Seit dem Abschluss der Kunstschule in ihrer Heimat Schweden ist Liva Isakson Lundin rasch zu einer der bedeutendsten und markantesten Künstlerinnen ihrer Generation aufgestiegen. In jüngster Zeit hat ihre skulpturale und installative Arbeitsweise eine beeindruckende Form und Größe angenommen, in der ihre Rolle als Künstlerin der einer technischen Ingenieurin ähnelt. Während man vermuten könnte, dass sie einen naturwissenschaftlichen und technischen Hintergrund hat, spricht sie in unserem Interview darüber, dass ihre Kunst im Atelier ausschließlich durch Versuch und Irrtum entsteht. Bekannt für das Nebeneinander industrieller Materialien und organischer Formen, erzählt sie auch, was sie in ihrer Kunst zu bestimmten Materialien hinzieht. Der Schlüssel ist: Widerstand.

Wie hast du den Weg zur Kunst gefunden?
Ich habe bereits in der Oberstufe Kunst belegt und mich seitdem ausschließlich mit dem Studium und der Produktion von Kunst befasst. Kunst war schon immer auf die eine oder andere Weise für mich da - seit ich mich erinnern kann. Ich habe immer gezeichnet oder Dinge gebaut. Meine Eltern sind beide kulturell interessiert und aktiv. Ich denke, es trägt viel dazu bei, sich zu Hause mit Kunst und Kultur auseinanderzusetzen, sei es - wie in meinem Fall - mit Theater und Musik. Meine Eltern hatten Künstler im Freundeskreis, so dass die Vorstellung, Kunst zu machen, immer wie eine normale Sache erschien.

Kannst du dich an dein allererstes Kunstwerk erinnern – dein erstes Werk, das du für dich als Kunst definiert hast?
Ich habe nachgedacht und erinnere mich an das eine Mal in der Oberstufe, als ich während eines Projekts einen Kühlschrank aus dem Lehrerzimmer herumschob, um darin einen Kronleuchter mit Eiswürfeln herzustellen. Ich glaube, das war das erste Mal, dass ich in größerem Maßstab gearbeitet und über das Zeichnen hinausgedacht habe - gezeichnet habe ich bis zu diesem Zeitpunkt schon viel. Das war vielleicht das erste Mal überhaupt, dass ich in Richtung eines Projekts gedacht habe, das verschiedene Ausführungsschritte umfasst. Ich musste Überlegungen anstellen, wie man es aufbaut, wie man es am besten vor einem Publikum präsentiert und so weiter.

Das ist ein schönes Studio, in dem wir uns hier befinden, in der Gegend von Gubbängen in Stockholm. Es hat eine leicht nostalgische Ausstrahlung. Was sind für dich ausschlaggebende Kriterien in Bezug auf die Studioumgebung und den Raum?
Es ist ein ehemaliger Geschäftsraum, den sich einige von uns teilen. Ich bin seit Anfang letzten Sommers hier und genieße es wirklich. Der Raum hat hohe Decken, was ermöglicht, dass man Dinge anheben und hängend montieren kann. Es ist nichts so wertvoll wie die Möglichkeit, ein Atelier ohne übermäßige Vorsicht nutzen zu können. Wenn du etwas verschüttest, verschüttest du etwas. Keine Notwendigkeit für Überlegungen in Hinblick auf das Risiko von Beschädigungen. Für mich ist es wichtig, dass ein Studio mir erlaubt, spontan und frei in meinen unterschiedlichen Versuchen zu sein.

Eine Zeit lang hast du zu Hause gearbeitet. Bei den Größenordnungen, in denen du arbeitest, muss das eine Riesen Herausforderung gewesen sein?
Auf eine Art und Weise, die auch praktisch war, wenn auch räumlich enger, da ich ein Schlafzimmer als Studio benutzt habe. Aber da ich in Teilzeit gearbeitet habe, konnte ich zeiteffizient leicht vom Arbeitsmodus in den Studiomodus wechseln. Allerdings erforderte es viel Überlegungen zur Logistik, wenn man nur ein Modell bauen und eine Installation auszuprobieren wollte. Heute habe ich einen festen Arbeitsplatz im Atelier zum Zeichnen, während es früher darum ging, Dinge herzurichten, um sie nach der Benutzung wieder wegzuräumen.

Wenn man sich in Ihrem Atelier umsieht, wird sofort klar, dass hier viele technische Überlegungen angestellt werden. Es hat den Anschein, dass du mit Gravitation und anderen Kräften experimentierst. Deine Arbeit erweckt oft den Anschein, von Technik und Ingenieursarbeit beeinflusst zu sein. Woher kommt dieses Gefühl oder Interesse an technischen Wissenschaften?
Ich habe überhaupt keine technische Ausbildung. Ich versuche mich weiter zu entwickeln und improvisiere viel. Ich finde es auch lustig und spannend, Probleme zu lösen und „Formeln“ herauszufinden, die sich auf die Verwendung bestimmter Materialien beziehen. Um Dinge zu bauen, werden technische Lösungen benötigt, was ein Teil meines versuchsbasierten Prozesses ist.  

Wie viel externe technische Unterstützung benötigst du?
Wenn es um Ausstellungen geht, arbeite ich meistens nach meinen eigenen Fähigkeiten, um die Dinge zum Laufen zu bringen, zum Beispiel um auszuprobieren, wie man eine Installation in der Luft schweben lässt. Da ich begonnen habe, Aufträge für öffentliche standortspezifische und Großanlagen zu übernehmen, sind Sicherheitsvoraussetzungen und Vorsichtsmaßnahmen eine notwendige Überlegung und erfordern das Hinzuziehen von Experten.

Innenarchitektur scheint in deiner Kunst eine große Rolle zu spielen. Worin besteht für dich ihre Bedeutung in Bezug auf deine Kunstproduktion und -präsentation?
Zunächst einmal: Der Raum, die Wände und der Boden werden oft als „Träger“ für ein Werk genutzt. Die Arbeit ist oft ortsspezifisch und auf den Raum angewiesen, um zu „existieren“ und erhält eine „Dauerhaftigkeit“, sobald sie in den Raum gebracht und dort positioniert ist. Man könnte sagen, dass ich im Atelier mehr den Aufbau als das Erstellen der vollständigen Arbeit übe.

Gibt es immer wieder auftretende Missverständnisse in Bezug auf deine Arbeit, die du klären möchtest?
Nicht wirklich. Ich genieße es vor allem zu hören, wie Leute meine Arbeit interpretieren, und es macht mir nichts aus, wenn jemand ganz andere Gedanken dazu hat als ich. Ich finde es problematisch zu sagen, dass jemand hinsichtlich seiner Wahrnehmung „falsch“ liegt. Ich empfinde es eher so, dass ich etwas präsentiere, das einen „Dialog“ zwischen Werk und Betrachter auslöst; welche Form er annimmt, entzieht sich meiner Kontrolle oder meinem Urteilsvermögen. Es ist schmeichelhaft, dass Leute sich auf deine Arbeit einlassen und versuchen, sie in Worten zu beschreiben. Eine andere Sache ist hingegen, wenn etwas über meine Arbeit geschrieben wird, das den Eindruck erweckt, es stamme von mir, wenn das nicht der Fall ist.  Ich persönlich muss sagen, dass es mir nicht gerade leicht fällt, über meine Arbeit zu sprechen und sie zu analysieren.

Du arbeitest oft mit Gegenüberstellungen weniger miteinander verbundener Materialien, zum Beispiel Latex und Metall oder Glas und Silikon. Was lenkt deine Aufmerksamkeit auf ein Material?
Nun, es muss eine Herausforderung sein, es muss einen gewissen Widerstand geben, und das Material sollte in gewisser Weise einen eigenen Willen besitzen. Was an den Materialien kompliziert ist, ist in meinen Augen auch ihre Stärke. Nehmen wir Latex: es ist sehr elastisch, aber auch sehr zerbrechlich. Federstahl ist super elastisch und formbar. Man kann damit machen, was man will, muss aber auch bedenken, dass er scharf und potenziell gefährlich ist und sich gegen einen selbst wenden kann. Das Gewicht ist ein weiterer Parameter, der bei der Arbeit mit Materialien eine Rolle spielt.

Gibt es Materialien, die aus welchen Gründen auch immer, bisher nicht für dich „passend“ waren?
Man sollte niemals nie sagen. Aber Ton ist heikel. Ich liebe es, damit zu arbeiten, aber ich glaube, es ist noch nicht ganz ausgereift.

Ich fühle mich veranlasst zu fragen: Siehst du deine Werke als Metaphern für etwas?
Ich würde nicht sagen, dass sie metaphorisch zu verstehen sind, aber ich möchte auch nicht sagen, dass sie nichts abbilden oder völlig abstrakt sind. Ich denke, ich versuche, einen Zustand oder eine bestimmte Gemütsverfassung zu kanalisieren, oder eine Träne oder Spannung, die den Ausgangspunkt bildet. Sie fühlen sich auf diese Weise persönlich.

Deine zweite Ausstellung, aber erste große Einzelausstellung in der Galerie Wetterling wirkte wie ein mutiges Statement an, da sie hauptsächlich eine große, in der Luft schwebende Installation zeigte, die einen ganzen Raum umspannte. Erzähl uns bitte mehr darüber.
Ich habe mich schon lange mit der Idee beschäftigt und habe zuvor mit Gruppen und mehreren Einheiten von Werken in Ausstellungen gearbeitet, aber das war das erste Mal, auf diese Art und Weise mit einem Hauptwerk zu arbeiten. Ein wichtiger Aspekt dabei war der Luxus, über eine lange Zeit ortsspezifisch in der Galerie arbeiten zu können. Ich hatte zwei ganze Wochen Zeit, um die Arbeit nach und nach in Form zu bringen. Letztendlich wurde ich dort ganz heimisch und fand in der Galerie einen sehr sicheren und beruhigenden Ort, um meine Ideen auszuprobieren. Obwohl es ein Herzstück gab, war es auch das erste Mal, dass ich Zeichnungen neben Installationen präsentiert habe und diese Kombination - wenn auch in getrennten Räumen - ausprobiert habe.

Welche Beziehung besteht zwischen deinen Zeichnungen und deinen dreidimensionalen Arbeiten?
Der bedingungslose Fokus und das Gefühl, das sich beim Zeichnen und Ausprobieren der Form eines Installationsstücks einstellt, ist der gleiche, nur der Maßstab und das Material unterscheiden sich. Motivisch haben sich die Zeichnungen der letzten Jahre auf Skizzen von Skulpturen und Installationen konzentriert. Ich denke, dass diese Techniken auf jeden Fall miteinander verwandt sind, denn auch bei den Zeichnungen gibt es eine starke Betonung auf Materialität und Konstruktion, an die man vielleicht zunächst nicht denkt. Ich arbeite parallel sowohl mit Öl als auch mit trockenem Pastell; das ergibt ein Gleichgewicht zwischen fetten und trockenen Schichten auf der Oberfläche, auf der sie sich wechselseitig ergänzen.

Wer sind einige der künstlerischen Vorbilder, die dich inspiriert haben?
Das ist immer eine schwierige Frage, aber ich denke an Eva Hesse und Eva Löfdahl. Es gab eine Lee Lozano-Ausstellung im Moderna Museet in Stockholm vor ein paar Jahren, die mich völlig überwältigt hat.

Du gehörst zu den aufstrebenden schwedischen Künstlern der letzten Jahre, die bereits unmittelbar nach der Kunstschule beachtlichen Erfolg haben und sowohl bei Kritikern als auch Publikum Anerkennung finden. Ist das mit einem gewissen Druck verbunden?
Ich bin glücklich über die Möglichkeiten, die mir gegeben wurden, sowie die öffentlich Präsenz, die mir ermöglicht, weiterhin künstlerisch zu arbeiten. Natürlich fühle ich Druck, aber ich denke, dass Druck in diesem Bereich unvermeidlich ist und ich glaube, dass er ein Impuls sein kann, der dich dazu bringt, dein Bestes zu geben.

Bald erwarten dich große Dinge: Als nächstes hast du eine Gruppenausstellung in Lima, Peru, in der Revolver Galería, und im Februar wirst du bei der Armory Show mit der Wetterling Gallery ausstellen. Was wirst du zeigen?
Sowohl in Lima als auch auf der Messe werde ich mit Bandstahlinstallationen arbeiten. In Lima ähnelt die Gestaltung des Ausstellungsraums auf Grund der sehr hohen Decken eher einem Kunstmuseum als einer typischen Galerie. Die Installation wird hoch oben in der Luft hängen und es gibt einen Balkon, von dem aus man die Installation mehr oder weniger in Augenhöhe sehen kann. Es sind Sicherheitsmaßnahmen zu berücksichtigen und die Umsetzung wird zwangsläufig herausfordernder.

Machen dich neue Situationen nervös?
Sicher, ich bin zu 100 Prozent nervös, aber ich bin gleichermaßen begeistert, und vielleicht ist meine Nervosität auf vorausschauende Weise positiv.

Interview: Ashik Zaman
Fotos: Maria-Corina Wahlin

Links: Liva Isakson Lundins Webseite Wetterling Gallery, Stockholm