Mit Wurzeln in der ruhigen peripheren Landschaft Dänemarks und als Sohn zweier Psychologen war der junge dänische Künstler Asger Dybvad Larsen von früh an von einem Raum der Reflexion eingenommen, einem Raum, um in sich hineinzublicken und über den Prozess des Entstehens zu reflektieren, was auch eines der charakteristischen Elemente seiner Kunst geworden ist. In diesem Interview denkt Asger Dybvad Larsen über seine eigene künstlerische Praxis nach und wie sie ihn dazu verleitet, seine Arbeitsweise mit Farbe, Form, Umfang und nicht zuletzt den Prozess selbst zu hinterfragen – eine konstante Inkonstante in seiner Kunst und seinem Leben!

Asger, du bist in einem kleinen Dorf an der Westküste von Dänemark aufgewachsen. Wie, denkst du, hat dieses Aufwachsen deine Entscheidung beeinflusst, Künstler zu werden?
Ich glaube, es gab immer eine gewisse Kreativität in meinem Leben. Meine Eltern sind beide Psychologen, aber sie haben auch eine kreative Seite. Mein Vater musiziert, und meine Mutter arbeitet ehrenamtlich für das Museum of Religious Art in Lemvig und hat in ihren jungen Jahren, während des Studiums, sogar Kurse an der Aarhus Art Academy besucht. Ich denke, Kunst war immer ein wichtiger Bestandteil unserer Familie. Meine Mutter hat sich einmal eine Regel ausgedacht: Im Urlaub mussten wir jeden Tag mindestens ein Museum und eine Kirche besuchen. Das brachte mit sich, dass meine Geschwister und ich sehr früh Kunst kennengelernt haben und ich sehr deutliche Erinnerungen an die Museumsbesuche meiner Kindheit habe.

Kannst du dich erinnern, wie das Verlangen, selbst Kunst zu machen, in dir herangereift ist?
Eine der frühesten Erinnerungen an kreative Tätigkeiten ist das gemeinsame Zeichnen mit meinem Bruder. Ich erinnere mich, wie wir uns Terminator angesehen haben und den Film als Inspiration für unsere Zeichnungen herangezogen haben. Es war die Idee meines Bruders, und da ich ihn verehrt habe, war ohnehin alles immer zweifellos cool, was er machen wollte. Außerdem bin ich in Fjaltring aufgewachsen – einer Stadt, in der nicht viel los ist –, also fand ich es unterhaltend und entspannend, nach der Schule zu zeichnen. Ich habe es immer genossen, alleine zu sein, und Kunst gab mir einen Raum, in dem ich meinen Gedanken freien Lauf lassen konnte. Ich erinnere mich an ein Interview mit dem dänischen Künstler Claus Carstensen, in dem er über das Klischee vom Künstler spricht, der mit dem Drang geboren wird, zu erschaffen. Bei mir war es vielleicht kein Drang, aber es erschien mir sehr natürlich, den Pfad der Kunstwelt zu betreten. Ich erhielt immer sehr große Unterstützung von meinen Eltern und hatte nie Zweifel, dass dieser Weg der richtige war.

Deine Arbeit ist von einflussreichen Figuren der Kunstgeschichte inspiriert, manchmal durch direkte Referenzen zu bestimmten Künstlern und Genres, wie beispielsweise zum Nachkriegsminimalismus und zur Konzeptkunst. Könntest du das Zusammenspiel zwischen deiner künstlerischen Praxis und den Wurzeln in der Kunstgeschichte ein wenig erläutern?
Es gibt mehrere Möglichkeiten, diese Sache zu betrachten: einerseits mit meiner Arbeit als Ausgangspunkt und der Hinwendung zurück zur Kunstgeschichte oder, umgekehrt, ausgehend von meinem Interesse an Kunstgeschichte, die Bewegung nach vorne, zu meiner Kunst. Es gibt ein Zusammenspiel, bei dem die Vergangenheit und die Gegenwart ineinander verwoben sind, im buchstäblichen und übertragenen Sinn. Mir geht es in der Kunst darum, Dinge, die ich aufregend finde, zu verknüpfen, mit Respekt für meiner Praxis Vorangegangenes und dem, was mir geholfen hat, meine derzeitige Arbeitsweise zu entwickeln. Die Inspiration läuft meiner Meinung nach auf verschiedenen Ebenen ab – auf einer Ebene gibt es den Künstler oder die Künstlerin, auf die ich mich aktiv beziehe, so wie Frank Stella, Agnes Martin und Ad Reinhardt. Auf einer anderen Ebene sind die Künstler und Künstlerinnen, mit denen ich visuelle Ähnlichkeiten habe, etwa Piero Manzoni, Conrad Marca-Relli, Alberto Burri, Eva Hesse, Steven Parrino, Samuel Levi Jones und Sterling Ruby. Und dann sind da noch auf einer dritten Ebene jene Künstlerinnen und Künstler, deren Praxis und Arbeitsmethoden ich zutiefst verehre, so wie Alexander Tovborg, Magnus Andersen, Ida Ekblad und Mads Westrup, Künstler, die im Gegensatz zu mir, einen sehr viel traditionelleren Zugang zur Malerei haben, was mich fasziniert und wiederum auf einer anderen Ebene inspiriert. Natürlich sehe ich mir auch Künstlerinnen und Künstler an, die mit anderen Medien als der Malerei arbeiten, zum Beispiel Isa Genzken, Lone Haugaard Madsen, Klara Lidén und Simon Starling. Eines der Werke, die mich letztes Jahr am meisten berührt haben, war die Videoinstallation k.364 von Douglas Gordon, die ich während meines Residenzprogramms in Düsseldorf gesehen habe.

Oft verweisen deine Arbeiten zurück auf das Medium selbst oder den Erschaffungsprozess der Arbeit. Könntest du ein bisschen mehr über den Selbstbezug deiner Arbeiten erzählen?  
Ich vergleiche oft Menschen mit Gemälden. Ich schätze selbstreflexive Menschen – Menschen, die in sich selbst hineinblicken können und es wagen, ihre eigene Existenz zu hinterfragen. In gewisser Weise mache ich Kunst, die über ihren eigenen Entstehungsprozess reflektiert, ihren Platz in der Kunstgeschichte oder ihre Beziehung zu einer vorangegangenen Reihe von Arbeiten hinterfragt. Wie ich bereits erwähnt habe, bin ich mit Psychologen als Eltern aufgewachsen und es fiel mir immer schon leicht, auf einer existenziellen Ebene über das Leben zu reden, was sich gewissermaßen auch in meiner Kunstpraxis manifestiert hat. Für mich besteht ein großartiges Gemälde aus einer x-beliebigen Menge von verschiedenen Faktoren, zu denen der Künstler Stellung beziehen muss: sowohl in Bezug auf den kunstgeschichtlichen Kontext der Arbeit, als auch auf formale Fragen, wie Komposition, Größe, Farbe etc. Es hängt von diesen Entscheidungen ab, ob eine Arbeit Erfolg hat oder nicht. In meiner künstlerischen Praxis ist die Beziehung des Kunstwerks zu seinem eigenen Entstehungsprozess ausschlaggebend.

Einige deiner früheren Werke beinhalten Farbe, und jetzt hast du, nachdem du in den letzten Jahren eine klare monochrome Palette verwendet hast, langsam wieder begonnen, vermehrt Farbe einzusetzen. Kannst du uns etwas über deren Verwendung und deine beinahe dogmatische Entscheidung, sie nicht zu gebrauchen, erzählen? Als ich 2013 meine erste Einzelausstellung bei Lunch Money (heute: Jacob Bjørn) hatte, wollte ich eine solide Grundlage für meine Entscheidungen schaffen. Warum habe ich genau diese Farbe gewählt? Warum diese Größe? Warum diesen Titel? Und so weiter. Auf die eine oder andere Weise wollte ich alle meine Entscheidungen in den Vordergrund stellen, insbesondere in Hinblick auf die Farbe, die nur eine ästhetische Funktion bedient hat. Als ich begann, mich mehr auf den Prozess und durch den ausdrücklichen Gebrauch von Referenzen auf das Zusammenspiel der Kunstwerke mit der Kunstgeschichte zu konzentrieren, hatte ich das Gefühl, dass meine Arbeit klarer herausstach. Wenn ich die „Adjektive“ oder die Farben entferne – indem ich mich auf eine monochrome Palette beschränke –, sticht die Struktur der Kunst hervor.

Aber jetzt hast du wieder begonnen, mit Farbe zu experimentieren, oder?
Ja, ich habe vor Kurzem wieder begonnen, mit Farbe herumzuspielen, und habe dabei viele neue Erfahrungen gesammelt, was mir eine Menge Mut abverlangt hat. Ich assoziiere ein Gemälde mit der archetypischen Idee eines Malers mit seinem Pinsel, daher ist das eine bestimmte Geste, die ich in meine künstlerische Praxis einbeziehe, die ich immer herausfordere. In meiner letzten Ausstellung bei Gether Contemporary habe ich versucht, mehr „Lärm“ einzubauen, und in meiner Vorstellung war die Ausstellung „laut“ und „chaotisch“ – nicht im schlechten Sinne, aber als eine Art Hindernis, um meine eigene Praxis infrage zu stellen – also hatten alle Kunstwerke verschiedene Kompositionen, Farben und so weiter. Meine kommende Ausstellung mit Rolando Anselmi im September wird sich stark von der vorhergegangenen unterscheiden. Sie wird sich um das gegenteilige Prinzip drehen. Hier werde ich das gleiche Bild neun Mal malen. Dass ich dafür verschiedenen Techniken verwende, ist eine aufregende Methode, auf meine frühere Produktion zurückzugreifen und meine eigene Arbeitsweise zu entwickeln. Es fordert mich heraus, mich immer wieder zu hinterfragen: Was wird passieren, wenn ich genau das Gegenteil von meiner vorherigen Handlung mache? Was passiert, wenn ich mehrere Techniken miteinander kombiniere?

Welche Gefühle würdest du gerne in den Betrachtern deiner Arbeit erwecken? Wie hättest du als Künstler gerne, dass deine Arbeit idealerweise wahrgenommen wird?
Ich habe keine spezielle Idee davon oder keinen Wunsch, wie Leute meine Kunst wahrnehmen. Ich sehe es als Stärke, wenn Kunstwerke unterschiedliche Reaktionen und sogar Uneinigkeit erzeugen. Wenn ich an meine eigene Erfahrung mit Kunst denke, schätze ich besonders den Dialog, den ein Kunstwerk erzeugen kann – einen Dialog, der immer unterschiedlich ist, je nachdem, mit wem du ihn führst. Mit meinem Bruder, der eine Ingenieursausbildung hat, meinem Freund im Musikgeschäft, meiner Mutter, der Psychologin, oder meiner Schwester, die sich dafür interessiert, welche Gefühle ein Kunstwerk in dir hervorrufen kann – die Tatsache, dass du als Beobachter deinen Bezugsrahmen mit anderen teilen und das Kunstwerk aus unterschiedlichen Blickwinkeln anders „kennenlernen“ kannst, hat einen enormen Wert. Deine Erfahrung mit einem Kunstwerk ist immer ein Produkt von deiner Geschichte und dem Zusammenspiel mit deinen Mitmenschen. Ich denke, das ist am interessantesten an der Interaktion zwischen Menschen und meinen Kunstwerken.

Was treibt dich an und lässt dich wieder und wieder in dein Atelier gehen?
Ich arbeite beinahe jeden Tag im Atelier. Ich habe das Privileg, dass mir eine Vielzahl an Möglichkeiten zur Verfügung steht, meine Kunst in so viele neue Richtungen zu bewegen. Ich nehme oft Einladungen zu Events und Angebote an und muss dementsprechend viel Kunst schaffen, aber es sind vor allem die neuen Ideen in meinem Kopf, die mich antreiben – sie zu entfalten und zu sehen, wie sie im echten Leben aussehen. Man könnte es als „high“ verstehen – ich werde extrem glücklich, wenn ich ein Kunstwerk mache, auf das ich stolz bin und von dem ich das Gefühl habe, dass es mir gelungen ist.

2018 hast du das Artist in Residence Programm bei CCA Andratx auf Mallorca absolviert und warst davor in Los Angeles und Düsseldorf. Was bedeutet es für deine künstlerische Praxis, in einen neuen Kontext gesetzt zu werden?
Meine Residenzprogramme waren sehr unterschiedlich, was zum Großteil am Umfeld und meinen vorangegangenen Vorbereitungen liegt. Jeder Ort birgt eine eigene Art von Hindernis, die ich in den Schaffensprozess mit einbeziehen muss, aber alle Residenzen haben gemeinsam, dass ich nicht all mein Werkzeug bei mir habe. Das fordert mich heraus, auf neue Arten zu arbeiten. Für mich ist eine Residenz ein Raum, in dem ich meinen Gedanken freien Lauf lassen kann. Es sind nicht unbedingt die Orte, an denen ich am produktivsten bin oder wo ich neue Erkenntnisse gewinne, aber sie sind sicherlich eine Quelle geistiger Nahrung. Die gleiche Erfahrung mache ich beim Unterrichten, was ich in letzter Zeit sehr aktiv getan habe. Ich fühle mich beinahe high, wenn ich die Möglichkeit habe, einen intellektuellen Dialog über eine künstlerische Praxis und ihre Entwicklung zu führen.

Du hattest deine erste Ausstellung sehr jung im November 2013 bei Lunch Money, einer Galerie in Aarhus, Dänemark (seit 2014 Jacob Bjørn). Wie ist sie zustande gekommen, und kannst du dich erinnern, wie es sich anfühlte, zum ersten Mal geschäftlich als Künstler zu agieren?
Der Galerist Jacob Bjørn, der eine neue Ausstellung plante, recherchierte unter den Studierenden der Jutland Art Academy, der Funen Art Academy und der Royal Danish Academy of Fine Arts. Ich hatte Glück, dass er Potenzial in mir sah und mich fragte, ob ich zu seiner Galerie kommen und mein Portfolio zeigen wolle. Ich stellte ihm meine künstlerische Tätigkeit vor, und davon ausgehend, entwickelten wir einen Dialog, der zu einer Ausstellung führte. Ich erinnere mich, wie mir meine Erfahrung mit ihm bewusst machte, dass man mit einem Galeristen auf die eine Art spricht und mit einem Kollegen auf eine andere. Ich traf meinen derzeitigen Galeristen Rolando Anselmi, als ich meine Einzelausstellung bei LARM hatte, und er fragte mich, ob ich gelernt hätte, „das Spiel zu spielen“. Damals nahm ich an, die Dynamiken der Kunstwelt recht gut zu kennen, doch Lars (Besizer der Galerie LARM) sagte mir, dass ich noch viel zu lernen hätte, und das stimmte. Man braucht viele Jahre, um zu begreifen, wie das System der Kunstwelt funktioniert.

Seitdem hast du in unzähligen großen Städten in der ganzen Welt ausgestellt – unter anderem in London, Berlin, New York, Paris und Rom. Wie gehst du mit diesem großen Erfolg in einer so frühen Phase deiner Laufbahn um?
Er spielt in meinem täglichen Leben keine große Rolle. Natürlich bin ich dankbar, dass es gute Leute gibt, die meine Kunst interessant gefunden haben und meinen, dass sie es verdient, gesehen zu werden. Aber die meisten Leute in meinem Leben kenne ich bereits seit langer Zeit, und unsere Beziehungen haben sich nicht verändert, seit ich größeren künstlerischen Erfolg habe. Der Erfolg schlägt sich in der Tatsache nieder, dass ich in einer wunderschönen Wohnung leben und Kunst kaufen kann, mit der ich mich im Alltag umgebe – und das ist auf jeden Fall immer eine Erinnerung daran, wie glücklich ich mich schätzen kann. Ich schätze das wirklich! Natürlich gibt es dann noch alle diese großartigen Erfahrungen. Durch meine künstlerischen Tätigkeiten lerne ich faszinierende Menschen kennen, und seit ich begonnen habe, für meine Arbeit zu reisen, fällt es mir leichter, neue Bekanntschaften zu machen … und das ist letztendlich wieder eine neue Inspiration für mich.

Warum bist du in Aarhus geblieben, anstatt nach Kopenhagen zu gehen oder in eine der großen Kunstmetropolen wie Berlin, New York oder London?
Angesichts all dieser Möglichkeiten fühle ich mich sehr privilegiert, aber derzeit habe ich vor, in Aarhus zu bleiben. Ich mag es, dass die Stadt eher klein ist und ich nicht andauernd abgelenkt werde. Es ist sehr ruhig hier, und das hilft mir, mich auf meinen kreativen Prozess zu konzentrieren. Auf Reisen verbringe ich Zeit in den großen Städten und dann kehre ich zu meiner Basis in Aarhus zurück. Dieser Ablauf passt mir gerade wirklich gut.  

Auf was konzentrierst du dich derzeit?
Ich arbeite an einer Reihe verschiedener Projekte. Zum Beispiel werde ich im August mit Gether Contemporary bei Chart teilnehmen. Dafür konzentriere ich mich auf ältere, unfertige Werke, die in meinem Atelier herumliegen, Arbeiten, die mich hochgradig irritiert haben. Ich habe herausgefunden, dass Irritation ein sehr produktives Element ist, um mit der Arbeit anzufangen. Eine der Malereien habe ich vor drei Jahren in einer Residenz in West Hollywood, Los Angeles, begonnen, und seitdem lässt sie mir keine Ruhe. Das Verhältnis zu diesem Bild ist derart geladen, dass es sich beinahe wie ein Boxkampf anfühlt. Es ist spannend, einen Prozess weiterzuführen, der vor einigen Jahren begonnen hat und der immer noch das Potenzial birgt, einen Dialog zu schaffen. Abgesehen davon habe ich Projekte in Barcelona und Berlin, die gerade erst Form annehmen. Ich habe auch gerade das Albumcover für Tilebreaker gemacht, eine Band aus Aarhus, die bei meiner Eröffnung bei Gether Contemporary gespielt hat, und ich finde es wirklich lustig, mich in diesem hybriden Raum zu bewegen, in dem verschiedene künstlerische Genres miteinander verschmelzen und sich verbinden.

Gab es für dich je einen Plan B abseits des Kunstpfades?
Nein, es gab niemals wirklich einen Plan B. Ich habe nie einen anderen Pfad als Kunst in Erwägung gezogen. Aber ich könnte mir durchaus vorstellen, zusätzlich zur Kunst zu unterrichten.

Interview: Anne-Lill Brok
Fotos: Luna Lund Jensen

Links:
Artlandapp.com
Asger Dybvard Larsen's website
Rolando Anselmi Gallery
Geukens & De Vil Contemporary Art
Gether Contemporary