Die niederländische bildende Künstlerin Anouk Kruithof hat sich, nachdem sie in verschiedenen Städten und Ländern der Welt gewohnt und in den letzten Jahren als Nomadin gelebt hat, nun in Brüssel niedergelassen. Indem sie die Fotografie als Grundlage ihrer Praxis nutzt, die gleichzeitig räumlich, sozial und forschungsbasiert ist, lässt sie sich vom Unergründlichen inspirieren – sei es in den dunklen und gefährlichen Windungen von Dschungelflüssen oder Instagram-Posts westlicher Unternehmen.

Du hast dich vor kurzem in Brüssel niedergelassen und zuvor ausgedehnte Arbeitsaufenthalte in Rotterdam, Berlin, New York, Mexiko und Surinam gehabt, wobei du zwischen diesen Destinationen und deinem Heimatort Dordrecht in den Niederlanden hin- und hergereist bist. Wie fühlt es sich an, wieder die Stabilität eines eigenen Studios zu haben?
Es ist großartig, einen eigenen Ort zu haben, mit all meinen Büchern, Habseligkeiten, Werken und Materialien. In den letzten Jahren war ich eine Nomadin, aber wenn ich an „mein Atelier“ denke, ist dieser physische, ummauerte Ort nicht meine Vorstellung von einem Atelier. Es schränkt mich ein ... Ich habe kürzlich viel Zeit im Dschungel von Surinam (ein Land an der nordöstlichen Atlantikküste Südamerikas) verbracht, und dort arbeitete ich im Freien, im Wald, am Fluss – für mich ist das auch ein Atelier.

Welche Arbeit hast du in Surinam gemacht?
Ich habe ein Kunstprojekt begonnen, aber hauptsächlich habe ich dort mein eigenes Haus gebaut, in einem saramakanischen Dorf namens Botopasi am oberen surinamischen Fluss. Der südamerikanische Dschungel gehört nach meiner Erfahrung zu den am schwersten verständlichen Phänomenen. Die verwandelnde Natur des Amazonas-Regenwaldes ist uranfänglich, allumfassend, unvorstellbar mächtig, erschreckend, schön und spirituell. Die Tiefe seiner angeborenen Weisheit prägt die Weisheit seines Volkes, trotz des Fehlens einer historiografischen Tradition. Digicel-Antenna (Digicel ist eines der beiden Telekommunikationsunternehmen in Surinam) ist jedoch der Stolz des Dorfes. Die Lebensweise der Menschen ähnelt immer noch sehr der aus der Zeit, als sie entflohene Sklaven waren, die sich vor mehr als dreihundert Jahren im Dschungel entlang des Flusses Suriname niederließen ... Aber jetzt sind die Menschen auf WhatsApp. Ich gab einen kreativen Workshop mit den Kindern der Dorfschule und entwarf das Willkommensschild des Dorfes – nicht einfach als Kunstprojekt, sondern aus Dankbarkeit dafür, dass sie mich in ihrer Gemeinschaft aufgenommen haben.

Zugleich fasziniert mich der westliche Ansatz der Menschheit. Unsere Beziehung zur Technik, die zwischen menschlichem Körper und Gehirn aktiv zu intervenieren scheint, ist für mich ebenso unverständlich. Ich habe begonnen, beides zu vermischen, zusammen mit dem Menschen, der Natur und dem Wasser, indem ich Bilder zukünftiger Erzählungen aufgenommen habe, die du dort drüben sehen kannst, gedruckt auf transparente Materialien wie organische Seide, verschiedene Stoffe und PVC-Kunststoffe. Aber im Moment ist dies ein Projekt, das noch „auf der Festplatte“ ist.

Welche Rolle spielt dein Studio dabei?
Es ist der ruhige und ungestörte Raum, den ich brauche, um mich auf all das Material zu konzentrieren, das ich gesammelt habe – von dort draußen, aus dem Internet oder aus Büchern. Für viele Projekte braucht man einen sicheren Raum, um sich zu konzentrieren, zu reflektieren und die künstlerische Produktion in endgültige Werke umzusetzen. Jetzt, da ich wieder ein Atelier habe, kann ich all das Material und all die Ideen und Inspirationen, die ich gesammelt habe, besser einschätzen und verarbeiten und sie langsam zu endgültigen Kunstwerken, einigen Einzelausstellungen und einigen Büchern verarbeiten. Es ist mir sehr wichtig, auch diesen geschlossenen persönlichen Raum zu haben, da ich meine Antennen immer weit offen für die Welt halte. Aber ich werde nie eine formale Atelierkünstlerin sein – es würde sich anfühlen, als wäre ich im Gefängnis. Was außerhalb des Gebäudes passiert, da möchte ich mich engagieren. Ich habe nicht diese Art von introspektiver „Ich und mein Geist, Handwerk und Materialien“-Praxis. Der Kontrast zwischen einer Außenwelt unbekannter Dinge und einem konzentrierten Innenraum, um endgültige Kunstwerke zu schaffen, ist meine ausgewogene Arbeitsweise.

Dennoch hast du deine Praxis als einsam bezeichnet?
Ja, denn ich arbeite selten in irgendeinem Maße mit anderen Kunstschaffenden zusammen, es sei denn in einem intellektuellen Diskurs, in dem Ideen miteinander diskutiert werden. Künstlerische Verbindungen entstehen immer in einem bestimmten Kontext, wo sie organisch wachsen, oder aus einem bestimmten Grund. Ich existiere in einem introvertierten Zustand für ziemlich lange Zeiträume, sodass der Lockdown des Coronavirus für mich etwas ganz Natürliches war. Dennoch bin ich im Allgemeinen sehr daran interessiert, mit Menschen in Verbindung zu treten. Wenn es in meinem Projekt zum Beispiel darum geht, Menschen auf der Straße zu befragen, bin ich aus diesem Grund froh, in diesem sozialen Kontext zu arbeiten, denn dort draußen liegen die wirklichen Kuriositäten der menschlichen Existenz.

Kannst du ein Beispiel dafür nennen?
Im Jahr 2011 absolvierte ich die Residenz Het Vijfde Seizoen (Die fünfte Jahreszeit) in einer großen Einrichtung für psychiatrische Patienten mit ganz unterschiedlichen Krankheitsbildern in den Niederlanden. Ich fragte zehn Patienten was ihre ideale Geburtstagsfeier wäre, weil ich es interessant fand, ihnen einen wirklich denkwürdigen Tag zu schenken. Ich begann, diese Geburtstage im Dialog mit ihnen zu organisieren. Einer wollte ein großes Fest für alle älteren Menschen mit einem Live-Sänger und Heringstoast und Orangensaft für alle Gäste – eine interessante gastronomische Kombination. Ein anderer wollte in die Stadt gehen und einen Geburtstags-Joint rauchen. Das endete damit, dass er mir nachstellte. Jeder von ihnen bekam auch eine Geburtstagstorte mit ihrem fotografierten Porträt – das eigene Gesicht auf eine Torte zu setzen machte Spaß und sie hatten etwas, das sie mit den anderen Bewohnern und der Familie teilen konnten. Aus diesem Projekt entstand die Publikation Happy Birthday To You mit Zitaten aus den Interviews und Fotografien von kleinen Rauminstallationen, die ich aus den dokumentarischen Aufnahmen,welche während der Geburtstagsfeierlichkeiten von meinem Praktikanten entstanden sind, erstellt habe. Es war ein großartiges Experiment ehrlicher menschlicher Zusammenarbeit.

Was macht dich an?
So viele Dinge, die ich nicht ganz begreifen kann! Die verborgenen Gefahren des Dschungels und des Flusses, über die wir vorhin gesprochen haben. Meine Neugierde auf das Unbekannte veranlasst mich, immer mehr Informationen zu suchen; das Lernen bereichert mich. Ich möchte mein rationales „Nicht-Verstehen“ auslösen, anderen zuhören, lesen und forschen, um zu lernen und zu fließen, sodass mein Verstand und meine Wahrnehmung ständig herausgefordert und in Bewegung gehalten werden. Ich bin fasziniert von brennenden Themen oder Tatsachen, wie zum Beispiel der Umweltkrise, die ich in ihrer ganzen Tiefe und mit ihren möglicherweise gravierenden Folgen kaum begreifen kann. All dies ist es, was mich veranlasst, tiefer zu graben, und natürlich auch, weil diese Themen die drängenden Fragen zum Leben auf unserem Planeten und zur Zukunft der Menschheit darstellen. Themen von solcher Unmittelbarkeit, die uns alle betreffen, wie die schmelzenden Eiskappen, sind meiner Meinung nach ein guter Ausgangspunkt, um Arbeit zu machen, aber es ist auch leicht, in Schwierigkeiten zu geraten, da sie aufgrund der Unermesslichkeit des Themas übergeneralisiert werden ... Um gute Kunst zu machen, ist es meiner Meinung nach der Schlüssel einen persönlichen Ansatz zu finden, mit dem man sich mit solch enorm wichtigen Themen auseinandersetzen kann; gleichzeitig bin ich nicht daran interessiert, trockene konzeptuelle Arbeit zu machen. Meine Videoinstallation Ice Cry Baby ist wahrscheinlich ein gutes Beispiel dafür.

Für Ice Cry Baby hast du Videos verwendet, die du online gefunden hast. Kannst du die Arbeit beschreiben?
Es handelt sich um eine Collage aus Videos, die ich aus dem Internet habe, die alle von Leuten gemacht wurden, die auf Reisen gehen, um zusammenbrechende Eiskappen zu beobachten. Es handelt sich um eine Naturkatastrophe, die in einem solchen Ausmaß kapitalisiert wird, dass sie zu einer Touristenattraktion geworden ist. Man kann die Menschen applaudieren und vor Aufregung schreien hören. In einem bestimmten Moment hört man jemanden ‚Yeah Baby‘ schreien, wenn ein Einsturz stattfindet – daher kommt auch der Titel. Es ist, als ob diese Touristen diese einstürzenden Eiskappen besitzen ... Es ist zu einer absurden und perversen Art der Unterhaltung geworden.

Es ist wie das Äquivalent des 21. Jahrhunderts zum Erhabenen. In der Romantik wurden Erlebnisse, die äußerst beeindruckend waren und gleichzeitig als unglaublich schön empfunden wurden, als „sublim“ bezeichnet. Wir sprechen von häufig gefährlichen und gewalttätigen Naturphänomenen.
Ja, genau das ist es. Und die Online-Weitergabe und Verbreitung dieser „Naturkatastrophenspektakel-Videos“ ist sehr unkritisch. Ice Cry Baby hingegen enthält andere, poetischere Schichten. Das Eis, das bricht und ins Wasser stürzt, ist sehr poetisch, als ob die Erde bereits weint. Für mich ist es klar, dass Mutter Erde, in deren Schoß wir eingeladen sind zu leben, sagt: Es ist genug! Ein klarer Alarm! Ich hoffe, die Wirkung ist verwirrend und gewaltig: In der Tat sind wir alle verantwortlich. Gleichzeitig ist dieses Werk in meinem superemotionalen und katastrophalen Trennungsjahr entstanden, vielleicht auch ein unterschwelliger persönlicher Antrieb gegenüber diesen „weltbewegenden“ Videos ...

Wasser scheint ein Thema zu sein, das in deiner Arbeit oft wiederkehrt. Würdest du dem zustimmen?
Ja, ich würde sogar sagen, es ist das verbindende Element meiner Arbeit und spiegelt sich im Arbeitstitel meines neuen Buches Be Like Water wider. Es ist eine Metapher sowohl für das Leben als auch für die Arbeit. Ich bin ein sehr flexibler und offener Mensch, und ich habe zu allem einen transformativen Ansatz. Wasser kann flüssige, feste und gasförmige Zustände haben, es findet immer seinen Weg, es „macht“ die Veränderungen. Und Veränderung ist für mich die einzige Konstante im Leben.

Beides können wichtige Gründe für dich sein, sich dafür zu interessieren, was genau du tust: Es gibt das, was dich inspiriert und antreibt, während du gleichzeitig sehr daran interessiert bist, die Manipulationen aufzuzeigen, die Unternehmen an den Bildern vornehmen, die sie in ihren sozialen Medienkanälen verbreiten.
Mein Projekt #EVIDENCE (2015) ist vielleicht ein gutes Beispiel dafür, das auch auf das schwer fassbare Wesen bestimmter Phänomene zurückgreift, die wir bereits angesprochen haben. #EVIDENCE geht zurück auf Evidence(1977), die bahnbrechende Publikation von Larry Sultan und Mike Mandel, die einen wichtigen Moment in der Aneignungsbewegung in der Fotografie markierte. Sie enthält Fotografien aus den Archiven großer Unternehmen, Regierungsorganisationen und Bildungseinrichtungen, die irgendwie dazu beigetragen haben, die Zukunft Amerikas zu definieren, und die im gesamten Buch ohne ihren ursprünglichen Kontext platziert sind.

Zwei Jahre nachdem ich 2012 nach New York City gezogen war, fragte ich mich, wie Amerikas unklare Zukunft zu diesem Zeitpunkt aussehen würde. Ich arbeitete mit dem amerikanischen Forscher Doug Emery zusammen, und gemeinsam identifizierten wir bestimmte Bildungseinrichtungen, Regierungsbehörden und Unternehmen, die bei der Bestimmung der Zukunft der Vereinigten Staaten eine Rolle spielen werden. Wir wählten 43 aus und schauten uns ihre Instagram-Accounts genau an, verfolgten ihre Tätigkeit bis zu ihren allerersten Postings zurück und studierten ihre Beschreibungen. Auf der Grundlage von 650 Screenshots begann ich mit der Erstellung verschiedener Arbeiten. Dabei kamen recht fragwürdige Dinge heraus, und es entstanden recht kritische Arbeiten, wie z. B. Green Is More Than Just A Color, das auf einer Kundenbeziehungskampagne von Waste Management Inc. basiert, bei der Mitarbeitende handschriftliche Schilder mit umweltbewussten Hoffnungen und Idealen für die Zukunft halten. Der Instagram-Account der Transportsicherheitsbehörde (TSA) enthält Fotografien von beschlagnahmten Waffen, darunter auch die (unscharfen) Personalausweise ihrer früheren Besitzer. Sowohl Neutrals als auch Concealed Matter(s) beschreiben verschiedene Familien von skulpturalen Werken, die sich auf der Grundlage dieser Fotos mit Privatsphäre und Gewalt befassen.

Du hast einen multidisziplinären Ansatz. Arbeitest du auf eine vielschichtige Erfahrung in deinen Installationen hin?
Ja, zum Beispiel möchte ich, wenn es ausgestellt wird, das bereits erwähnte Video Ice Cry Baby von Werken aus einer „Familie von Skulpturen“ (Snug-Fit, Folly, Flat-Head, Skimmer, Stonewall und Squabble) als eine Art chaotisches Publikum umgeben haben. Es handelt sich nicht um ein gemeinsames Werk, aber das Thema ist verwandt: Die Skulpturen sind anthropomorphe Formen, die aus gefundenen Styropor-Theaterrequisiten geformt wurden, die ich mit Anhängseln wie Spazierstöcken und Prothesen kombinierte, dann glasfaserverstärkt und bemalt habe. Über und unter ihnen sind lose baumelnde „Häute“ platziert, die aus auf Latex, Gummi und Plastik gedruckten Fotos bestehen. Die Fotos zeigen Wasseroberflächen, die mit Öl, Giftmüll und anderen chemischen Substanzen verschmutzt sind. Es sind Luftbildaufnahmen, die ich gekauft habe und die mich faszinieren, weil die Verschmutzung natürlich sofort durch die Wasserbewegung aufgelöst wird, d. h. die Beweise für die kriminellen toxischen „Vernichtungshalden“, die von Menschen gemacht werden, werden letztlich von der Natur gelöscht. Nur dank der technischen Anwendungen der Luftbildfotografie und des Internets sind wir in der Lage, dies zu erfassen und zu belichten. Da sie sich in meiner Arbeit über halbtransparente Kunststoffe materialisieren, die hauptsächlich aus Öl hergestellt werden, ergibt sich eine Dualität, die meiner Meinung nach Fragen aufwirft. Der Tragende verstärkt das Bild und wird Teil der Botschaft.

Wenn du auf deine bisherige künstlerische Praxis zurückblickst, was war ein Schlüsselmoment in deiner Arbeit?
Als ich mit 25 Jahren die Niederlande verließ, um ins Künstlerhaus Bethanien in Berlin zu gehen. Die anderen Kunstschaffenden waren sowohl in ihrer Kunst als auch in ihrer Karriere viel weit fortgeschrittener, sodass ich sehr viel gelernt habe. Professionell und persönlich – ich bin vier oder fünf Jahre in Berlin geblieben. Man kann in den Arbeiten, die ich damals schuf, entdecken, dass ich mich von der Art der geraden Fotografie, die ich während meiner Ausbildung gelernt habe, befreien konnte. Ich bin gekommen, um an etwas zu arbeiten, das mehr mir gehört. Ich entwickelte skulpturale und installative Modi der Fotografie, wobei ich aus dem Medium und seinen Konventionen heraustrat und mich einer Annäherung an die Räumlichkeit zuwandte. Ich stelle immer alles in Frage, auch das, was ich selbst tue, und wage es gleichzeitig zu scheitern. Ich musste also an vielen Wänden abprallen.

Interview: Jesse van Winden
Fotos: Laetitia Bica

Links: Anouk Kruithofs WebseiteGalerie Valeria Cetraro Casemore Kirkeby

@anouk_kruithof