»Drag lets me unwind from the seriousness in art.«

Damir Očko wird als einer der bedeutendsten kroatischen Künstler seiner Generation bezeichnet. Seine Videokunst, Collagen und Klanginstallationen wurden an wichtigen Orten wie dem Palais de Tokyo in Paris ausgestellt und vertraten Kroatien auf der Biennale von Venedig. Aber Očko hat nie den Kontakt zu seinen Wurzeln in Zagreb verloren, wo die queere Community seine Kunst inspiriert. Seine neuen Kunstcocktails sind mit einem Drag-Erbe gefüllt.

Damir, kannst du dich an den Moment erinnern, als du beschlossen hast, Künstler zu werden?
Ich bin in einer Arbeiterfamilie aufgewachsen, das Leben war ein Kampf, und Kunst gehörte nicht zu unserem täglichen Leben. Daher konnte ich mir als Kind nie vorstellen, eine künstlerische Karriere einzuschlagen. Aber ich erinnere mich, dass ich als Kind ein Zimmer mit meinem jüngeren Bruder teilte und wir uns jeden Abend eine Geschichte erzählten. Es war eine sehr lange Geschichte, und jeden Abend erzählte einer von uns dort weiter, wo der andere am Abend zuvor aufgehört hatte, und ich erinnere mich, dass ich mit meiner Fantasie sehr weit ging und mein Bruder, der es sehr einfach hielt, mit meinen verrückten Geschichten zurechtkommen musste. Ich habe auch Gedichte geschrieben und Zeichnungen angefertigt. Ich habe mich also schon immer ausgedrückt, aber ich hätte mir nicht im Traum vorstellen können, dass ich damit Karriere machen würde. Zudem wuchs ich in den 1990er Jahren auf, während des kroatischen Unabhängigkeitskrieges, und wurde als schwuler Teenager in Osteuropa erwachsen, in Kriegszeiten, alles war wirklich äußerst schwierig.

Und jetzt machst du schon seit fast 20 Jahren Kunst.
Meine erste Einzelausstellung in Zagreb ist jetzt 20 Jahre her. Als ich Künstler wurde, war das eine Rebellion, weil es völlig gegen die Normen war, die mich umgaben. Ich habe das Gefühl, dass ich mich durch viele Räume und verschiedene Projekte bewegt habe, meine Sprache hat sich je nach Film, an dem ich gearbeitet habe, angepasst. Ich blicke jetzt gerne zurück, weil alles so unterschiedlich ist.

Mir ist aufgefallen, dass deine frühe Kunst eher düster war. Jetzt ist dein Werk viel farbenfroher. Wie kam es zu dieser Veränderung?
Ich würde nicht sagen, dass es düster war, aber es war eine andere Art von Poesie. Ich finde, dass das, was ich jetzt mache, nach außen hin weniger ernst wirkt, aber es ist immer noch intuitiv. Das ist sehr wichtig für mich, ein starkes Bauchgefühl für das zu haben, was ich tue. Irgendwann war ich gesättigt mit dem, was Institutionen und Galerien von mir erwarteten, und bis zu einem gewissen Grad auch mit dem, was ich von mir selbst erwartete. Manchmal tappen wir als Künstler in die Falle, eine Schablone zu werden. Es gab Zeiten, da war ich wirklich frustriert über diese Rahmenbedingungen, in denen man sich befindet. Ich war wohl in einer Krise, und gleichzeitig hatte ich das Gefühl, dass es Teile meines Lebens gab, die nichts mit meiner Kunst zu tun hatten, wie zum Beispiel die Tatsache, dass ich auch eine Dragqueen war, was mir manchmal viel mehr Spaß machte als eine Ausstellung. Es war eine komplizierte Phase. Es hat mich viel Mühe gekostet, es allen um mich herum auf möglichst unauffällige Weise begreiflich zu machen. Aber große Dinge entstehen oft aus Krisen heraus. Jetzt ist es ausgeglichen.

Der Name der Dragqueen ist Aborša Povratilova und sie betreibt ihre eigene Instagram-Seite unter dem Slogan „Studio practice gone wrong“. Ist sie Teil deiner künstlerischen Praxis?
Sie hat mehrere Namen. Aborša, aber auch Miss Dick Maroo, je nachdem, wer fragt. Es begann als ein dummer Scherz mit Freunden. Sie war kein Projekt, und damals wusste ich noch nicht, dass sie einen großen Teil meines Lebens in Anspruch nehmen würde. Irgendwann wollte ich nicht mehr, dass sie sich an meiner Kunst beteiligt, weil sie eine Art Schutzraum war, und ich spürte bereits, wie sich diese Krise voll entfaltete. Aber schließlich war ihr Coming-out unvermeidlich, weil sie für mich nicht wirklich ein Witz war. Durch sie habe ich mir viele Fragen gestellt, über meine Identität, mein Queer-Sein, darüber, wer die Macht und die Kontrolle hat, und so weiter. Also, ja, sie ist Teil meiner Atelierpraxis, auf wunderbare Weise schiefgegangen.

Aborša sieht kämpferisch aus. Welche Botschaft hat sie für das Publikum?
Wenn man sie fragt, würde sie vielleicht sagen, dass es keine Botschaft gibt, denn nicht alles, was man tut, muss mit Bedeutung aufgeladen sein. Dennoch würde ich sagen, dass sie mich dazu bringt, die Kunst mit mehr Freude und Verspieltheit anzugehen, und dass nicht alles eine Frage von Leben und Tod ist, was wir in der Kunst oft vergessen. Ich lese gerne über Vögel und schaue mir lustige Katzenvideos an, und manchmal reicht das schon aus. Das habe ich von ihr gelernt.

Erinnerst du dich daran, wie es war, deine ersten Schritte als Aborša zu machen?
Meine ersten Schritte würde ich als einen richtigen Konflikt beschreiben. Ich habe etwa ein Jahr gebraucht, um Make-up, Körperveränderung und Perücken zu verstehen. Es gibt eine Lernkurve, aber es hat mir Spaß gemacht, es war wie Zeichnen lernen, aber mit Make-up. Wie man Perücken modelliert und Kostüme improvisiert. Ich mag die Materialität von Drag sehr; ein Großteil meiner Arbeit ist davon geprägt. Es war auch nicht ganz einfach, mich vor meinem Künstlerkreis als Dragqueen zu outen. Ich habe mit meinen Freunden im Atelier Drag gemacht und als Aborša einfach Spaß gehabt. Gleichzeitig habe ich mich als Damir mit der Kunstwelt auseinandergesetzt. Für viele Leute waren diese beiden nicht miteinander vereinbar. Am Anfang war ich sehr schüchtern, als ich mich als Dragqueen vorstellte. Aber auch wenn es einige seltsame Reaktionen gab, haben die Leute es im Allgemeinen geliebt und verstanden. Sie war etwas Kindliches und Frisches, mit dem man sich leicht identifizieren konnte.

Dein Werk ist recht umfangreich: Es umfasst Filme, Objekte, Installationen, Gedichte und Arbeiten auf Papier wie Fotocollagen und grafische Partituren. Welches Genre ist für dich das natürlichste?
Im Zentrum steht immer der Film. Auf diese Weise denke ich in Schichten und Zeitlinien und mit seinem komplizierten, beweglichen Raum bietet der Film für mich viele Ansatzpunkte für alle möglichen anderen Medien. Auch die Collage war schon immer ein wichtiger Teil meiner Praxis. Es ist das Medium, das sich am besten für die Denkweise eines Filmemachers eignet. Ich stelle mir die Dinge immer in Schichten vor.

Deine jüngsten Arbeiten bestehen aus einer ganzen Reihe von extravaganten Cocktails. Was ist die Idee dahinter?
Ich dachte an ein Objekt, das in die Hand passt und eine Sammlung von wertvollen und intimen Materialien darstellt, ohne das Etikett einer Skulptur zu tragen. Nachdem ich jahrelang als Drag gearbeitet habe, hatte ich all diese Überbleibsel von Materialien, wie alte benutzte Wimpern, Nägel, abgelaufenes Make-up, alten Schmuck und Kostüme. Glitzer und Schmutz von kostbaren Momenten, die ich mit Freunden verbracht habe. Was ich während der Pandemie sehr vermisst habe, waren die Partys, die ich in meinem Atelier veranstaltet habe. Also habe ich angefangen, diese cocktailähnlichen Objekte herzustellen, indem ich verschiedene Zutaten in ein Glas gegeben habe. Ich liste diese Zutaten als Gedicht auf, sodass das Objekt gleichzeitig ein Cocktail und ein Gedicht ist, eine physische Manifestation der kostbaren Zeit, die man mit anderen verbringt.

Einige der Cocktails, die während der Pandemie kreiert wurden, werden in einer neuen Einzelausstellung in der Kunsthalle Krems mit dem Titel Bird’s milk and other spirits im Sommer 2023 ausgestellt. Was steht noch auf dem Programm?
Nach der Pandemie ist dies meine erste große institutionelle Ausstellung, zu der auch ein neuer Film namens The Dawn Chorus gehört. Es folgt der lokalen queeren Gemeinschaft in Zagreb in einem Ballsaal, der von Vögeln inspiriert ist. Es gibt noch viele andere Arbeiten, die sich aus dem Film ableiten, darunter eine neue Gruppe von Cocktails und einige neue Überraschungen. Es ist eine Hommage an die Zagreber Queer-Community. Für eine queere Person wie mich, die älter wird, ist die Gemeinschaft, die einen umgibt, das, was einen am Leben hält.

Woher kommt der Name Birds’ Milk? Ich weiß, dass es in Teilen Europas ein derartiges Dessert gibt.
Ja, als Dessert ist es in osteuropäischen Ländern beliebt, aber in meiner Ausstellung beziehe ich mich auf einen Ausdruck, der aus der Komödie Die Vögel des antiken griechischen Dramatikers Aristophanes stammt. Es handelt sich um eine Komödie, in der eine Gruppe von Vögeln versucht, die Menschen dazu zu bringen, sie als die ursprünglichen Götter zu verehren, indem sie ihnen das trügerische Versprechen geben, dass die Menschen, sollten sie sich bereit erklären, die Vögel als Götter zu verehren, „die Milch der Vögel“ erhalten würden, ein Geschenk von außergewöhnlicher Seltenheit und sonst unerreichbar, das ewige Weisheit und Glück verspricht. Wenn ich also darüber nachdenke, was das Besondere an der Gemeinschaft ist, mit der ich mich in meinem Film beschäftige, dann ist es die Vorstellung, dass sie so wertvoll ist, besonders für jemanden, der in den 1990er Jahren in Kroatien aufgewachsen ist.

Was hast du in diesen 20 Jahren über die Kunst, die du machst, und über dich selbst gelernt?
Ich habe gelernt, dass Veränderung ein Teil meiner Sprache ist. Ich lernte, weder mich selbst noch die Kunstwelt zu ernst zu nehmen und dass künstlerische Praxis ein Marathon ist, kein Sprint. Man will die Freude am Arbeiten, am Genießen und am Verstehen der Welt lange Zeit haben, also ist es gut, die Dinge langsam anzugehen. In Zagreb kann ich das langsame Tempo haben, das ich brauche.