Pierre Nabhan ist Mitbegründer der Branding- und Word-Design-Agentur JoosNabhan, Dozent an der Universität der Wissenschaften SciencesPo in Paris und publizierter Autor. Pierre sammelt seit etwa zwanzig Jahren Kunst. Wir sprechen darüber, wie man nicht jedem neuen Trend in der Kunstwelt folgt, sondern sich für ein Kunstwerk entscheidet, mit dem man glücklich leben kann. In diesem Zusammenhang besprechen wir auch seine sich immer wieder verändernde Beziehung zu einzelnen Werken, zu denen er sich je nach Lebensphase manchmal mehr und manchmal weniger hingezogen fühlt.

Pierre, wie bist du zum Sammeln gekommen?
Ich komme aus einer Maler- und Fotografenfamilie und war schon immer von Bildern umgeben. Ich habe viele schöne Erinnerungen an die Gemälde zu Hause; einige davon hatte meine Mutter gemalt und andere hatte sie gekauft. Ich erinnere mich besonders an ein Werk von Jean-Pierre Cassigneul, einem Maler der Moderne. Die Arbeit, die wir hatten, war weder abstrakt noch figurativ; und als ich aufwuchs, dachte ich, dass sie eine lustige Figur mit einem großen Kopf und Schnurrbart darstellte. Jahre später erzählte ich meiner Mutter, dass ich die Figur wirklich liebe … Und sie antwortete: „Du meinst wohl das Gemälde, das eine Frau mit einem großen Hut von hinten zeigt!“ (lacht).

War es ein Glück, von Kunst umgeben aufzuwachsen?
Ich mochte es, aber ich glaube nicht, dass ich mir dessen wirklich bewusst war. Meine Mutter nahm uns zu vielen Ausstellungen in Museen und Galerien mit. Sie malte selbst und weckte mein Interesse an der Fotografie. Von klein auf benutzte ich ihre Kamera, oft in Begleitung meines Cousins, der Fotograf ist. Also ja, es war toll, mit Kunst aufzuwachsen, aber noch wichtiger war es zu begreifen, dass auch ich selbst Kunst schaffen kann. Es fühlte sich immer sehr normal an, mit Kunst zu leben.

Abgesehen von deinen Eltern, wer hat deinen Geschmack beeinflusst?
Mein älterer Bruder war Kunsthändler in New York und Paris; er hat mich zur zeitgenössischen Kunst gebracht. Irgendwann fand ich den Kunstbetrieb jedoch etwas verrückt: Es gibt ständig neue Trends und neue Künstler, die man im Auge behalten muss. Die Auseinandersetzung mit Kunst hält einen auf Trab, weil alles so schnell passiert, dass man oft nicht weiß, was gerade angesagt ist. Und wenn du erst einmal mit dem Kunstkaufen begonnen hast, kann sich das Gefühl einschleichen, dass du kaum noch mitkommst. Es gibt einfach so viel zu sehen!

Wie gehst du damit um?
Oh, das stört mich nicht so sehr. Zunächst einmal würde ich nicht sagen, dass ich ein absoluter Kunstkenner bin. Mir ist klar geworden, dass man, wenn man in das Kunstsammeln einsteigt, sich selbst vertrauen und dem folgen muss, womit man sich gut fühlt. Entscheidungen sollten darauf basieren, das zu kaufen, was einem gefällt, womit man leben möchte. Denn wer anfängt zu spekulieren und versucht, mit Kunst Geld zu verdienen, investiert möglicherweise in etwas, das er nicht wirklich mag, und der Wert des Kunstwerks könnte später sinken. Am Ende würde man auf einer Arbeit sitzen bleiben, die man nicht besonders schätzt: keine attraktive Vorstellung!

Wie wählst du also deine Werke aus?
Kunst kaufen sollte sich wie etwas ganz Natürliches anfühlen. Der Ausgangspunkt ist dabei sicherlich eine spezielle Empfindung für ein Werk. Aber ich kaufe ich nicht blind. Ich schaue mir gerne an, wer der Künstler ist: Ist er jung oder bereits etabliert, nimmt er seine Arbeit ernst …

Was meinst du damit?
Nun, es scheint manchmal, als würde heute fast jeder Kunst machen – um hier mal Beuys’ Satz von „Jeder ist ein Künstler“ zu paraphrasieren. Im Hinblick auf die zeitgenössische Kunst habe ich das Gefühl, dass viele OpportunistInnen am Werk sind, die versuchen, Geld zu verdienen, indem sie einem trendigen Konzept folgen und es einige Zeit lang ohne besondere Kreativität wiederholen. Und dann hören sie nach ein paar Jahren einfach mit der künstlerischen Arbeit auf … Diese Art an KünstlerInnen ist nicht wahrhaftig.

Ist also die Wahrhaftigkeit einer KünstlerIn ein Kriterium für dich?
Ein sehr wichtiges! Ich glaube, Kunstschaffende müssen sich selbst treu bleiben und sich ihrer Kunst absolut widmen. Manchmal ist all der Trubel um einen Künstler schwer zu durchschauen … aber ich will jetzt nicht so tun, als wüsste ich alles!

Wie entscheidest du also, wen du kaufst? Und wo: auf Auktionen, in Galerien oder bei der KünstlerIn selbst?
Überall, aber es gibt unterschiedliche Ebenen, auf denen meine Frau und ich kaufen. Auf der einen Seite gibt es Kunst, die leistbar ist und die wir auf Reisen erwerben; dann gehen wir nämlich gerne in Galerien. Wenn wir unterwegs ein Werk sehen, das uns gefällt – und wenn es klein genug ist, um es gleich mit nach Hause zu nehmen – gönnen wir uns das. Es dient quasi als Souvenir; uns interessiert nicht sein Wert als Investment, sondern der emotionale Aspekt. Wenn wir aber bereit sind, eine größere Summe zu investieren, recherchiere ich wesentlich mehr. Ich hole Rat bei Leuten ein, die in der Kunst arbeiten und ich stelle viele Fragen!

Was war dein erster „ernsthafter“ Kauf?
Es ist eine Zeichnung von Jean Cocteau, die ich auf einer Auktion erstand. Einer meiner Freunde arbeitete für das betreffende Auktionshaus und machte mich darauf aufmerksam. Cocteau ist auch ein Dichter, ich selbst verdiene meinen Lebensunterhalt ebenfalls mit Wörtern, daher war das eine schöne Gemeinsamkeit. Später lernte ich dann unterschiedliche Kunsthändler kennen, von denen einer Street Artists vertrat.

War das der Anfang einer Liebe zu dieser Kunstrichtung?
Ich mag den Künstler JonOne sehr, und eines seiner Werke war meine erste Investition. Ich finde ihn interessant, weil er die Street Art auf die nächste Ebene gehoben hat, weil er Schlichtheit beherrscht und sich immer wieder neu erfindet. Und als ich so ein Werk erst einmal gekauft hatte, wurde ich erst richtig neugierig.

Siehst du eine Verbindung zwischen Cocteaus Zeichnung und JonOne?
Mir war damals nicht klar, was es war, aber heute habe ich es verstanden. Das Muster, auf das ich unbewusst reagierte, waren die Schrift und die einfachen Linien, die beide Künstler verwenden. Und interessanterweise gilt das auch für die abstrakteren Stücke, die ich heute besitze – sie zeigen immer einfache Linien. Ich sammle zum Beispiel einen kubanischen Künstler, Rubén Rodriguez, dessen grundsätzliches Interesse an der Linie sein Werk prägt.

Und Rubén Rodriguez arbeitet auch mit Keramik, genau wie Cocteau!
Rubén Rodriguez ist ein bekannter kubanischer Künstler, durch ihn beziehe ich mich auf meine Herkunft, denn meine Mutter ist in Kuba aufgewachsen! Ich lernte seine Arbeit kennen, als mein Cousin, der Fotograf, in Montreal eine Galerie eröffnete, in der bekannte südamerikanische Künstler zu sehen waren, darunter eben auch Rubén Rodriguez. Und ich kaufte auf der Stelle zwei Bilder von ihm. In seiner Arbeit fühle ich mich auch an die einfachen Formen und Linien jenes Cassigneuls erinnert, mit dem ich aufwuchs.

Du hast den Street-Art-Künstler JonOne erwähnt. Er hat unter anderem mit einem anderen Street-Art-Künstler namens L'Atlas zusammengearbeitet, den du ebenfalls sammelst …
L'Atlas ist ein Künstler, der relativ neu auf dem Markt und erst in den letzten fünf bis sechs Jahren bekannter geworden ist – vielleicht sogar zu sehr (lacht). Mir gefällt, dass er viel experimentiert. Er interessiert sich für geometrische Kalligraphie, und in dem Gemälde, das ich von ihm gekauft habe, geht es um die Kunst, Namen zu schreiben, was ja überhaupt ein Thema in der Street Art ist. Er nimmt ein Symbol, dann dehnt er es aus, schrumpft es, verdreht es, schichtet mehrere Symbole übereinander. Es macht einfach Spaß.

Du scheinst aber JonOne zu bevorzugen?
JonOne liebe ich wirklich, weil seine Kunst nicht das ist, was ich als „stressige Kunst“ bezeichnen würde (lacht). Du hast seine Arbeit in deiner Wohnung, manchmal schaust du sie dir an, manchmal nicht, aber du fühlst dich immer gut damit. Seine Werke sind nicht zu dunkel. Sie beruhigen mich, im Gegensatz zu anderen Arbeiten, die ich habe und die mir manchmal vielleicht zu ausdrucksstark sind.

Sprichst du von Adam Sabhan, den du auch sammelst? Seine Arbeit scheint wirklich dunkler zu sein …
Sein Werk ist sicherlich zeitgenössischer in dem Sinne, dass es ausdrucksstärker ist. Ich kaufte eine Reihe von Porträts von ihm – das hing übrigens mit meiner Familie zusammen, denn mein älterer Bruder hatte ihn vor vielen Jahren ausgestellt. Ich schätze Porträts sehr, und empfinde seine als sehr gelungen. Aber Adams Arbeit kann sich ein wenig quälend anfühlen. Eines seiner Porträts hing bei mir zu Hause an der Wand, und irgendwann konnte ich die Seele der darauf abgebildeten Person sehen. Da bekam ich das Gefühl, dass das, was ich dort sah, quälend war.

Gute Kunst kann eben unvorhergesehene Emotionen hervorrufen! Und es passiert, dass du das gleiche Werk unterschiedlich empfindest, je nachdem, in welcher Phase deines Lebens du dich gerade befindest …
Absolut! Auf jeden Fall habe ich Adams Arbeit für eine Weile eingelagert. Generell gilt: Da wir uns im Umzugsprozess befinden, wird es viele Veränderungen in Bezug auf die Kunstwerke geben, die uns umgeben.

Welchen Künstler hast du als nächstes im Auge?
Wir würden gerne ein Werk von Mario Prassinos, einem modernistischen französischen Maler, besitzen. Interessanterweise lebte er früher in der Provence, wo wir ein Ferienhaus haben. Prassinos malt in Schwarz-Weiß, und es gibt da dieses wunderbare große Gemälde der Alpilles (kleines Mittelgebirge in der Provence)von ihm in einer Galerie in Ménerbes, das wir im Auge haben …

Die Werke, über die wir bisher gesprochen haben, unterscheiden sich sehr von den japanischen Holzschnitten, die du ebenfalls sammelst. Wie kommt das?
Ich besitze drei japanische Holzschnitte, die in meinem Büro hängen. Zwei davon waren ein Geschenk meiner Tante, und einen weiteren kaufte ich in Japan. Ich liebe einfach die japanische Kultur, Kunst, die Sprache und das Essen. Ich lernte Japanisch, als ich sieben Jahre alt war, später reiste ich hin und nahm auch an Holzschnitt-Workshops teil. Ich lernte die klassischen Künstler wie Hokusai, Hiroshige, Utamaro, Kuniyoshi kennen … Es ist eine ganz wunderbare Welt. Hokusai hat sich mit Bewegung beschäftigt und damit, wie man Bewegung in Stille verwandelt, um den einzelnen Moment festzuhalten; das fasziniert mich. Folglich ist das japanische Wort für Holzschnitte (und handgemalte Arbeiten auf Seide, Papier oder in Büchern, die Alltagsszenen zeigen) „ukiyo-e“, was „Bilder der schwebenden Welt“ bedeutet.

Deine Faszination für Japan ist groß, du hast sogar bereits zwei Gedichtbände im japanischen Stil veröffentlicht …
Ja, die Poesie heißt Haïku und drückt einen flüchtigen Moment in nur drei Zeilen aus, auf eine sehr kodifizierte Weise. Es ist wie eine Fotografie mit Worten. Ich engagiere mich auch in einem japanischen Verein, der Haïku-Wettbewerbe für Kinder organisiert, und bin dort Mitglied der Jury.

Du hast selbst kleine Kinder – machen die sich Gedanken über die Kunst, die sie zu Hause sehen?
Nun, sie sind noch sehr jung, also ist es für sie etwas, das einfach da ist. Der Ältere zeichnet jedenfalls gerne. Meine Frau und ich zeichnen überhaupt viel mit den Kindern, gerade wenn wir verreisen, haben wir immer Papier und Stifte mit dabei. Ich bin davon überzeugt, dass das erste Werkzeug in der Kunst das Auge ist, das die Welt betrachtet. Zeichnen ist etwas Wunderbares.

Was hast du durch das Sammeln von Kunst über dich selbst gelernt?
Wenn es um Kunst geht, muss man seinem Gefühl vertrauen, auch wenn es sich manchmal irrational anfühlt. Was ich – auch durch das Schreiben meiner Bücher – verstanden habe, ist, dass Kunst nicht nur darin besteht, auf etwas zu reagieren und zu sagen: „Oh, das ist schön“. Es geht darum, tiefer zu schürfen und die Wahrheit zu spüren. Kunst ist unglaublich ehrlich. Meine Perspektive ist jetzt eine ganz andere als die, die ich vor zwanzig Jahren hatte. Du vertraust deinem Gefühl und findest etwas in einem Kunstwerk, das wahr ist, etwas, das in gewisser Weise mit einem Teil von dir zusammenhängt. In meinem Fall macht die Tatsache, dass meine Sammlung mit Wörtern, Schriftstellern, Street Art und Linien zu tun hat, für mich Sinn, weil ich Wörter, Sprachen und Markennamen erfinde, um meinen Lebensunterhalt zu verdienen! Meine Sammlung sagt sicherlich etwas über mich aus, aber ich kann es nur schwer in Worte fassen. Ich sollte vielleicht einen Psychiater aufsuchen (lacht).

Dafür ist wahrscheinlich die Kunst da!
Vermutlich! Ich besitze zum Beispiel diese schöne Fotografie, auf der die Alpen abgebildet sind. Vor etwa fünf Jahren begann ich ernsthaft mit dem Bergsteigen, und ich liebe dieses Bergfoto, weil ich mich damit identifizieren kann. Es sagt etwas über mich aus, über meine Erinnerungen – auch wenn ich nicht im Bild bin. Denn es geht nicht um eine besondere Erinnerung von mir, sondern um eine, die ich erschaffen möchte, um etwas, von dem ich wünschte, ich hätte es erlebt.

Gestalten deine Frau und du die Sammlung gemeinsam?
Wir hatten beide bereits ein paar Werke, bevor wir einander kennenlernten … Und als wir zusammenzogen, suchte jeder aus, was ihm gefiel. Dann begannen wir, unsere Sammlung mit Werken zu erweitern, die uns beide ansprachen.

Bedeutet das, dass ein Teil deiner Sammlung jetzt eingelagert ist?
Manches (lacht)! Die wirkliche Frage ist aber: Lieben wir eine bestimmte Arbeit so sehr, dass wir möchten, dass sie uns jeden Tag ins Gesicht starrt? Das ist eine wichtige Überlegung, und eine völlig rationale. Denn der Kauf eines neuen Werkes bedeutet für uns, dass es aus Platzmangel ein früheres Werk an der Wand in unserer Wohnung ersetzt. Es ist daher umso bedeutender, dass uns das neue besser als das alte gefällt. Wir überlegen sehr genau: Wollen wir das wirklich? Erst dann kaufen wir es – oder auch nicht.

Wie viele Arbeiten besitzt du?
Schwer zu sagen, aber ich denke, so um die 30. Da wir gerade umziehen, sehen wir uns sehr bewusst an, was wir im Keller aufbewahrt haben. Und irgendwann nahm ich ein Porträt von Adam Sabhan heraus – das, das ich zu schwierig fand – und stellte fest, dass ich es wieder mochte, nein, wieder liebte. Einlagern ist etwas Zufälliges, muss ich sagen.

Verkaufst du jemals etwas?
Um ehrlich zu sein, dachte ich daran, den Cocteau zu verkaufen, den ich vor fast fünfzehn Jahren erstanden hatte. In letzter Zeit war ich einfach nicht mehr so begeistert davon. Als ich meiner Frau davon erzählte, sagte sie: „Warum würdest du das tun? Ich mag ihn!“ Und das war’s (lacht).

Hast du ein Lieblingsgemälde in der Sammlung?
Für mich ist es die Sammlung als Ganzes, die ein besonderes Gefühl erzeugt. Stell dir vor, du würdest auf eine einsame Insel gehen und man fragte dich: „Welches Gemälde würdest du mitnehmen?“ Es wäre doch traurig, so eingeschränkt zu sein. Ich besitze lieber keines als nur ein einziges Werk. Ich sehe die Arbeiten, die ich habe, nicht als separate Einheiten, sondern eher als Atmosphäre. Es ist die Sammlung als solche, die einem ein gutes Gefühl gibt – auch wenn auf einem Bild mal jemand gequält aussieht (lacht). Es ist einfach wunderbar, Kunst zu besitzen. Es ist natürlich ein Luxus, keine Notwendigkeit. Es ist Luxus für den Geist.

Apropos Luxus: Wenn du jedes Kunstwerk auf der Welt haben könntest – welches würdest du dir aussuchen?
Da ist der chinesische Künstler Zao Wou-ki, den ich wirklich liebe, seine Arbeiten sind sehr abstrakt, oft großformatig, und sie erinnern mich an Turner. Aber wenn ich länger nachdenke – vielleicht würde ich mich sowieso für einen Turner entscheiden! Das Licht in seinen Gemälden ist einfach unglaublich, die Abstraktion in einigen seiner Werke so zeitgenössisch. Das ist es, was einen großen Maler auszeichnet: zeitlos, klassisch und zeitgemäß zugleich zu sein. Also ja, ein Turner wäre wunderbar.

Interview: Alexandra Markl
Fotos: Elise Toïdé