In seinen persönlichen Arbeiten, die auch von historischen und politischen Ereignissen inspiriert sind, untersucht Danh Vō die Vererbung und Konstruktion von kulturellen Konflikten, Traumata und Werten. Als Vō ein Kind war, floh seine Familie aus Vietnam und ließ sich in Dänemark nieder: ihre Assimilation an die europäische Kultur und die politischen Ereignisse, die ihre Flucht auslösten, sind ein wesentlicher Bestandteil seiner künstlerischen Beschäftigung. Seine Arbeit beleuchtet die Beziehung zwischen den untrennbaren Elementen, die unser Selbstverständnis formen, sowohl durch kollektive Geschichte als auch durch private Erfahrungen. Das Ausstellen von Objekten nach dem Ready-Made-Prinzip ist eine charakteristische künstlerische Strategie von Danh Vō; durch Objekte, die mit einer Symbolik aufgeladen sind, die das sublimierte Verlangen und die Traurigkeit von Individuen und ganzen Kulturen bewahrt, untersucht er, wie sich die Bedeutung mit dem Kontext verändert.

Danh, wie war dein Werdegang zum Künstler-Dasein?
Einige Lehrer sagten mir, dass ich einen guten Blick für Farben und Formen hätte, also bewarb ich mich an der Kunstschule in Kopenhagen und wurde schließlich nach vier Versuchen aufgenommen. Als ich an der Kunstschule ankam, stellte ich jedoch fest, dass ich kein besonders guter Maler war und dass eine viele andere weitaus besser waren als ich. Ich dachte daran, aufzugeben, aber in Dänemark ist es so luxuriös, dass man Geld für das Studieren bekommt, und da ich nicht wusste, was ich sonst tun sollte, beschloss ich, in der Schule zu bleiben und eine schöne Zeit zu haben. Anstatt mir über Form und Farbe und was auch immer für Probleme ein Bild haben kann, Gedanken zu machen, beschloss ich, nicht mehr zu malen und das Beste aus der Situation zu machen. Ich denke, unbewusst war das die beste Entscheidung für mich, weil ich alle Illusionen darüber, was es bedeutet, ein Künstler zu werden, beseitigt habe.

Es ist interessant, dass deine Karriere damit begann, alle Illusionen über das Künstlerwerden zu zerstören, obwohl Kunstgeschichte etwas ist, das in deiner Arbeit sehr oft vorkommt. War das schon immer ein Interesse von dir?
Ja, aber ich glaube nicht, dass das meine beste Eigenschaft ist. Ich denke, meine beste Eigenschaft ist, dass ich mir nie so viele Gedanken über diese Kategorien gemacht habe. Ich bin viel praktischer, als ich kreativ bin. Es geht einfach darum, Dinge zu tun und wen kümmert es, ob es Kunst ist oder nicht? Ich arbeite nur professionell im Bereich der Kunst, aber ich denke, ich hätte auch so viele andere Dinge sein können.

Deine Arbeit bezieht sich oft auf deine eigene Biografie und eines der Dinge, die im Zusammenhang mit deinen Ausstellungen oft erwähnt werden, ist die Tatsache, dass du Liebesbeziehungen, Populärkultur und geopolitische Umstände als gleichermaßen wichtig behandelst, wenn es darum geht, die Identität einer Person zu formen. In deiner Ausstellung im Guggenheim waren zum Beispiel Werke über den Vietnamkrieg, vor dem deine Familie geflohen ist, neben Arbeiten positioniert, die sich auf gescheiterte Liebesbeziehungen bezogen...
Ich habe nie die Unterschiede zwischen diesen Dingen gesehen. Jemand anderes hat diese Terminologien aufgestellt. Ich meine, erstens bin ich nicht einmal Augenzeuge des Vietnamkriegs, aber wenn ich mich damit auseinandersetze, wenn ich mich mit meinem Vater beschäftige, wenn ich mich mit diesem Krieg befasse, dann ist das, was ich bis heute nicht verstehe, dass die Leute darüber reden, als sei es etwas Persönliches. Es war eines der globalsten geopolitischen Ereignisse der letzten fünfzig Jahre. Und dann sagen die Leute: „Oh, das ist persönlich“, was überhaupt keinen Sinn macht.

In deiner letzten Ausstellung in der South London Gallery hast du Gemälde deines alten Professors Peter Bonde gezeigt und auch eine Ausstellung innerhalb einer Ausstellung kuratiert, die der Arbeit der Künstlerin und Kuratorin Julie Ault gewidmet war. Ist das das erste Mal, dass du dich als Kurator versucht hast?
Nein, eigentlich habe ich die Ausstellung Tell it to my heart kuratiert: Collected by Julie Ault im Museum für Gegenwartskunst Basel 2013 und davor habe ich 2010 eine Ausstellung über Felix Gonzalez Torres bei Wiels in Brüssel kuratiert. Ich denke, das kommt alles von meiner Mentorin, meiner Freundin, meinem Alles, Julie Ault und ihrem Gehirn. Ich denke, all diese Dinge kommen von ihr.

Ein anderer Künstler, auf den du immer wieder zurückkommst, ist Isamu Noguchi. In der South London Gallery hast du eine seiner Skulpturen in einer nahegelegenen Wohnsiedlung installiert und ich habe bemerkt, dass du auch eine auf dem Gelände hast, die mit deinem Studio verbunden ist. Welchen Einfluss hat seine Praxis auf dich gehabt?
Ich habe Noguchi vor etwa fünf Jahren entdeckt und er war ein wirklich guter Bezugspunkt für mich. Was ich von ihm gelernt habe, ist, dass man in der Kunst diese wunderbare Möglichkeit hat, eine bestimmte Denkweise zu formulieren, und diese Denkweise kann man auf alles anwenden, was man will, denn wen kümmert es, ob es Kunst ist oder nicht? Das ist es, was Noguchi tat. Wenn er Lampen machte, dann betrachtete er sie als Skulpturen.

Woher kommt dein kollaborativer Ansatz beim Kunstmachen und Ausstellen?
Ich sage immer, dass es nur sehr wenige Genies auf der Welt gibt und wenn man keins ist, dann sollte man einfach die besten Leute um sich versammeln.

Wenn es darum geht, sich von anderen Künstlern inspirieren zu lassen, nach welchen Eigenschaften oder Qualitäten hältst du Ausschau?
Dass sie bis an die Grenzen ihrer Fähigkeiten arbeiten. Das ist es, was mich an der Arbeit eines anderen Künstlers reizt.

Du hast in der Vergangenheit auch einige Lehrtätigkeiten ausgeübt. Welche Ratschläge hast du versucht, deinen Studierenden mitzugeben?
Eine Strategie, die ich immer anwende, wenn ich unterrichte, ist, dass ich nie Atelierbesuche mache. Kunststudierende sind so geübt darin, für ihre Arbeit zu werben, und ich will mir das einfach nicht anhören. Ich sage ihnen: „Erzählt mir alles. Sag mir, was dich interessiert – welches Buch, welcher Film, welches Gebäude, was auch immer, es ist mir egal – und sag mir, warum du diese Dinge magst.“ Und dann rede ich mit ihnen darüber. Aber ich mache nie Atelierbesuche. Nicht jeder mag diese Methode. Ich habe eine Zeit lang nicht unterrichtet, weil ich irgendwie traumatisiert war, denn als ich in San Francisco war, wollte ein Student sein Geld zurück!

Wenn man sich auf dem Gelände deines Ateliers umschaut, mit zwei Werkstätten, einer ganzen Scheune als Lagerraum und einer Reihe von Gemüse- und Blumengärten, kann man sich gut vorstellen, warum man hier leben möchte. Aber mich interessiert, was dich dazu bewogen hat, auf dem Höhepunkt deiner Karriere von Berlin nach Brandenburg zu ziehen.
Also, als ich dieses Stück Land fand, war ich ursprünglich auf der Suche nach einem Lagerplatz. Wenn du mich vor drei Jahren gefragt hättest... Ich hatte Angst vor Regenwürmern! (Lacht.) Ich hätte nie gedacht, dass ich am Ende hierher ziehen würde. Aber dann hatte ich etwas Land, also dachte ich, okay, ich werde ein bisschen was anpflanzen und dann hat es plötzlich überhandgenommen. Dieser Ort hat mein Leben wirklich verändert, weil ich all diese jungen Leute treffe, die sich sehr um die Lebensmittelproduktion sorgen und darum, wie man Dinge auf eine bessere Art und Weise anbaut. Also habe ich mich total auf diese Fragen eingelassen und versuche zu sehen, ob ich mich irgendwie beteiligen kann. Sie sind diejenigen, die das Fachwissen haben, aber ich bin ein sehr guter Organisator. Ich versuche also zu sehen, wie ich mich einbringen kann, damit das Ganze wirtschaftlich funktioniert. Ich weiß nicht, wohin das führt, aber ich denke, es wird mich an einen ganz anderen Punkt bringen.

Dein Studio scheint im Moment voller Blumen zu sein. Sind sie für ein bevorstehendes Projekt?
Nein. Es ist, weil ich einen Blumenladen aufmache. Es wird ein regionaler Laden sein, mit Blumen und Produkten, die hier im Atelier angebaut werden, aber auch von den Freunden, die ich erwähnt habe, und von lokalen Bauern. Er wird in meinem alten Atelier in Berlin betrieben werden, einem wunderschönen ehemaligen Laden aus dem 19. Jahrhundert.

Das Leben hier hat sich offensichtlich auf dein Leben ausgewirkt, aber wie wirkt es sich deiner Meinung nach auf deine Praxis aus? Ich habe mich umgesehen und bemerkt, dass so viele der religiösen Reliquien, die du in deinen Skulpturen verwendest, auf dem Gelände installiert sind. Verändert es die Art und Weise, wie du diese Objekte betrachtest, wenn du sie draußen aufstellen kannst?
Ich arbeite sehr intuitiv, und das meiste läuft über empirische Erfahrungen. Die besten Entscheidungen sind die, die einen woanders hintragen, als man es erwartet hat. Ich glaube, das ist es, was jetzt gerade passiert. Es ist aufregend. Ich kann spüren, dass ich mich verändere, aber ich weiß nicht, was die Ergebnisse sein werden.

Ist das so gewesen, seitdem du hierher gezogen bist?
Nein, es war ein sehr langsamer Prozess. Um ganz ehrlich zu sein, ich glaube, erst in letzter Zeit wurde es [seine Zeit in Brandenburg] deutlicher. Und das Einzige, was ich sagen kann, ist, keinen Scheiß mehr. Das ist das einzige, was ich weiß, dass ich nicht mehr in meinem Leben will.

Und was ist für dich in diesem Zusammenhang ein Scheiß?
Alles, was nicht notwendig ist.

Du eröffnest im September eine Ausstellung in der Secession in Wien. Was kannst du mir darüber erzählen?
Im Moment gibt es viele praktische Dinge zu klären. Ich werde zum Beispiel keinen Katalog machen. Ich denke, wir werden stattdessen eine Edition machen, und das Geld wird in ein neues Blumenbeet oder in die Anschaffung von Bienen fließen, worüber wir im Atelier schon länger nachgedacht haben. Ich denke, Bücher sind fantastisch, wenn man die richtige Idee hat, aber für eine Einrichtung läuft es oft auf das Branding hinaus. Einer der schönsten Kataloge, die ich gemacht habe, war für meine erste Ausstellung in der Nationalgalerie in Dänemark. Ich sagte ihnen, wenn sie etwas für das Prestige tun wollten, dann sollten wir das ganze Geld für den Katalog in eine schöne Einladungskarte stecken und wir machten stattdessen eine Pop-up-Geburtstagstorte. Manchmal, wie Felix Gonzales-Torres einmal sagte, muss man den Zirkus einfach umleiten.

Gibt es etwas, an dem du gerade arbeitest und das du gerne erwähnen würdest?
Ich arbeite daran, mich selbst zu befreien. Ich werde eine Struktur schaffen, so dass ich nie wieder über Geld nachdenken muss, und ich denke, das würde so viel Zeit für mich schaffen, um an Dinge zu denken, die relevanter sind. Ich kann nicht leugnen, dass ich bestimmte Ausstellungen, sogar Museumsausstellungen, gemacht habe, um bestimmte Dinge zum Laufen zu bringen. Aber das ist das Hamsterrad, in dem wir gefangen sind, und ich möchte da rauskommen. Das ist es, was ich meine, wenn ich sage, schluss mit dem Scheiß. Das ist es, worauf ich mich jetzt wirklich konzentrieren möchte. Ich bin so privilegiert, dass ich eine Galerieausstellung machen und das alles [sein Atelier] zwei Jahre lang betreiben kann – aber ich will nicht einmal diese Störung. Wie bedeutsam wäre es, wenn ich mich zu 100% auf eine Sache konzentrieren könnte? Nicht, weil ich das unbedingt will, aber mein Ziel ist es, die Freiheit zu haben, zu wählen.

Interview: Chloe Stead
Fotos: Nick Ash

Links:

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