016 mit dem Sammeln und konzentrierte sich damals auf die zeitgenössische afrikanische Kunst und ihre Diaspora. Im Jahr 2020 entwickelte sich die Sammlung weiter und öffnete sich für ein breiteres Spektrum an Künstlern aus der ganzen Welt, in denen er Potenzial und eine einzigartige und charakteristische Praxis erkennt.

Laura, Oliver, wie habt ihr euch kennengelernt und wie hat sich euer gemeinsames Interesse an der Kunst entwickelt?
Oliver: Unser erstes Date war auf einer Kunstmesse. (lacht) Ich lebte damals in Wuhan, China, und arbeitete als Autodesigner für eine chinesische Automarke, und Laura arbeitete als Art Director für ein Multimarken-Modeunternehmen. Wir trafen uns in Shanghai bei einer Vernissage von Jean-Michel Othoniel in der Galerie Perrotin und verliebten uns bei unserem ersten Gespräch.

Laura: Von diesem Moment an besuchten wir jedes Wochenende Kunstveranstaltungen und verbrachten unsere gesamte Freizeit damit, Kunst zu sehen. Ich denke, man kann sagen, dass uns diese gemeinsame Kunsterfahrung verbunden hat.

War Kunst in euren jeweiligen Familien schon früh ein Thema oder hat sich euer Interesse an Kunst erst später entwickelt?
O: Nein, eigentlich nicht. Keiner von uns kommt aus einer Familie von Kunstsammlern.

L: Allerdings hat meine Mutter gerne gemalt. Als ich ein Kind war, hat sie mich oft in ihre Malsitzungen einbezogen. In diesen Momenten fühlte ich mich sehr mit ihr verbunden und getröstet. Meine Mutter und ich haben dann immer mehr über Kunst gesprochen. Ich begann, in Museen zu gehen, und sammelte Postkarten mit den Gemälden, die mir in den Ausstellungen, die ich sah, am besten gefallen hatten. Das war sozusagen meine erste sehr bescheidene Kunstsammlung. Als ich nach China gezogen war, begann ich, jedes Wochenende zu Galerieeröffnungen zu gehen. Das war auch die Zeit, in der ich anfing, Gemälde zu kaufen. Zunächst war ich vor allem von der zeitgenössischen chinesischen Kunst angezogen. Ich wollte die Kultur und die künstlerischen Praktiken des Landes, in dem ich lebte, verstehen. Doch mit der Zeit wurde mir klar, dass mein eigentliches Interesse der Darstellung von Frauen in der Kunst galt, unabhängig von der Herkunft der Künstlerinnen oder Künstler. Was mich am meisten interessierte, waren die Unterschiede zwischen diesen weiblichen Positionen und die Bandbreite der künstlerischen Ausdrucks- und Charaktermöglichkeiten.

O: Als Teenager begann ich zu zeichnen, vor allem Autos, Graffiti, Comicfiguren, und später, während des Studiums, beschäftigte ich mich auch mit Malerei und Aktzeichnungen. Das führte mich in die Kunst- und Designbranche. Im Alter von 14 Jahren wusste ich, dass ich Autodesigner werden wollte. Mit diesem Ziel bewarb ich mich an der Hochschule für Gestaltung in Pforzheim, wo ich auch Malkurse besuchte. Mit meinem ersten Job in meinen frühen Zwanzigern hatte ich die finanziellen Mittel, um meine ersten Kunstwerke kaufen zu können. Im Laufe meiner Karriere als Autodesigner verlor ich nie das Interesse an der Kunst und begann neben meinem Beruf zu sammeln.

Was war das erste Kunstwerk, das du gekauft hast?
O: Ich erwarb zwei Lithografien von Gerhard Richter, gleich nachdem ich meinen ersten Job antrat. Lithografien waren ein guter Einstieg ins Sammeln, aber sie gaben mir nicht das Gefühl eines echten Werks auf Leinwand, also erwarb ich mein erstes Originalwerk: ein Gemälde des amerikanisch-ivorischen Künstlers Aboudia. Als ich anfing, ernsthafter zu sammeln und mich auf zeitgenössische afrikanische Kunst und ihre Diaspora zu konzentrieren, fragte ich mich, welche Art von Kunst mich wirklich ansprach und mich auf einer tieferen Ebene berührte.

Wie hat sich der Fokus der Cuperior-Sammlung auf die Kunst von Künstlern afrikanischer Herkunft entwickelt?
O: Mein Vater reiste zu seiner Zeit viel in afrikanische Länder, und ich hatte dieses Bild von Afrika in meinem Kopf. Nachdem ich mehr recherchiert hatte, wurde mir klar, dass die zeitgenössische afrikanische Kunst eine riesige Dynamik und eine große Chance birgt, da Afrika von der Kunstwelt lange Zeit nicht wirklich als würdig angesehen wurde. Die afrikanische Kunst war zu dieser Zeit noch recht zugänglich, und ich sah ein großes Potenzial für diese Künstler. Ich war begeistert von der Vielfalt ihrer Ausdrucksformen.

Ihr habt euch entschlossen, vom Design zur Gründung einer eigenen Kunstberatung zu wechseln und später eure beiden persönlichen Sammlungen der Öffentlichkeit zu präsentieren und den PRIOR Art Space und PRIOR Next Generation zu eröffnen. Wie kam es dazu?
L + O: Am Anfang interessierten sich viele Freunde und Sammler dafür, was wir mit unseren Sammlungen machten, und baten uns um Rat beim Aufbau ihrer eigenen Kunstsammlungen. Wir gaben ihnen Ratschläge und teilten Vorschläge mit Werken von Künstlern, auf die wir bei unseren eigenen Recherchen gestoßen waren und die wir ebenfalls sammelten. Dies brachte uns auf die Idee, eine eigene Kunstberatung zu gründen und nach der Lockdown-Aufhebung die Idee in die Tat umzusetzen: PRIOR Art Space und PRIOR Next Generation. Das Anliegen unserer Kunsträume ist es, durch die Ausstellung unserer Privatsammlungen aufstrebende Künstler zu fördern und die Kunstsammelpraxis der kommenden Generationen zu inspirieren. Ziel ist es, international und historisch unterrepräsentierten Künstlern eine Stimme zu geben und verschiedene Visionen zu Konzepten ins Gespräch zu bringen, die relevante Anliegen in einer zeitgenössischen Landschaft widerspiegeln.

Gibt es Beziehungen zwischen euren Empfehlungen als Kunstberater und eurer persönlichen Sammlung?
L: Wir empfehlen nur Künstler, von denen wir überzeugt sind. Daher vermitteln wir natürlich auch Werke von Künstlern, die wir selbst sammeln. Wir arbeiten eng mit den Galerien zusammen, die sie vertreten. Bei allen unseren Beziehungen ist es uns sehr wichtig, dass sie auf Transparenz und gegenseitigem Vertrauen beruhen. Und dass wir durch eine solche Zusammenarbeit ein gemeinsames Ziel erreichen können, nämlich unseren Künstlern Sichtbarkeit und Aufmerksamkeit zu verschaffen.

Ist die afrikanische Kunstszene euer ausschließlicher Fokus als Berater und Sammler?
O: Nun ja, wir haben uns schon immer für unterrepräsentierte Künstler interessiert. Afrikanische und lateinamerikanische Künstler waren und sind im institutionellen Kontext historisch und international unterrepräsentiert. Deshalb halten wir unter anderem Ausschau nach künstlerischen Talenten mit diesem Hintergrund.

L: Wir interessieren uns auch für Themen der Gender-Identität und des Körpers, die in der feministischen, nicht-binären und queeren Kunst häufig auftreten. Wir freuen uns, dass diese Konzepte zunehmend Beachtung finden und Teil des allgemeinen Diskurses in der internationalen Kunstszene sind.

Könnt ihr den Prozess beschreiben, wie ihr euch entscheidet, ein Kunstwerk zu erwerben?
L: Ich persönlich würde es als eine Art Magie beschreiben, die stattfindet. Ich muss eine persönliche Verbindung spüren. Wenn ich auf ein Werk einer Künstlerin stoße, das sich mit der weiblichen Erfahrung, dem Körper oder der Selbstakzeptanz befasst, oder eines Künstlers, der Frauen in einer fairen und ermächtigenden Weise darstellt, dann stimmt das mit meinem eigenen Leben und meinen Überzeugungen überein. Es wird dann ein Teil von mir in dem Maße, dass ich es in meine Sammlung aufnehmen möchte.

O: Ich habe das Gefühl, dass mein Auge mittlerweile recht gut geschult ist, um das Potenzial im kreativen Ausdruck eines Künstlers zu erkennen. Wenn ich erwäge, ein neues Werk zu kaufen, versuche ich mir vorzustellen, welche Rolle es in meiner Sammlung spielen würde. Was fügt es hinzu? Ich habe festgestellt, dass ich unbewusst auch den Goldenen Schnitt beachte, um die Qualität eines Kunstwerks zu beurteilen. Es ist ein Prinzip, das man in der Architektur, im Design, in der Natur und auch in der Kunst beobachten kann. Es ist ein Verhältnis, das häufig in Kunstwerken angewandt wird, ob figurativ oder abstrakt. Wenn man genau hinsieht, kann man erkennen, dass ein Werk bestimmten Regeln der Proportion und Positionierung folgt.

L: Generell glaube ich, je mehr man sieht, desto besser erkennt das Auge echtes Talent und einen starken Charakter. Je mehr man sieht, desto mehr erkennt man intuitiv den Wert oder das Potenzial eines Kunstwerks.

Wie war es, als junger Sammler in die Kunstsammlerszene einzusteigen?

O: Es war sehr aufregend. Ich habe viel gelesen und mit vielen Leuten aus der Kunstwelt gesprochen, vor allem mit anderen Sammlern. Ich habe auch einen Kurs am Sotheby’s Art Institute besucht, um ein tieferes Verständnis dafür zu bekommen, wie dieser undurchsichtige Markt funktioniert und wie man eigentlich eine ernsthafte Sammlung aufbaut. Es braucht viel Zeit, aber es ist sehr nützlich, seine Nachforschungen anzustellen und auch über die eigenen Absichten als Sammler nachzudenken. Zu entscheiden, aus welchen Gründen man Kunst kaufen möchte, ob hauptsächlich zu Dekorationszwecken, aus Investitionsgründen oder weil man sich in ein bestimmtes Werk oder einen Künstler verliebt hat. Für mich ist es auch wichtig, mit den Künstlern, den Galerien oder anderen Sammlern in Kontakt zu treten, Beziehungen aufzubauen und Gedanken auszutauschen.

L: Um ehrlich zu sein, habe ich das Gefühl, dass mein Weg als junge Sammlerin in der Kunst nicht so einfach war. Leider gibt es nicht nur ein Establishment, in dem Künstlerinnen institutionell nicht vertreten sind, sondern ich habe auch das Gefühl, dass es schwierig ist, als junge Frau in einem Bereich tätig zu sein, der historisch gesehen von Männern dominiert wurde, und das Sammeln von Kunst ist auch einer davon. Letztendlich ist es das Wichtigste, mit Leidenschaft und Herz zu sammeln und nie die Vision und die Gründe zu verlieren, warum Kunst für mich nie nur der Kauf von Kunstwerken sein wird, wenn es nicht auch eine langfristige Unterstützung für Künstler und ein Lebensziel ist.

Vor Kurzem habt ihr ein Programm ins Leben gerufen, eure Sammlungen auszustellen und auch Kollaborationen mit von euch gesammelten Künstlern und internationalen Galerien zu zeigen. Wie kam es dazu?
O + L: Als wir von China nach Berlin zogen, hatten wir das Gefühl, dass wir einen Raum für aufstrebende Künstler brauchen, um ihnen mehr Sichtbarkeit zu geben. Als wir uns die Galerienszene und die institutionelle Landschaft in Deutschland ansahen, hatten wir nicht den Eindruck, dass der Förderung von unterrepräsentierten jungen Künstlern, die sich mit den unmittelbaren Themen unserer Zeit beschäftigen, viel Aufmerksamkeit geschenkt wird. Deshalb wollten wir etwas anderes und Neues für Künstler mit mutigen zeitgenössischen Ideen schaffen.

Welche Künstler könnt ihr empfehlen?
L: Faye Wei Wei, Bambou Gili, Grace Mattingly, Nadia Waheed, Kristy M Chan, Vivian Greven, Jeanine Brito, Daisy Parris, Elizabeth Glaessner, Hiba Schahbaz, Katja Farin … und viele mehr.

O: Tyler Ballon, Cinga Samson, Matthew Eguavoen, Igor Moritz, Ian Michael, Sikelela Owen, Cornelius Annor, No Martins, Isaac Mann, Tahnee Lonsdale, Giorgio Celin, Olivia Sterling und noch einige mehr.

Wie ist der Ausstellungsraum in Berlin und in Barcelona jeweils aufgebaut?
O + L: Der Ort besteht aus zwei Räumen, die sich jeweils auf einer separaten Etage befinden und einen unterschiedlichen Zweck haben. Auf der einen Etage stellen wir Werke aus unserer Privatsammlung aus und sind in wechselnden kuratierten Ausstellungen für die Öffentlichkeit zugänglich. Die andere Etage ist unser Kooperationsraum, in dem wir wechselnde Ausstellungen mit neuen Werken von Künstlern, die wir sammeln und unterstützen, kuratieren und nach relevanten Konzepten und in Zusammenarbeit mit befreundeten internationalen Galerien, Kuratoren und Künstlern organisieren. Die Idee dahinter ist, das Sammeln von Kunst für neue Generationen zu fördern.

Kunst hat wirklich Einzug in euer Leben gehalten. Könnt ihr in Worte fassen, was Kunst für euch bedeutet?
L: Für mich lenkt die Kunst unseren Blick und erklärt das Unmögliche, das Unsichtbare oder das Unausgesprochene. Manchmal braucht es die Sensibilität einer Künstlerin oder eines Künstlers und ihre oder seine besondere Art, die Welt wahrzunehmen, um uns auf etwas aufmerksam zu machen oder etwas ganz anders zu betrachten und vielleicht zum ersten Mal wirklich zu verstehen.

O: Für mich bedeutet Kunst absolute Freiheit. Künstler müssen die uneingeschränkte Freiheit haben, ihrer Intuition oder ihrem inneren Wunsch zu folgen, der Welt etwas zu zeigen und es auf eine Weise auszudrücken, die sie selbst wählen, ohne Einschränkungen oder Tabus.

Der Kunstmarkt verändert sich durch die Digitalisierung. Und eine neue Generation von Sammlern wie die eure betritt die Kunstszene. Wie beobachtet ihr diese Dynamik?
O: Der Online-Markt hat ein riesiges Potenzial, vor allem für die junge Generation von Sammlern, die mit dem Kauf in einem digitalen Raum vertraut sind. Heute stehen ganz andere Medien zur Verfügung, um Kunst zu recherchieren und zu konsumieren, zum Beispiel Instagram. Noch nie war es so einfach, sich über neue Künstler zu informieren und sofort mit ihnen in Kontakt zu treten. Vor zwanzig Jahren konnte man Künstler nur treffen, indem man zu Ausstellungseröffnungen ging oder sie im Atelier aufsuchte. Das hat den Kunstsektor radikal verändert.

L: Jüngere Sammler sind offener dafür, Kunst zu kaufen, auf die sie über digitale Kanäle stoßen, zum Beispiel über ein Instagram-Posting oder ein PDF mit einer Liste von Werken, das eine Galerie schickt. Ich selbst recherchiere viel online und habe auf diese Weise schon einige Werke gekauft. Für mich als Sammlerin erweitert das meine Möglichkeiten, sowohl mein Wissen als auch meine Sammlung zu vergrößern.

Bleibt das digitale Erlebnis nicht hinter dem physischen Kunsterlebnis zurück?
O + L: Wenn man ein geschultes Auge hat und zumindest ein wenig Erfahrung mit Techniken, Kunstgeschichte und der Entstehung von Kunstwerken besitzt, kann man meiner Meinung nach auch digital eine Verbindung zu einem Kunstwerk aufbauen und sich vorstellen, wie es physisch aussehen wird. Entweder man kann es fühlen oder nicht.

Apropos digital: Besteht ein Interesse daran, NFTs [Non-Fungible Tokens] zu sammeln?

O: Nein, nicht persönlich. Wir haben einige Künstler, die in unserem Ausstellungsraum NFTs schaffen, aber das liegt nicht in unserem persönlichen Interesse, wir wollen ihnen einfach eine Bühne geben.

L: Obwohl wir der Meinung sind, dass es sich um ein sehr interessantes Segment handelt, das den Kunstmarkt wahrscheinlich stark verändern wird, konnten wir keine Verbindung zu NFTs aufbauen; unser Schwerpunkt liegt nach wie vor auf der Malerei. Wir lieben dieses Genre einfach und glauben, dass wir mit einem digitalen Kunstwerk nicht die gleiche emotionale Verbindung eingehen können wie mit einem physischen Gemälde.

Ihr seid in der Kunstszene sehr aktiv, und es ist schwer vorstellbar, dass ihr euch lange mit dem Status quo zufrieden geben werdet. Was sind eure nächsten Projekte und Ausstellungen?
L: Wir wollen weiterhin mit Institutionen zusammenarbeiten, die mit uns kooperieren, um den Künstlerinnen und Künstlern, an die wir glauben, mehr Sichtbarkeit zu geben.

O: Wir überlegen, Räume in verschiedenen Kunstszenen in Europa zu eröffnen, vielleicht auch irgendwann in Afrika und China.

L: Wir arbeiten auch an unseren Residencies, die wir im kommenden Jahr ausbauen wollen. Im Moment haben wir Kristy M Chan aus Hongkong, eine abstrakte Künstlerin in meinem Programm. Sie hat drei Monate lang in Berlin gearbeitet und nach Abschluss ihres Aufenthalts eine Einzelausstellung in unseren Räumen gehabt.

O: Und auch Craig Cameron-Mackintosh, ein südafrikanischer Künstler aus Kapstadt. Er war bis Mai für zwei Monate bei uns in Berlin, wo wir eine Ausstellung mit etwa acht neuen Arbeiten von ihm gezeigt haben.

L: Wir wollen auch eine Art von Stipendium einrichten. Wir sind der Meinung, dass dies mehr und mehr benötigt wird. Wir arbeiten mit verschiedenen Kunstagenturen und -verbänden in Nigeria und Ghana zusammen, die viele junge Künstler vertreten, von denen etliche sehr talentiert sind, aber kein Atelier haben oder sich den Besuch einer Universität leisten können. Wir wollen Unterstützungsstrukturen schaffen, die diesen Künstlern helfen, ihre Praxis weiterzuentwickeln und die Aufmerksamkeit der Kunstgemeinschaft zu bekommen, die sie verdienen.

Abschließend: Gibt es etwas, das ihr jungen Sammlern mit auf den Weg geben möchtet?
L+O: Es ist immer wieder schön, zu sehen, dass mehr junge Menschen mit dem Sammeln beginnen und eine Leidenschaft für Kunst entwickeln. Unser Ratschlag wäre: Schult eure Augen, seid kritisch und hört immer auf euer Bauchgefühl.

Interview: Kevin Hanscke
Fotos: Nora Heinisch