Durch seine Vorreiterrolle in der zeitgenössischen abstrakten Malerei in Schweden mag Julius Göthlins Werk für den Betrachter von den üblichen Vorstellungen von Raum und Naturphänomenen abweichen. Seiner Ansicht nach stammt seine Praxis jedoch weitgehend aus dem Streben, Energien und Gefühle durch körperliche Strukturen zu treiben. In seinem Studio in Stockholm sprechen wir mit ihm über das Loslassen von absoluter Kontrolle und die Erfahrung, Raum für Veränderung und Zufall zu lassen. Darüber hinaus erzählt er uns, wie Erfolg mit anderen Faktoren zusammenhängen könnte, wenn er sich – wie auch bei ihm – nicht unmittelbar einstellt.

Julius, was hat dich ursprünglich dazu bewogen, Kunst zu machen?
Schon in jungen Jahren hatte ich den starken Drang, mich durch kreative Dinge wie Filmemachen, Zeichnen und Fotografieren auszudrücken. Später traf ich auf Graffiti und diese Bewegung. Nach dem Abitur und einigen Jahren Arbeit in weniger anregenden Nebenjobs bewarb ich mich für eine vorbereitende Kunstschule. Diese Zeit hat mein Leben in vielerlei Hinsicht wirklich verändert, und nachdem ich die Büchse der Pandora geöffnet hatte, spürte ich sofort, dass ich das in meinem Leben brauche und wurde in das Royal Institute of Art in Stockholm aufgenommen.

Was sind die treibende Kraft und das künstlerische Anliegen, das dich in deiner Arbeit heute vorantreibt?
In meiner Praxis untersuche ich die Möglichkeiten, einen zweidimensionalen Ort zu schaffen, der ständig in Bewegung ist, eine Präsenz, die eher mit Klang, Luft und Licht als mit physischen Objekten zu tun hat und ein Gefühl der Präsenz erzeugt, das im Bild nicht vollständig erfasst werden kann. Ich versuche immer, Materialien und Werkzeuge zu verwenden, die ziemlich unorthodox sind. Werkzeuge, die nicht für den Zweck gemacht sind, für den ich versuche, sie zu benutzen und ich versuche, ein wenig andersherum zu denken.
Ich habe immer in Zyklen gearbeitet, während dessen ich gerne lange bei einer Idee bleibe, aber ich versuche auch, mich vorwärts zu bewegen, bevor ich es mir zu bequem mache.

Wie willst du die Erneuerung in deiner Praxis erreichen, um Bequemlichkeit, wie du sagst, zu vermeiden?
Früher hatte ich eine sehr strikte Arbeitsweise, bei der ich immer von Anfang bis Ende einen Raster für jeden Schritt im Prozess eines Gemäldes aufgebaut habe. Vor einigen Jahren, als die Notwendigkeit, diese Struktur zu durchbrechen, so stark geworden war, habe ich begonnen, auf völlig entgegengesetzte Weise zu arbeiten. Ich begann den größten Teil des Prozesses dem Zufall zu überlassen, und den Materialien, mit denen ich arbeitete, zu erlauben, die Stücke in unerwartete Richtungen zu führen, anstatt zu versuchen, sie zu zwingen, sich so zu „verhalten“, wie ich es wollte. Hauptsächlich denke ich, dass meine treibende Kraft und Neugierde darin besteht, mich selbst auf verschiedenen Ebenen zu überraschen. Eine große Motivation ist es, Dinge auf eine Weise zu tun, die nicht sehr logisch ist, wo das Ergebnis sowohl überraschend als auch unerwartet ist. Ich liebe das Gefühl, wenn man ein Gemälde fertiggestellt hat und sich in der Folge fragt: „Was ist das wirklich?“ Das Gefühl, wenn alles einfach klick macht, man sich ansieht, was man getan hat, und es sich anfühlt wie etwas, das man noch nie zuvor gesehen hat, und es einen dazu bringt, es einfach weiter anzusehen und zu versuchen, es zu verstehen.

Erzähl uns von diesem zweistöckigen Studio-Raum, den du belegst. Er ist beeindruckend und bemerkenswert geräumig. Wir befinden uns derzeit im wunderschönen Industriegebiet von Ulvsunda, einem Vorort ganz in der Nähe der Stadt und wie ein jeder Ort, an dem es schöne Studios gibt, ein Gebiet, das sich derzeit in einem rasanten Wandel befindet. Hier wird es in ein paar Jahren wahrscheinlich ganz anders aussehen. Klingt vertraut, oder?
Bevor ich hier eingezogen bin, hatte ich ein extrem kleines Studio, das ich mir mit ein paar anderen Künstlern in einem Keller eines Mehrfamilienhauses in der Nähe von Fridhemsplan in der Stadt teilte. Der Standort, die Stimmung und die Miete dieses Studios waren großartig, aber als ich anfing, meine Arbeitsmethoden von langsamen Collagen auf obskure Werkzeuge umzustellen, konnte ich es in diesem kleinen Studio nicht mehr wirklich zum Laufen bringen. Ich kletterte auf seltsamen Pfaden zwischen den nahegelegenen Autobahnen hinauf, um genügend Platz zu finden, um zu tun, was ich wollte. Das Studio verwandelte sich im Grunde genommen in einen Stauraum für Arbeiten, die unter Druck an beliebigen Orten im Freien ausgeführt wurden. Als der Winter mit Schnee und minus Grad kam, wurde mir klar, dass die Situation nicht mehr tragbar war. Durch Zufall entdeckte ich ein großes Studio im Industriegebiet von Ulvsunda, das vermietet wurde. Natürlich hatte ich als junger Künstler nicht wirklich das Budget für einen solchen Raum, aber das Gefühl, endlich an einem Ort arbeiten zu können, an dem ich keine Kompromisse eingehen musste, gewann die Oberhand. Am Ende entschied ich mich, bei vielen anderen Dingen in meinem Leben Kompromisse einzugehen, damit es funktioniert. Ich habe diese Entscheidung nicht einmal bereut und das Gefühl, wenn ich ankomme und morgens die Tür öffne, ist einfach nur magisch.

Wie sieht ein normaler Tag im Studio für dich aus?
Normalerweise beginne ich meine Tage damit, mir Platten anzuhören und danach einen langen Spaziergang zu machen. Neue Eindrücke zu gewinnen, die nicht nur aus dem Studio kommen, ist für mich sehr wichtig. Ich war früher ein ziemlich „guter Schüler“ und glaubte, dass je mehr Stunden ich im Studio verbrachte, desto besser würde sich Arbeit entwickeln. Das Klischee vom „nie ruhenden Künstler“. Mit der Zeit habe ich erkannt, dass es für mich persönlich nicht immer vorteilhaft ist, zu lange im Studio zu bleiben, und es sehr wichtig ist, Zeit aufzuwenden, um Dinge außerhalb des Studios zu erleben, zu sehen und zu fühlen, um sich inspirieren zu lassen und neue Perspektiven für die Arbeit zu erhalten, die nützlicher sein könnten, als nur deine „Stunden“ abzuarbeiten.
Im Studio arbeite ich heutzutage sehr intuitiv, mache Experimente und arbeite gleichzeitig an zeitaufwändigeren Stücken. Gleichzeitig an verschiedenen Projekten zu arbeiten, hin- und her springen zu können finde ich sehr wichtig, um nicht hängenzubleiben. Auf diese Weise neigt die Arbeit auch dazu, sich fortlaufend selbst zu inspirieren.

Einige Leute glauben, dass es bei deiner Arbeit der letzten Jahre um räumliche und galaktische Aspekte und verschiedene Naturphänomene geht. Was verkörpert deine Arbeit tatsächlich für dich?
Für mich geht es bei meiner Arbeit darum, Energie und Gefühle durch körperliche Strukturen zu erzeugen, die Bewegung in Gang setzen. Wenn dieses Gefühl glücklich, traurig, beängstigend oder verwirrend ist, will ich mich nicht für eines entscheiden. Das Gleiche gilt für das, was du im Kunstwerk liest, beispielsweise was du über räumliche und galaktische Dinge gesagt hast. Wenn der Betrachter meine Arbeit sieht und sich ein Gefühl, eine Erinnerung einstellt oder er Galaxien sieht, ist gut für mich. Solange die Leute eine Art Gefühl durch die Arbeiten bekommen, bin ich sehr glücklich.

Deine Bildsprache scheint sich im Laufe der Zeit sehr stark entwickelt und verändert zu haben, von geometrischen Mustern und Wiederholungen bis hin zu architektonisch strukturierten Werken, wie du sie bereits in der Kunstschule gemacht hast.
Ich sehe alles in einer langen Trajektorie verbunden und beziehe mich nicht auf meine Arbeit in verschiedenen Phasen, aber ich verstehe, dass andere es so wahrnehmen könnten. Ich denke, was ich im Studio gemacht habe, wurde im Allgemeinen sehr stark davon beeinflusst, wo ich in meinem Leben zu dieser Zeit stand. Als ich mit geometrischen Wiederholungen gearbeitet habe, erkenne ich eine recht stabile Periode in meinem Leben, die von Routine und Struktur geprägt war. Viel Harmonie. Ich denke, das hat es mir ermöglicht, monatelang an Kompositionen mit akribischen Wiederholungen zu arbeiten. Wenn ich unruhiger war, war es sehr schwierig, mich zu dieser Art von Arbeit zu zwingen, und die Arbeit geht dann in eine andere, freiere Richtung. Die Schönheit der Kunst ist, wie sie mit deiner Psyche in Einklang gebracht wird und wie du dich zu einem bestimmten Zeitpunkt fühlst. Ich habe immer in Zyklen gearbeitet, in denen ich gerne lange Zeit in einer Idee bleibe, aber dann auch immer versucht, mich vorwärts zu bewegen, bevor ich es mir zu bequem mache.

Du machst auch Musik. Wie stimmt deine Arbeit in der Musik mit deiner Kunst überein, wenn überhaupt?
Seit meiner Kindheit sammle ich Vinylplatten. Später war ich als DJ tätig, machte Musik und leitete ein kleines Plattenlabel. Die Musik, die ich mache und sammle, hat auf vielen Ebenen eine starke Verbindung und Wirkung auf meine Kunstpraxis, und ich denke, ich betrachte meine Bilder im Allgemeinen so, als wären sie eher klanglich als malerisch.

Kannst du diese Verbindung zwischen Klang und der Kunst, die du machst, beschreiben? Was ich an Sound und Musik wirklich mag, ist, dass sie in ständiger Bewegung sind. Du können einen Song nicht vollständig erfassen, wenn du einen kleinen Teil hörst, und es geht nur darum, eine Zeit lang in einer Zone zu sein. Es ist eine unmögliche Aufgabe, aber ich kämpfe für die Idee, zweidimensionale Objekte herzustellen, die ein ähnliches pulsierendes Gefühl der ständigen Bewegung verursachen wie Klang. Wobei du als Zuschauer die Tatsache akzeptieren musst, dass du sie nicht vollständig erfassen kannst, wenn du sie nur für ein paar Sekunden betrachtest.

In vielerlei Hinsicht ist der Kunstbetrieb, was den Erfolg betrifft, von Zufall und Unvorhersehbarkeit geprägt. Es gab einen Zeitpunkt, an dem man das Gefühl hatte, dass man eine Dynamik erlebt hat, die auf die lokale Szene in Stockholm überging. Seit der Kunstschule ist schon eine einige Zeit vergangen. Wenn du zurückblickst, denkst du, dass Erfolg mit etwas anderem zusammenhängt, wenn er nicht sofort eintritt?
Etwa zwei Jahre lang habe ich buchstäblich nur für mich selbst im Studio Kunst gemacht, die nur von Studienkollegen und Eltern gesehen wurde. Wozu man in einer solchen Situation gelangt, ist, seine Motive und Anreize, Kunst zu machen, wirklich zu hinterfragen. Es ist unvermeidlich, mit Fragen konfrontiert zu werden, um welchen Preis man wortwörtlich und bildlich gesprochen bereit ist, seine künstlerische Praxis zu verfolgen. Wenn ich sofort gefragt gewesen wäre, wäre das damals toll gewesen, aber auf diese Weise habe ich mich mit meiner Kunst auseinandergesetzt, weil ich es wirklich wollte. Als Künstler wirst du im Laufe der Jahre immer wieder mit Ultimaten jeglicher Art konfrontiert sein, aber ich denke, dass sie besonders dringlich in jenen Momenten werden, in denen du Tagesjobs jonglierst, um über die Runden zu kommen, oder von einem Gefühl des Zweifels darüber geplagt ist, ob es für jemanden wirklich von Bedeutung ist, was du im Studio tust. Die Menschen sind nach Abschluss der Kunsthochschule in der Regel noch sehr jung. Ich denke, dass es insgesamt nützlich wäre, einige Jahre lang Erfahrungen aus dem wirklichen Leben spielerisch sammeln zu können, bevor ein Sturm eintritt. Ich denke jedoch, dass Künstler die Welt außerhalb der Schule heute viel früher berühren.Früher geschah nichts, bevor ein Künstler seinen Hochschulbschluss hatte, während sich heute Galerien bereits in den ersten Jahren ihres Studiums an Künstler wenden. Auch junge Künstler durchbrechen oft die typischen Strukturen, indem sie bereits in der Schule gemeinsam eigene Ausstellungsplattformen und andere Vehikel kreieren. Davon wurde bisher nur selten gesprochen.
Als ich noch in der Schule war es eine ungeschriebene Regel, so wie ich sie wahrgenommen habe. Ein sehr großer Unterschied ist heute die Prävalenz von Social Media wie Instagram, die Künstlern geholfen hat, ihre Praktiken so zu professionalisieren, dass es möglich ist, ohne die Beteiligung eines Dritten eine signifikante Präsenz zu erzielen. Ich habe ziemlich früh Instagram benutzt, um meine Arbeit zu kanalisieren, aber erinnere mich an die Menschen um mich herum, die darauf irritiert reagierten. Heute hingegen hat schon jeder Kunststudent auf dem Niveau der vorbereitenden Kunstschule eine Instagram-Seite, um seine Arbeit zu bewerben.

Wie behält man im Studio eine klare Perspektive und lässt sich nicht von allem beeinflussen, was Interesse entfachen könnte, beispielsweise von Kunstmarktfaktoren?
Das ist etwas, woran ich fast täglich denke und ich bin mir nicht sicher, ob ich eine gute Antwort darauf habe. Ich denke, es war noch nie so einfach wie jetzt, deinen 15-minütigen Ruhm im Rampenlicht zu haben. Es war auch noch nie so „heiß“, ständig über die nächste neue Sache zu sprechen, die nächste Generation oder die neue Welle von etwas. Das steht auch im Einklang mit der momentanen Gesellschaft; alles ist wegwerfbar. Rein mit dem Neuen, raus mit dem Alten. Die Aufmerksamkeit, die einem Künstler geschenkt wird, ist so begrenzt. Die Herausforderung, über die Zeit relevant zu bleiben und als Künstler eine lange Lebensdauer zu haben, ist meiner Meinung nach etwas, das heute wirklich spürbar ist.

Und zu guter Letzt, hast du irgendwelche Zukunftswünsche für deine Arbeit, die du in den kommenden Jahren umsetzen möchtest?
In meinen Bildern gibt es immer wieder auf unterschiedlichen Ebenen viele Verweise auf physische Objekte. Die Arbeit mit Skulpturen ist etwas, das ich in meine Praxis einbringen wollte, aber ich habe nie das Gefühl gehabt, dass das der Zeitpunkt der richtige war oder dass ich bereit war, es in meine Welt zu bringen. Aber seit diesem Frühjahr arbeite und experimentiere ich mit einer Serie skulpturaler Arbeiten, die auf verschiedene Weise versucht, die Zeit einzufrieren und mit meinen zweidimensionalen Arbeiten in Bezug zu kommen. Das ist etwas, auf dessen weitere Entdeckung ich mich sehr freue.

Interview: Ashik Zaman
Foto: Maria-Corina Wahlin

Links:
Julius Göthlins WebseiteGalerie Belenius, Stockholm