Zeitgenössischer Urbanismus trifft auf die Tradition der Renaissance-Porträtmalerei. Im Gegensatz zu den klassischen Malern, die sich auf die Gesichter ihrer Figuren konzentrierten, nimmt der kanadische Künstler Karel Funk die Kapuzen der Menschen genauer unter die Lupe - die oft übersehenen Attribute der Straßenkleidung. Die Personen in seinen Gemälden sind völlig anonym und behalten doch ihre Individualität, sie sind unbeweglich, aber nicht statisch, sie sind verborgen und vermitteln doch Emotionen; der Künstler ist präsent, aber die Personen nicht unbedingt.

Karel, wenn du deine Kunst jemandem beschreiben sollst, was würdest du sagen?
Ich glaube, es wäre einfacher, zu erklären, was die Bilder nicht sind. Oftmals sehen sich die Leute Bilder an und glauben, dass es sich um fotorealistische Werke handelt, und sie empfinden diese Annahme als Kompliment. Für mich ist das ganz und gar nicht der Fall; es handelt sich nicht um fotorealistische, sondern um höchst subjektive Gemälde, die in einem sehr präzisen Stil ausgeführt sind. In meiner früheren Arbeit habe ich wirklich nach einer Verbindung zwischen dem zeitgenössischen Leben und einer Hommage an die Geschichte der Porträtmalerei gesucht. Diese Brücke zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart ist auch in meinen aktuellen Bildern zu finden. Allerdings konzentriere ich mich jetzt mehr darauf, die Bilder so komplex und intensiv wie möglich zu gestalten, gleichzeitig aber alle unnötigen Elemente zu entfernen und sie so einfach wie möglich zu halten. Es geht mir darum, ein Gleichgewicht zwischen all diesen Aspekten zu finden.

Anfangs waren deine Arbeiten Porträts von Menschen, später war nur noch ein Teil des Gesichts zu sehen. Heute sieht man nur noch Kapuzen. Hast du das Interesse an der Darstellung von Menschen verloren?
Die neueren Arbeiten, die ich in den letzten Jahren geschaffen habe, sind nicht mehr ganz so stark auf das Porträt ausgerichtet wie früher. Ich habe das Gefühl, dass sich die Anwesenheit der Figur unter der Kapuze allmählich auflöst und sie nicht mehr so sehr im Vordergrund steht. Der Stoff und das Material bieten mir mehr Möglichkeiten und die Freiheit, verschiedene Richtungen zu erkunden. Ich arbeite innerhalb enger Parameter, sodass selbst ein kleines Manöver für mich zu einer bedeutenden Veränderung wird. Das Malen der menschlichen Gestalt, auch wenn sie in einigen meiner Bilder verdeckt ist, wurde mit der Zeit weniger wichtig für die Bedürfnisse des Bildes.

Ist dies eine vorherige Stufe für dich?
Die Wiedergabe der Haare, des Körpers und anderer persönlicher Merkmale einer Person muss präzise sein, und ich habe sie nie abstrahiert. Aber wenn ich moderne Stoffe male, kann ich präzise sein, aber auch kleine subjektive Abstraktionen in den Malprozess einfließen lassen. So wurden die beiden für mich zu unterschiedlichen Arten zu malen, und ich hatte das Bedürfnis, sie voneinander zu trennen. Jetzt geben mir die Kapuzenjacken neue Möglichkeiten zu erforschen, ohne dass ich der Genauigkeit der menschlichen Attribute treu bleiben muss. Wenn ich jetzt oder in Zukunft ein Porträt von jemandem male, wird das für mich ein anderer Prozess sein.

Wann hast du bemerkt, dass Kapuzenfiguren dein langfristiges Interesse als Künstler sind?
Vor zwanzig Jahren, als ich in New York lebte und meinen Master of Fine Arts machte, war ich wirklich unsicher, was für mich als Maler spannend sein könnte. Ich wusste, dass ich figurative oder realistische Bilder malen wollte, aber ich wollte auch meine eigene Stimme finden. Ich begann, ein paar Mal im Monat ins Metropolitan Museum zu gehen und war von den vielen Renaissance-Porträts und niederländischen Gemälden wirklich fasziniert. Auch die Frick-Sammlung habe ich geliebt (und tue es immer noch). In Winnipeg hatte ich nicht die Möglichkeit, so viele historische Gemälde persönlich zu sehen. Die Winnipeg Art Gallery ist fantastisch, aber sie hat nicht so viele historische Gemälde. Diese Gemälde in natura zu sehen, war ein unglaublicher Nervenkitzel, und ich fing an zu überlegen, ob ich mich von ihnen inspirieren lassen und etwas von ihnen in meine eigene Arbeit einbringen könnte.

Wer war die erste Figur mit Kapuze, die in deinen Werken auftaucht?
An einem kalten, windigen Tag auf dem Campus unterhielt ich mich mit einem Freund. Er hatte die Kapuze seiner Jacke hochgezogen, die seinen ganzen Kopf bedeckte, bis auf die Nase, die aus der Öffnung ragte. Das Bild gefiel mir einfach, also bat ich ihn, ins Atelier zu kommen, und ich fotografierte ihn in der gleichen Jacke und Pose. Ich malte es, und nach und nach begann ich, verschiedene Möglichkeiten mit unterschiedlichen Kapuzen und verschiedenen Personen zu erkunden. Ich hatte gute Gespräche über diese Arbeit, und allmählich hatte ich das Gefühl, dass dies ein Weg sein könnte, der eine interessante Brücke zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart schlagen könnte, ohne dass ich dabei meine eigene Stimme verliere. Ich glaube, erst nach meinem MFA-Abschluss wurde mir klar, dass dies etwas war, woran ich langfristig arbeiten und mich darauf konzentrieren konnte.

Warum sind viele Kapuzen deiner Bilder sportlich?
Einige der Kapuzen auf meinen Bildern erinnern eindeutig an Sportkapuzen, aber es gibt auch viele Kapuzen aus traditionellen Winter- oder Regenjacken, vor allem in meinen früheren Arbeiten. Vor etwa sechs oder sieben Jahren habe ich angefangen, sportliche Kapuzenpullis zu verwenden, wie man sie in Fitnessstudios und eigentlich überall sieht. Anfangs waren viele der Jacken, die ich malte, von meinen Reisen nach New York inspiriert, wo ich viele Menschen in städtischer Kleidung bei niederigeren Temperaturen beobachtete, dann wurden es Hoodies und Jacken aus der Popkultur. In meinen neueren Werken gibt es jedoch keine direkte Verbindung zu meinen täglichen Erfahrungen, wie z. B. beim Spazierengehen oder beim Erleben des Winters. Die Beziehungen sind anders geworden.

Inwiefern?
Derzeit suche ich nur nach einzigartigen Materialien, ohne Rücksicht auf ihren Markennamen oder ihren Platz in der Popkultur. Egal, ob es sich um eine 20-Dollar-Jacke oder eine 1000-Dollar-Jacke handelt, ich interessiere mich für sie, wenn sie faszinierende Farben, Materialien oder einzigartige Designs hat. Aus diesem Grund kaufe ich häufig online ein, da ich diese Art von Jacken anderswo nur schwer finden kann.

Ich nehme an, du hast im Laufe der Jahre schon eine Menge Jacken gesammelt?
Mein Kleiderschrank ist voll mit Jacken, und ich habe auch Behälter mit Jacken, die ich im Laufe der Jahre angesammelt habe. Einige Jacken spende ich, andere behalte ich für den Fall, dass ich noch Verwendung für sie habe. Manchmal kaufe ich fünf oder sechs Jacken auf einmal und nehme sie mit ins Studio. Manche von ihnen funktionieren, manche nicht.

Kannst du den gesamten Entstehungsprozess eines Bildes skizzieren?
Als noch Menschen in der Arbeit vorkamen, habe ich das Model und die Jacke zusammen fotografiert, aber jetzt, wo es keine Menschen mehr gibt, habe ich begonnen, eine Schaufensterpuppe zu verwenden. So kann ich mehr Zeit damit verbringen, die Jacke in eine interessante Form zu bringen, sie zu modellieren. Manchmal verwende ich Klebeband oder Seidenpapier, das unter die Jacke gestopft wird, um die Jacke zu falten und zu knittern, um interessante Muster zu schaffen und um sie an ihrem Platz zu halten. Dann beginne ich, die Jacke zu fotografieren. Sobald ich mit dem Fotografieren fertig bin, arbeite ich mit Photoshop, wo ich mit verschiedenen Ebenen experimentiere, Elemente ausschneide, einfüge und verzerre.

Wie hat Photoshop deine künstlerische Methode verändert?
Photoshop hilft mir, zuerst große Entscheidungen über das Bild zu treffen, damit ich die Richtung bestimmen kann, in die ich das Bild bringen will. Bei meinen früheren Arbeiten, bei denen ich die Menschen unter den Kapuzen gemalt habe, war Photoshop überhaupt nicht beteiligt. Ich habe direkt von den Fotos aus gearbeitet. Jetzt ist Photoshop ein integraler Bestandteil meines Malprozesses geworden, der es mir ermöglicht, abstraktere und surreale Aspekte zu erforschen.

Was für eine Art von Veränderung geschieht mit dem Foto?
Ich verbringe viel Zeit mit dem Ausschneiden, Einfügen, Verzerren und Neuordnen von Elementen und Ebenen. Bei meinen aktuellen Arbeiten sind sie auf beiden Seiten perfekt symmetrisch. Um dies zu erreichen, erstelle ich zunächst eine Hälfte des Bildes und bestimme sorgfältig ihr Aussehen. Dann dupliziere ich das Bild, spiegele das Duplikat in Photoshop und füge die beiden Hälften zusammen. Danach bringe ich das Bild auf die Tafel. Ich male mit Acryl und beginne mit dem Malen in sehr dünnen Schichten und baue die Oberfläche auf. Die Schichten können manchmal sehr dünn sein, fast wie Aquarellfarben. Diese dünnen Schichten tragen dazu bei, dass die Farben satt bleiben, und können einen durchscheinenden Effekt erzeugen.

Als ich zum ersten Mal deine Werke mit Kapuzen sah, empfand ich sie als etwas beängstigend, fast so, als ob ich einem Alien begegnet wäre. Ist dieser Spiegeleffekt die Ursache für meine Reaktion?
Da in den neueren Gemälden alles auf beiden Seiten identisch ist, hat es manchmal menschliche oder tierische Züge, als ob es Augen oder Münder gäbe. Das kann in einigen Bildern eine surreale, figurative Präsenz erzeugen. Das ist eine interessante, unvorhergesehene Eigenschaft, denn ich hatte dieses Ergebnis nicht erwartet, als ich mit der Arbeit an diesen Bildern begann. Jetzt sehe ich das als eine sehr interessante Wendung, da es scheint, dass die Jacke selbst eher wie eine Lebensform aussehen oder sich anfühlen kann als eine Lebensform darunter. Es wird immer schwieriger, die Anwesenheit eines menschlichen Wesens unter der Jacke zu spüren, weil sich die Oberfläche wie eine fremdartige Erscheinung anfühlt. Dieses erhöhte Maß an Intensität hat begonnen, die Erfahrung zu verändern.

Wie gestaltet sich dein Arbeitsalltag als Künstler im Atelier?
Meine typischen Arbeitszeiten sind Montag bis Freitag von 9 bis 17 Uhr. Am Wochenende bin ich normalerweise nicht im Atelier. Wenn ich mit den Vorbereitungen für einen Abgabetermin sehr beschäftigt bin oder wenn ich in Verzug bin, kann ich auch abends und am Wochenende arbeiten. Letzten Winter habe ich an einem neuen Gemälde gearbeitet, das etwa dreieinhalb Monate dauerte. In dieser Zeit habe ich jeden einzelnen Tag gearbeitet, um es rechtzeitig für eine Ausstellung fertig zu stellen. Normalerweise arbeite ich nie auf diese Weise, denn es kann sehr schwierig sein, jeden Tag konzentriert zu bleiben.

Kannst du uns etwas über deine kommenden Projekte erzählen?
Ich arbeite derzeit an einer Einzelausstellung, die für das späte Frühjahr in der Stems Gallery in Brüssel geplant ist und meine erste Ausstellung dort sein wird. Es wird 3 bis 4 Bilder in dieser neuen Richtung des symmetrischen Designs geben und die Jacken werden voller bunter Formen sein.

Deine erste Einzelausstellung fand vor genau 20 Jahren, 2004, in der 303 Gallery in New York statt. Erinnerst du dich daran, wie es dazu kam?
Ich hatte nicht damit gerechnet. Als ich an der Columbia University in New York studierte, hatten wir alle den Wunsch, eine Galerie zu gründen, aber wir waren auch ein wenig in Sorge, was nach unserem Abschluss passieren würde. Einer der Kurse, den alle Studenten belegten, war eine Mentorenwoche, die zweimal im Jahr mit verschiedenen Gastkünstlern in New York stattfand. Zusammen mit einer Gruppe von Freunden nahm ich das Mentorat mit Collier Schorr wahr. Wir hatten alle ein gutes Verhältnis zu Collier, und in meinem letzten Jahr unterhielten wir uns über meine Arbeit, woraufhin sie mich mit Lisa Spellman von der 303 Gallery bekannt machte. Kurz bevor ich zurück nach Kanada zog, besuchte Lisa mein Atelier. Ihr gefiel ein Bild, das ich im Atelier hatte, und sie bat mich, es am nächsten Tag in die Galerie zu bringen. Kurz darauf zog ich zurück nach Kanada und verschickte die Bilder, sobald ich sie fertiggestellt hatte. Lisa wurde immer vertrauter mit meiner Arbeit und wir entwickelten eine wirklich gute Verbindung. 2004 hatte ich dann meine erste Einzelausstellung bei 303, und die Galerie begann, mich zu vertreten. Es war meine erste Ausstellung, und ich hatte keine Ahnung, was mich erwarten würde.

Letztendlich war es ein großer Erfolg. Wie hast du dich dabei gefühlt?
Als die Ausstellung stattfand, wurde sie gut aufgenommen und war unglaublich aufregend. Es ist schwer zu glauben, dass das jetzt 20 Jahre her ist. Um ehrlich zu sein, habe ich damals die Bedeutung des Augenblicks noch nicht ganz begriffen. Ich war begeistert, mit der Galerie zusammenzuarbeiten, aber das Potenzial für eine langfristige Beziehung war mir damals noch nicht ganz klar. Die Unterstützung, die ich erhielt, und die Gespräche, die ich mit allen Beteiligten führte, ließen alles ganz natürlich erscheinen. Wir kannten uns bereits ein Jahr vor der Ausstellung, und als es soweit war, waren wir alle befreundet, was mir half, während des gesamten Prozesses auf dem Boden zu bleiben.

Wenn du auf die letzten 20 Jahre zurückblickst, was nimmst du für dich aus dieser Zeit mit?
Selbst wenn ich manchmal im Atelier mürrisch werde, müde bin oder Termine habe, erinnere ich mich immer daran, wie viel Glück ich habe, in dieser Position zu sein. Ich arbeite hart an meinen Bildern und die Galerie arbeitet auch sehr intensiv für mich. Das hat es mir ermöglicht, all die Jahre hauptberuflich zu malen. Ich wüsste nicht, was ich sonst machen würde.

Hattest du jemals einen Plan B?
Mein alternativer Plan war es, einen MFA-Abschluss zu machen und möglicherweise als Lehrer zu arbeiten, da ich nicht vorhatte, Vollzeitmaler zu sein. Ich bin mir jedoch nicht sicher, ob ich ein guter Lehrer gewesen wäre. Obwohl ich sehr extrovertiert sein kann, liebe ich es, mich in meinem Atelier zurückzuziehen, vor allem, wenn ich mich lange konzentrieren muss, um ein einzelnes Werk zu vollenden.

Interview: Anton Isiukov
Fotos: Dave Swiecicki