Die in Paris lebende multidisziplinär arbeitende Künstlerin Laëtitia Badaut Haussmann beschäftigt sich mit einer Vielzahl von Themen, die von Feminismus bis Häuslichkeit, von Para-Architektur bis Psychologie reichen. Sie konzentriert sich auf die Schaffung von immersiven, vielschichtigen Installationen anstelle von einzelnen, leicht handelbaren Kunstwerken und wendet sich oft der Literatur und dem Kino zu, um die umfangreichen Recherchen zu führen, die ihrer Praxis zugrunde liegen. Wir sprachen mit Laëtitia über phantasmagorische Raucherzimmer, feministische Architektur und warum sie ein großer Fan von Großmüttern ist.

Laëtitia, wann hast du angefangen, dich für Kunst zu interessieren? Wer waren die ersten Kunstschaffenden, die dich inspiriert haben?
Ich glaube, ich habe mich schon immer für Kunst interessiert. Ich kann mich nicht daran erinnern, dass ich eine bestimmte Entscheidung getroffen hätte, mich damit zu beschäftigen. Als ich jünger war, war ich immer von Gemälden umgeben. Auf der einen Seite meiner Familie stand die klassische Kunst hoch im Kurs, auf der anderen Seite hatte ich eine Großmutter, die verrückte Poster von Dalí und Mondrian besaß. Ich glaube, das von Dalí war mir als Kind sehr suspekt, deshalb habe ich es mir ständig angesehen. Ich bin jetzt nicht unbedingt ein großer Fan von Dalí, aber es gibt etwas an ihm, wie er die Dimensionen von Repräsentation, Zeit und Raum infrage stellt, was mich als Künstlerin definitiv beeinflusst hat.

Wann hast du angefangen, eigene Werke zu schaffen?
Ich erinnere mich, dass ich sehr jung war und ein Gedicht mit meiner linken Hand schrieb, obwohl ich Rechtshänderin bin. Es fühlte sich wie eine Art von Performance an. Das ist eine sehr eindrückliche Erinnerung, und sie ist in gewisser Weise von Bedeutung, also eine Art Ausgangspunkt. Ich habe mich schon immer sehr für den Raum interessiert: seine Organisation, seine Zirkulation, seine Transformation. Als ich anfing, Kunst zu machen, ging es mir mehr darum, mich auf eine bestimmte Art mit meiner Umgebung auseinanderzusetzen, anstatt zu zeichnen oder zu malen.

Wer hat deine Kreativität gefördert?
Meine Familie hat mich immer ermutigt, etwas anderes als Kunst zu machen, und zwar auf sehr liebenswürdige Weise. Trotzdem hat sie mich immer unterstützt. Die Kunstschulen in Frankreich sind öffentlich, und es ist sehr schwierig, dort aufgenommen zu werden, aber die Tante eines Ex-Freundes hat mich wirklich ermutigt, diesen Weg einzuschlagen. Sie war eine erstaunliche Frau!

Du hast an der École Nationale Supérieure d’Arts in Paris-Cergy studiert. Wie hat diese Zeit deine Entwicklung als Künstlerin beeinflusst?
Ich war fest entschlossen, diese Schule zu besuchen. Sie wurde kurz nach dem Mai 68 gegründet, und die Initiatoren wollten wirklich ein Zeichen setzen, indem sie einen konzeptionelleren Ansatz verfolgten, transdisziplinärer waren und die Schule am Rande von Paris ansiedelten. Als ich dort war, musste ich mich nicht für ein bestimmtes Studio entscheiden: Die Schule war ganz anders organisiert als die traditionellen Kunstakademien, und ich durfte sowohl Kurse in Film und Tanz als auch in Malerei und Bildhauerei und so weiter belegen. Die Möglichkeit, verschiedene Interessen zu mischen, war für mich von unschätzbarem Wert, vor allem, weil ich mich schon immer für das Thema Umgebung, Kulisse und Bühnenbild im Zusammenhang mit Tanz, Theater, und vor allem Kino interessiert habe. Ich bin damit aufgewachsen, tonnenweise Filme aus allen möglichen Genres zu sehen, daher war das Kino für mich immer eine kreative und intellektuelle Inspiration. Die École Nationale Supérieure d’Arts hat es mir ermöglicht, dem Kino so nahe wie möglich zu kommen, ohne selbst Kino zu machen.

Wie würdest du deine Praxis in ein paar Sätzen beschreiben?
Ich bin sehr forschungsorientiert. Kontext, Geschichte und der intellektuelle Prozess hinter meiner Arbeit sind entscheidend. Allerdings werde ich auch von Form, Farbe und Materialien angetrieben. Die Idee und die Herausforderung besteht darin, eine Synthese oder Kristallisation aus all meinen Forschungen zu entwickeln.

Wenn ich von Kontext spreche, beziehe ich mich auf alle Ebenen der kulturellen, sozialen und politischen Diskussion mit Kuratoren, Institutionen oder Räumen, in denen ich meine Arbeiten zeige. Architektur ist für mich von grundlegender Bedeutung.

„Para-Architektur“ ist ein wichtiges Element deiner Arbeit. Was bedeutet das eigentlich?
Das Konzept der Para-Architektur wurde von Daniel Marcus geprägt, einem Kurator und Kunsthistoriker aus Columbus, Ohio, der auch ein guter Freund von mir ist. Ich habe zwischen 2017 und 2020 viel mit ihm zusammengearbeitet. Vereinfacht gesagt, ist Para-Architektur die Betrachtung aller Dinge, die die „reine“ Architektur umgeben: nicht nur die Entwicklung von Gebäuden, sondern auch Innenräume, wie Menschen sie erleben, und sogar die Organisation ganzer Städte. Für mich kommt alles auf die Architektur zurück. Kino ist Architektur. Die libanesisch-amerikanische Dichterin Etel Adnan hat es 2011 in einem Interview mit Hans Ulrich Obrist sehr gut erklärt. Sie sagte: „Architektur ist eine Form der Erhebung, eine vertikale Bewegung, etwas, das aus dem Boden wächst, wie ein Baum. Architektur umfasst alles: Form, Farben, soziale Belange. Letztendlich ist sie immer für den Menschen da, egal ob er die Gebäude bewohnt oder durch sie hindurchgeht. Sie ist sowohl eine geheimnisvolle Kunstform als auch unser Lebensraum. Wir können ihr nicht entkommen. Auch ein Zelt ist Architektur und sogar eine Höhle, wenn sie bewohnt ist.“ Ich beziehe mich auch oft auf die Worte von Ludger Schwarte in seinem Werk Philosophy of Architecture.

Gibt es noch andere Themen, die sich durch deine Arbeit ziehen?
Häuslichkeit ist ein wichtiges Thema für mich. Vor ein paar Jahren habe ich an einer sehr langen Serie namens Maison Francaises, une collection gearbeitet. Sie umfasste etwa 60 Fotografien, die sich Werbebilder von Möbelstücken aus den 70er-, 80er- und 90er-Jahren aneigneten. Ich löschte den gesamten Text aus den Anzeigen, um zu sehen, welche Botschaften sie ohne die Hilfe von Sprache vermitteln. Außerdem wollte ich sehen, was passiert, wenn man sie in einen neuen Kontext setzt – an eine Galeriewand – und so den Bildern eine andere Behandlung als ihren ursprünglichen Zweck zukommen lässt. Viele großartige Künstlerinnen beschäftigen sich mit dem Thema der Häuslichkeit, wie etwa Martha Rosler und Dominique Gonzalez-Foerster. Letztere arbeitet mit verschiedenen Arten von Räumen, mentalen und physischen, als Antwort auf die vielfältigen Bedeutungen, die sie in literarischen Werken von Virginia Woolf und Nathaniel Hawthorn haben. Gonzalez-Foerster ist für mich eine ganz wichtige Referenz. Ich habe mich während meines Studiums viel mit ihrer Arbeit beschäftigt und tue das auch heute noch. Ich interessiere mich auch sehr für die amerikanische Künstlerin Barbara Bloom, die mit Möbeln arbeitet, um Konzepte der Macht und politische Momente der Geschichte zu erforschen.

Feminismus ist ein weiteres wichtiges Anliegen für dich, oder?
Auf jeden Fall. Seit ein paar Jahren beschäftige ich mich mit dem Konzept der feministischen Architektur. Wie können wir sie kategorisieren? Können wir historische Architektur als feministisch betrachten? Oder wie sieht eine nicht-feministische Architektur aus? Ich habe begonnen, zu diesem Thema zu recherchieren, und ziehe dabei Film und Kino zur Unterstützung meiner Überlegungen heran.

Ist das auch das Thema deines derzeitigen Aufenthalts in der Secession in Wien?
Eigentlich werde ich etwas anderes erforschen, aber es ist immer noch damit verbunden. Ursprünglich wurde ich von Tabak-Trafik inspiriert, einer alten österreichischen Tabakmarke. Ich liebe das Logo: Ich habe ein T-Shirt mit diesem Logo, das ich auf einem Flohmarkt in Japan gekauft habe und das den Anstoß zu diesem Projekt gab! Ich interessiere mich sehr für die Tatsache, dass die Zigarettenproduktion in Österreich lange Zeit verstaatlicht war. Ich bin neugierig auf die Geschichte und den Werdegang der Zigaretten, auf das Konzept des Rauchens als soziales und bindendes Element, auf den Zusammenhang mit einem ganz bestimmten Zeitpunkt in der Geschichte Wiens, mit der dortigen Kaffeehauskultur und der Psychologie, Psychotherapie und Abstraktion. Eine große Anzahl von Frauen ist durch das Rauchen an Lungenkrebs erkrankt. Die Zahl der Fälle erreicht ein kritisches Ausmaß. In Adam Curtis’ Film The Century of the Self aus dem Jahr 2002 spricht er über die Tatsache, dass Zigaretten anfangs als eher männliche Objekte angesehen wurden. Zu Beginn des 19. oder 20. Jahrhunderts wurden sie von Unternehmen als Synonym für weibliche Emanzipation und Befreiung neu gebrandmarkt. Sie wurden zu einem echten Werkzeug und Statement für Frauen. Diese Art kapitalistischer, patriarchalischer Fallstricke interessiert mich sehr.

Wohin soll sich diese Studie entwickeln? Wie wird das Endprodukt aussehen?
Ich würde gerne eine Art phantasmagorischen Raucherraum schaffen, der sowohl Elemente aus dem Tabak-Trafik-Archiv als auch neue Kreationen enthält. Ich möchte viel Zeit in den Straßen Wiens verbringen und dokumentarische Fotos von rauchenden Menschen machen. Die physische Anwesenheit in der Stadt wird das Ergebnis des Projekts stark beeinflussen, da es für mich sehr wichtig ist, vollständig in die Themen, mit denen ich arbeite, einzutauchen. Wenn ich nicht eintauche, kann ich mich nicht richtig artikulieren. Ich muss in der Gegenwart der Dinge sein, um sie verarbeiten zu können. Ich bin ein sehr langsamer Mensch, ich kann nicht schnell auf Dinge reagieren. Ich muss beobachten, aufnehmen und verarbeiten, bevor ich weiß, wie ich handeln will.

Diese Idee eines immersiven Raucherraums spiegelt die Tatsache wider, dass du zwar mit Medien wie Skulptur, Installation, Bild und Text arbeitest, dein Hauptanliegen aber der Ausstellungsbau ist. Warum ist das so?
Es mag ein kleiner Widerspruch sein, aber ich glaube nicht, dass ich ein sehr materialistischer Mensch bin. Ich glaube, ich bin eher daran interessiert, alles in Bewegung zu lassen und mit der Fluidität, der Transformation von Umgebungen und Erfahrungen zu arbeiten als mit fragmentierten Elementen. Der immersive Aspekt von Installationen erlaubt es auch, eine Kommerzialisierung der Kunst zu umgehen.

Was macht für dich eine gute Ausstellung aus?
Mut, Radikalität und das Gefühl, dass jemand die Grenzen seiner Arbeit so weit wie möglich hinausgeschoben hat. Diese Frage hat mich sofort an Gut Health denken lassen, eine Ausstellung meiner Freundin Hanne Lippard, die im Rahmen der Art Basel im Pharmaziemuseum gezeigt wurde. Sie war sehr scharfsinnig, humorvoll und einfach. Ich denke, das sind alles wichtige Elemente einer Ausstellung.

Erzähle uns von deiner letzten Einzelausstellung As if a house should be conceived for the pleasure of the eye, she says, die letzten Oktober (2021) bei Ellen de Bruijne Projects in Amsterdam gezeigt wurde. Die Ausstellung wurde teilweise durch Themen aus Virginia Woolfs A Room of One’s Own inspiriert, richtig?
Der Ausgangspunkt für die Ausstellung war das Konzept der feministischen Architektur, das ich bereits erwähnt habe. Ich habe mich bei meinen Recherchen auf zwei Filme gestützt: Barbet Schroeders Maîtresse (1976) und Todd Haynes’ Safe (1995). Ich interessierte mich sehr für die Beziehungen der weiblichen Charaktere zu der sie umgebenden Architektur und dafür, wie diese in beiden Filmen fast wie eine eigene wichtige Figur wirkte. In Maîtresse ist die Hauptfigur eine Domina: Sie hat ein Verlies direkt unter ihrer Wohnung. Dieser zusätzliche Raum war für mich sehr interessant. Im BDSM sind diese Räume Orte des Vertrauens, der Verwandlung, der Fiktion, an denen Dominanz und Unterwerfung ausgelebt, umgedreht und erweitert werden. Es sind Räume der totalen Freiheit, aber auch der totalen Lust. Mich interessierte, wie wir diese Räume über ihre primären Funktionen hinaus wahrnehmen können. Ich habe Safe während der ersten Isolierung durch das Coronavirus gesehen und mit ihm gearbeitet, daher war die Vorstellung, sich in einem geschlossenen Raum zu befinden, zu dieser Zeit sehr relevant. Am Ende des Films findet die Hauptfigur Unterschlupf in einem New-Age-Therapiezentrum. Die Architektur dort ist geodätisch und sehr zweideutig. Das hat mich dazu inspiriert, an einigen architektonischen Modellen zu arbeiten, um die Themen des Films zu überdenken und zu verarbeiten. Und schließlich habe ich mich, um auf den Text von Virginia Woolf zurückzukommen, auch gefragt: Brauchen Frauen in der heutigen Gesellschaft mehr Raum, oder müssen wir tatsächlich ganze Städte neu denken und umgestalten?

Um das Thema „Ein eigener Raum“ in eine andere Richtung zu lenken: Wie sieht dein Atelierraum aus? Wie ist er so eingerichtet, dass er für deine künstlerische Praxis hilfreich ist?
Ich verbringe sehr viel Zeit in meinem Atelier, ich liebe es, hier zu sein. Ich verändere den Raum ständig, je nach dem Projekt, an dem ich gerade arbeite. Im Moment ist er sehr aufgeräumt. Hier befinden sich hauptsächlich Bücher, Tische und mein Scanner, sodass ich mich ganz in meine Recherchen vertiefen kann. Letzten Monat war es eher ein Malatelier. Ich habe im Rahmen einer Gruppenausstellung neue Bilder und Skulpturen ausgestellt, die von Screens und Raumteilern inspiriert waren. Es war sehr chaotisch.

Glaubst du, dass es Missverständnisse über deine Arbeit gibt, die du gerne ansprechen würdest?
Manche Leute denken, dass es bei meiner Arbeit darum geht, Design und die Produktionsformen infrage zu stellen. Andere denken, dass sie fast als ein Stück Design selbst angesehen werden können, was nicht ganz richtig ist. Auch wenn die Gestaltungen und Formen in meiner Arbeit sehr stark sein können, sind meine Ausgangspunkte sehr konzeptionell.

Abschließend: Gibt es künstlerische Vorbilder, denen du eine Hommage zukommen lassen möchtest?
Obwohl sie sehr weit von meiner eigenen Praxis entfernt ist, bewundere ich die libanesisch-amerikanische Künstlerin Simone Fattal zutiefst. Ich hatte die Gelegenheit, sie ein paar Mal zu treffen, und wir waren beide einmal für denselben Preis nominiert. Eine wichtige Person, mit der ich mich ständig über Arbeit und Leben austausche und die ich absolut bewundere, ist die britische Künstlerin Anthea Hamilton. Jenni Crain, die eine erstaunliche Künstlerin und Kuratorin war, ist leider letztes Jahr verstorben. An sie sollte gedacht werden. Schließlich liebe ich Linda Nochlin und ihre Enkelin Julia Trotta, die eine sehr gute Freundin von mir ist. Aus naheliegenden Gründen bin ich ein großer Fan von meiner Freundin, aber ich bewundere auch die Beziehung, die sie zu ihrer Großmutter hatte. Ihre Verbindung war eine Quelle der Inspiration: Sie vereinte feministische Mentorenschaft, Kunstgeschichte und familiäre Abstammung, umgeben von Liebe. Meine Großmutter war auch eine meiner persönlichen Heldinnen. Ich liebe Großmütter. Ich bin ein großer Fan von Großmüttern.

Interview: Emily May
Fotos: Elise Toïdé