Seit 1995 macht der Fotograf Hendrik Kerstens Bilder von seiner Tochter Paula. Damals gab er seine berufliche Laufbahn auf, um seiner Frau die Rückkehr ins Arbeitsleben zu ermöglichen. Anfangs waren es dokumentarische Aufnahmen, doch im Laufe der Zeit wurden seine Porträts immer verspielter und künstlerischer: Viele beziehen sich auf Werke der niederländischen alten Meister und schaffen so einen Dialog zwischen Fotografie und Malerei, Vergangenheit und Gegenwart.

Hendrik, wie begann dein Interesse an Kunst und Fotografie?
Ich wurde nicht als Künstler im traditionellen Sinne ausgebildet. Weder Kunst noch Fotografie habe ich an einer Schule oder Akademie studiert. Ich dachte, wenn man etwas lernen will, muss man viele Bücher lesen und das Handwerk ausüben. Das habe ich getan, und jetzt bin ich hier. Ich war schon immer gerne mit meinen Händen beschäftigt. Als ich jünger war, hatte ich einen Freund, der wunderschöne Tuschezeichnungen machte, die ich versuchte zu kopieren, aber ich war nicht sehr begabt darin. Stattdessen habe ich mich für das Kochen interessiert, was natürlich auch sehr kreativ ist. Erst mit etwa vierzig Jahren begann ich mit der bildenden Kunst zu experimentieren. Meine Frau Anna und ich tauschten die Rollen: Ich gab meinen Job in der Wirtschaft auf, blieb zu Hause, kümmerte mich um den Haushalt, betreute unsere kleine Tochter Paula und begann, meine kreativen Leidenschaften zu erkunden, während meine Frau Vollzeit arbeiten ging. Zuerst dachte ich, ich würde mich auf die Lebensmittelfotografie konzentrieren, aber das machte mir weniger Spaß, als ich eigentlich wollte. Nach einer Weile fing ich an, Bilder von Paula zu machen.

In vielen deiner Porträts von Paula nimmst du Bezug auf Gemälde niederländischer alter Meister. Hast du dich bewusst dafür entschieden, oder ist die Nachahmung ganz natürlich entstanden?
Am Anfang war es sehr intuitiv. Ich hatte einmal ein Gespräch mit der Chefredakteurin des New York Times Magazine, in dem sie mir sagte, sie glaube, der klassische Stil liege mir im Blut. Als Niederländer bin ich dazu erzogen worden, die Dinge auf eine bestimmte Weise oder durch eine bestimmte Linse zu sehen. Wäre ich zum Beispiel Italiener, hätten meine Fotos eine ganz andere Ausstrahlung. Als ich anfing, diese Porträts zu machen, war ich allerdings nicht so vertraut mit der niederländischen Kunstgeschichte. Ich komme aus einer Arztfamilie und war daher in meiner Kindheit nicht von Kunst und Kultur umgeben. Ich musste mir alles selbst beibringen, indem ich mir in Museen Gemälde ansah, ihre Bedeutung erforschte und mir klarmachte, wie man Licht auf bestimmte Weise einsetzt. Ich nenne die alten Meister „stille Lehrer“. Man kann sich nicht mit ihnen unterhalten, aber wenn man ganz genau hinschaut, kann man sich die Frage stellen: „Ist das, was ich geschaffen habe, gut genug? Kann ich mich in irgendeiner Weise mit ihnen vergleichen?“ Es ist ein ständiger Prozess des Lernens und des Wissensaustauschs.

Was interessiert dich besonders an den niederländischen alten Meistern? Hast du irgendwelche Lieblingskünstler?
Es sind die Emotionen. Einmal waren Paula, meine Frau und ich in Berlin im Urlaub. Wir besuchten die Gemäldegalerie. Ich verirrte mich und ging alleine weiter und sah das Bildnis Portrait of a Young Woman (um 1470) von dem niederländischen Maler Petrus Christus. Ich weinte. Ich fühlte eine völlig überwältigende Welle von Emotionen. Es war so schön, denn es hat wirklich etwas mit mir gemacht. Für mich war das Werk nicht nur Farbe auf einer Leinwand. Es war, als ob ich das Blut unter der Haut des Mädchens fließen sehen konnte. Manche Bilder sind völlig tot, aber andere – wie dieses und Vermeers Girl with a Pearl Earring (1665) – sind lebendig. Man kann stundenlang über Kunst reden, aber letztlich ist sie einfach magisch. Man muss sie spüren. Ich bin glücklich, dass ich diese Gefühle in meine eigene Arbeit einfließen lassen kann. Allerdings möchte ich nicht, dass meine Fotografien Kopien von Gemälden alter Meister sind, denn wir leben in der heutigen Zeit. Aber ich denke, wenn man als Künstler eine Zukunft haben will, muss man die Vergangenheit respektieren. Ich vergleiche meine Arbeit gerne mit dem Konzept der Zeitreise: Sie gibt einem so viele verschiedene Möglichkeiten und erlaubt es einem, sehr frei zu sein.

Kannst du ein Beispiel dafür nennen, wie du dir die Vergangenheit neu vorstellst oder im Dialog mit ihr arbeitest, statt sie nachzubilden?
Es gibt ein Gemälde von Jan van Eyck in der National Gallery in London mit dem Titel Portrait of a Man (Self Portrait?) aus dem Jahr 1433. Der Dargestellte trägt einen kunstvoll gewickelten roten Turban, den viele Leute versucht haben zu imitieren. Ich habe es auch versucht, aber es war fast unmöglich. Dann wurde mir klar, dass ich mit der Fotografie in einem binären System arbeite, während die Malerei eine nicht-binäre Kunstform ist: Van Eyck konnte mit Farbe alles schaffen, was er wollte, sogar Dinge, die in der Realität nicht möglich sind. Also beschloss ich, meinen Ansatz zu ändern. Ich fotografierte ein einfaches Porträt von Paula und machte viele Fotos von dem Material, aus dem ihr Turban bestehen sollte. Dann habe ich sie am Computer kombiniert, bearbeitet und mit Paulas Porträt überlagert. Das Endergebnis war ein völlig neues Bild mit dem Titel Red Turban (2015). Es ist keine Kopie, sondern lehnt sich lediglich an van Eycks Original an. Es ist eine sehr moderne Version eines Trompe-l’œil. Was Paula trägt, gibt es nicht, aber es ist sehr überzeugend. Wir waren vor drei Jahren in der National Gallery, um das Original zu sehen. Ich fragte es: „Glaubst du, ich habe es gut gemacht?“ Darauf gab es natürlich keine Antwort, aber es war ein sehr emotionaler Moment. Es klingt ein bisschen albern, aber ich glaube an diese Art von Dialog. Es geht mir nicht darum, mich mit den alten Meistern zu vergleichen oder damit zu prahlen, dass ich ein Werk wie sie schaffen kann, sondern ich versuche, ihren Geist und ihre Denkweise zu verstehen.

Wenn du mit den alten Meistern sprechen könntest, was würdest du sie fragen?
Ich würde sie gerne nach der Beziehung zwischen ihren Kunstwerken und ihrem täglichen Leben fragen. Waren sie an Politik interessiert? Hatten sie Angst vor den vielen Kriegen, die zu dieser Zeit um sie herum stattfanden? Wie haben diese Faktoren ihre Arbeit beeinflusst? War die Kunst für sie eine Art der Zuflucht? Hier in den Niederlanden gab es eine Ausstellung, in der Rembrandt und Caravaggio verglichen wurden. Meiner Meinung nach handelt es sich um zwei völlig unterschiedliche Künstler, die sich in ihrem Umfeld und ihrem persönlichen Leben unterscheiden. Caravaggio wurde nachgesagt, homosexuelle Beziehungen gehabt zu haben, Rembrandt hingegen nicht. Das kann man an den Werken sehen. Caravaggios Gemälde von jungen Männern sind sehr, sehr, sehr schön.

Viele deiner Porträts sind sehr verspielt: Sie zeigen Paula mit unerwarteten, alltäglichen Gegenständen wie Plastiktüten, Lampenschirmen, Büchern und Bierdosen. Wie kommst du auf diese Ideen? Sollen sie nur humorvoll sein? Oder stehen sie auch für tiefere Botschaften?
Das Foto Bag (2007) zum Beispiel entstand, nachdem wir einige Monate in New York gelebt hatten. Als wir dort waren, war ich schockiert, dass man beim Einkaufen immer eine Plastiktüte bekommt, manchmal sogar mehrere. Ich war auch überrascht, dass die Amerikaner in ihren Wohnungen ständig die Klimaanlagen einschalteten, selbst wenn die Temperatur und die Luftfeuchtigkeit nicht besonders unangenehm waren. Die globale Erwärmung wurde gerade erst zu einem großen Thema in den Medien, aber überall um uns herum nutzten die Menschen Klimaanlagen, Heizungen und Plastik nach wie vor übermäßig. Das inspirierte mich dazu, die Plastiktüte als Hut in einem meiner Porträts von Paula zu verwenden. Ich fand das ironisch und wollte damit zeigen, dass Dinge wie Öl, Schießpulver und Plastik schön sein können – man denke nur an die Szene mit der Plastiktüte aus dem Film American Beauty (1999) – es kommt nur darauf an, wie man sie einsetzt. Es ist schon erstaunlich, denn heute ist die globale Erwärmung eines der wichtigsten Themen unserer Zeit. Das Bild wirkt geradezu prophetisch. Und da es auf dem Stil der alten Meister basiert, entsteht ein schöner Dialog zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. In meiner Arbeit geht es auch darum, das Leben oder sich selbst nicht zu ernst zu nehmen. Wenn man Dinge wie Plastiktüten in einen neuen Kontext bringt, hat man mehr Möglichkeiten, zu träumen, seine Fantasie einzusetzen und frei zu sein.

Wie hat sich deine künstlerische Beziehung zu Paula im Laufe der Zeit entwickelt? Ist dein Prozess kollaborativer geworden, als sie älter wurde, insbesondere wenn man bedenkt, dass sie jetzt eine qualifizierte Kunsthistorikerin ist?
Ich begann, Paula zu fotografieren, als sie noch ein Kind war, weil sie ständig in meiner Nähe war. Am Anfang stellte ich mir viele Fragen, um zu entscheiden, ob ich mit diesen Fotos an die Öffentlichkeit gehen kann oder nicht. Kann ein sechs- oder siebenjähriges Kind wirklich damit einverstanden sein, dass sein Bild veröffentlicht wird? Das ist eine große Verantwortung. Ich habe auch versucht, Fotos von Anna, meiner Frau, zu machen. Ihr hat es nicht gefallen, aber für Paula war es nie ein Problem. Ich musste trotzdem immer wieder nachfragen und sicherstellen, dass sie damit einverstanden ist, denn es ist nicht mein Körper, es ist nicht mein Leben. Es steht ihr immer frei zu sagen: „Lass uns damit aufhören.“ Außerdem ist Paula jetzt, da sie Kunstgeschichte studiert hat, viel gebildeter, als ich es je war. Sie gibt mir eine Menge historischer Informationen, um meine Ideen zu untermauern. Das ist sehr schön.

Es ist interessant, dass du und Paula einen sehr demokratischen Ansatz für eure Beziehung als Künstler und Muse habt. Das wäre bei vielen alten Meistern und ihren weiblichen Musen ganz sicher nicht der Fall gewesen.
Absolut richtig. Das muss auch so sein. Ich arbeite sehr viel lieber mit Frauen als mit Männern. Ich fühle mich in ihrer Nähe viel wohler: Mein ganzes Haus ist weiblich, mit Ausnahme meines Enkels, dem jüngsten Zuwachs in unserer Familie. Ich würde mich als Feministin bezeichnen. Immer wieder stelle ich mir die Frage: Wie ist es möglich, dass es im Laufe der Geschichte so viele gute Malerinnen gab, aber keine von ihnen hat in den Geschichtsbüchern den gleichen Stellenwert wie Rembrandt oder Vermeer? Heutzutage interessieren sich die Menschen immer mehr für die Wiederentdeckung von Künstlerinnen aus der Vergangenheit. Es gab so viele, die wunderschöne hervorragende Werke schufen, wie beispielsweise Judith Leyster, Michaelina Wautier, Artemisia Gentileschi und Julia Margaret-Cameron.

Wie steht es um deine persönliche, familiäre Beziehung zu Paula? Wie hat sich diese durch die enge Zusammenarbeit entwickelt?
Die Zusammenarbeit mit Paula ist für mich eine Möglichkeit, mein Kind nah bei mir zu haben. Natürlich hat sie ihr eigenes Leben und ihre eigene Mentalität, aber sie ist immer in meinen Gedanken. Wir haben eine ganz besondere Beziehung. Ich habe das Gefühl, wir sind immer zusammen. Wir kennen es gar nicht anders, weil wir das schon so lange machen. Paula, Anna (meine Frau) und ich sind eine Einheit. Wir sind wie ein Familienunternehmen. Wir arbeiten künstlerisch zusammen, aber wir haben auch ein normales Leben außerhalb der Kunst. Ich denke, es ist auch sehr wichtig, zu sagen, dass wir sehr klar zwischen unserer künstlerischen Arbeit und der kommerziellen Seite der Dinge unterscheiden. Wir sprechen nicht gerne über Preise oder Geld. Damit muss sich die Galerie befassen. Vielleicht ist das ein bisschen altmodisch, aber ich denke, wenn man das tut, verliert man den Zauber. Wir leben in Magie, in einer magischen Familienblase, zusammen.

Woran arbeitest du im Moment?
Im Moment bin ich sehr daran interessiert, die Grenzen der Fotografie auszuloten und herauszufinden, wie sie sich mit anderen Disziplinen überschneiden kann. Für mich ist das Medium nur ein Mittel zum Zweck. In letzter Zeit hat mich die Tatsache beschäftigt, dass man bei der Fotografie nicht die Rückseite des Motivs sehen kann. Die einzige Möglichkeit, dem entgegenzuwirken, besteht darin, das Bild dreidimensional zu gestalten. Wir erforschen derzeit, wie wir Hunderte von digitalen Fotos von Paula, die aus verschiedenen Blickwinkeln aufgenommen wurden, in Skulpturen verwandeln können. Wir wollen sie auch mit Tonformen kombinieren und dabei einen Dialog zwischen alten Materialien und moderner Technologie schaffen. Ich bin sehr begeistert von der Möglichkeit, Fotografie und Bildhauerei auf diese Weise miteinander zu verbinden, auch wenn ich in keiner der beiden Disziplinen eine professionelle Ausbildung absolviert habe.

Glaubst du, dass die Tatsache, dass du erst später im Leben zur Kunst und Fotografie gekommen bist, Vorteile hat, zum Beispiel die Freiheit, experimenteller zu sein?
Wenn man in jungen Jahren auf eine Akademie geht, ist es sehr einfach, sich weiterzubilden. Aber jede Schule ist anders. Manche Lehrer versuchen tatsächlich, ihre Schüler zu beeinflussen. Meiner Meinung nach ist das ziemlich nachteilig. Dass ich nicht auf eine Kunstschule gegangen bin, hat mir einiges erschwert, aber es hat mir auch erlaubt, frei zu sein und mich nicht von anderen beeinflussen zu lassen. Es kann lange dauern, bis man die Dinge, die einem die Lehrer aufgezwungen haben, wieder verlernt und seinen eigenen Stil entwickelt hat. Das soll nicht heißen, dass ich denke, dass es keine Akademien geben sollte. Bildung ist definitiv sehr wichtig. Aber der Besuch einer renommierten Schule ist keine Voraussetzung dafür, ein guter Künstler zu sein. Wenn du die Möglichkeit hast, zu gehen, dann nimm sie wahr. Sei einfach sehr stark. Lass dich nicht zu sehr von den Leuten um dich herum beeinflussen.

Interview: Emily May
Fotos: Zan van Alderwegen