Maja Babič Košir ist eine äußerst vielseitige bildende Künstlerin, Bildhauerin, Malerin und Grafikerin, die in ihren Rauminstallationen mit einem Sinn für Neugierde die Grenzen zwischen verschiedenen Medien aufbricht. Ihr intuitiver künstlerischer Prozess basiert auf einem introspektiven Prinzip, insbesondere in Bezug auf die gefundenen Materialien ihres Familienarchivs, das sie in den letzten Jahren nach und nach entdeckt hat. Sie lebt und arbeitet in Ljubljana (Slowenien) und Porto (Portugal).

Maja, dein Familienarchiv dient dir oft als Grundlage für deine Arbeit, sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne. Wie hast du dich diesem genähert?
Seit 2018 recherchiere ich den Nachlass meines Vaters, der Industriedesigner war. Ich verwende seine ausrangierten Materialien aus dem Depot: Tapeten, typografische Experimente und Folien, Plastikfolien, Textilien, Briefumschläge, Pappe, glänzende Klebebänder und andere Papiere mit visuell ansprechenden haptischen Qualitäten. Begonnen habe ich mit der Collagen-Serie Love Letters Series, die ich intuitiv zusammenstelle, ergänze, bearbeite, etwas wegnehme und dann wieder hinzufüge. Es ist ein sehr persönlicher Prozess der Annäherung durch die Objekthaftigkeit, durch die intime Verbindung mit dem Material, der ganze Prozess fühlt sich für mich manchmal wie eine Art meditative Therapie an.

Kannst du jemandem, der noch nicht mit deiner Arbeit vertraut ist, deinen kreativen Prozess beschreiben?
Da ich aus der Bildhauerei komme, verspürte ich bald den Drang, über die Zweidimensionalität der Collage hinauszugehen und in den Raum hineinzuarbeiten. Meine Rauminstallationen enthalten auch viele gefundene Objekte. Ironischerweise empfand ich als Kind, das in einem Sammlerhaus voller Bücher, Skulpturen und Gemälde aufwuchs, meine Umgebung als erdrückend, aber heute sage ich manchmal, dass ich „Schrott und Überbleibsel“ sammle. Ich durchstöbere Antiquitätenläden und Flohmärkte nach verlassenen Gegenständen, die ihre eigene Geschichte haben und ihre eigene Geschichte erzählen. Auf diese Weise füge ich dem „Gepäck“, das bereits mein eigenes ist, etwas hinzu. Der ganze Prozess ist ein Experiment: Ich „benutze“ die Materialien, die ich finde, mache sie mir eine Zeit lang zu eigen, bearbeite sie, bemale sie, zerbreche sie, schneide sie und verwende sie schließlich wieder. In dieser Hinsicht ist Kunst wahrhaftig völliger Luxus und pure Freiheit. Bei meiner Arbeit geht es nie um ein einzelnes Stück, ein einzelnes Projekt, sondern um einen nie endenden Prozess, eine ständige Metamorphose. Man könnte sagen, dass ich die ganze Zeit eine Sammlung von Kunstwerken zusammenstelle, vielleicht eine Ausstellung, die zu einem bestimmten Zeitpunkt ein komplettes Ganzes sein kann, aber andererseits immer unvollendet ist, weil ich immer etwas hinzufügen oder wegnehmen kann, um es dann weiter zu recyceln, es in einer neuen Form, in einem neuen Kontext zu verwenden, und so weiter.

Hat das kreative Umfeld, in dem du aufgewachsen bist, dich zu deiner Berufswahl geführt?
Mein Zuhause war künstlerisch anregend, aber ich hatte keinen wirklichen Wunsch nach künstlerischem Ausdruck. Als Kind war ich immer kreativ, habe dekoriert, Kleidung entworfen und gestylt, ausgefallene Frisuren geschnitten und so weiter. Aufgrund meiner vermeintlichen Vorliebe für alles, was anders ist, schrieb ich mich an der Hochschule für Design und Fotografie und anschließend an der Akademie der Schönen Künste und des Designs in Ljubljana ein (wo ich schließlich einen Master-Abschluss in Bildhauerei machte), obwohl ich bis dahin keine wirkliche Leidenschaft für das Kreative verspürt hatte.

Was hat sich an der Akademie geändert?
Während meines ersten Jahres hatte ich das Glück und das Privileg, die Künstlerin Duba Sambolec als Gastprofessorin an der Akademie zu haben. Das war der Moment, in dem das Feuer entfacht wurde. Damals wurde mir klar, warum ich die Kunst brauche; sie ist mein Mund, meine Zunge, meine Stimme, sie ist alles, was ich nicht artikulieren und verarbeiten konnte. Damals wurde mir klar, dass meine persönliche Geschichte und die Geschichte, die ich in mir trage, meine treibende Kraft sein können, um alles, was ich fühle, in die visuelle Welt zu übersetzen, und zwar auf eine Weise, die natürlich, intuitiv und organisch erscheint. Bis vor kurzem habe ich mein Schaffen nicht als Job oder Beruf wahrgenommen, sodass ich es immer noch nicht von den anderen Identitäten, die ich trage (Frau, Künstlerin, Mutter, Tochter, Freundin), trennen kann, da sie eng miteinander verwoben sind. Schaffen ist einfach etwas, das ich tue und tun muss, ein ständiger Fluss von Impulsen, die ich täglich ausführe und von denen ich annehme, dass ich sie auch tun müsste, wenn ich nicht dafür bezahlt würde. Wenn wir schaffen, sind wir vollkommen, ganz gleich, was wir tun.

Wie bereits erwähnt, hast du Bildhauerei studiert, aber deine künstlerische Praxis weist eindeutig in Richtung Multimedia. Wie siehst du die Bildhauerei heute?
Kurz nach meinem Abschluss zog ich nach Spanien und dann nach Portugal, wo ich mich aus praktischen Gründen, vor allem wegen des fehlenden Ateliers und der Arbeit mit schweren Materialien, aber auch wegen des Wechsels der Umgebung, anderen Medien zuwandte, wie Zeichnung, Illustration, verschiedenen Drucktechniken, Malerei usw., die ich dann zehn Jahre lang im Ausland entwickelte. Erwähnenswert ist, dass ich in den letzten Jahren, nach meiner Rückkehr, auch zur Bildhauerei „zurückgekehrt“ bin, da die neuen Produktionsbedingungen dies nun zuließen, was in gewisser Weise meine Praxis bestimmt hat. Dank der geeigneten Ausstellungs- und Wohnräume und natürlich eines komfortablen Ateliers kann ich nun mit weniger Einschränkungen, größer und höher schaffen. Ansonsten habe ich in gewisser Weise immer versucht, diesen Impuls, Raum zu gestalten und in den Raum hineinzuarbeiten, auch in meinen Gemälden, Zeichnungen, Drucken und Collagen zu berücksichtigen. Vor allem in der Serie Love Letters versuche ich, die Dekorativität und Flachheit von Materialien zu negieren, indem ich sie schichte und staple, um letztlich einen mehrdimensionalen Effekt zu erzielen.

Erzähl mir mehr über die Materialien, mit denen du arbeitest. Scheinen sie bestimmte Gegensätze implizit hervorzurufen?
Ja, ich fühle mich von Gegensätzen angezogen. Ich untersuche oft die Beziehung zwischen scheinbar gegensätzlichen Begriffspaaren, wie z. B. intim und äußerlich, privat und gemeinschaftlich, emotional und rational, und so weiter. Ich suche nach einem Gleichgewicht im Material, das das Gesamtbild ausgleicht, sei es das einzelne Werk oder das gesamte Arrangement. Wie ich schon sagte, geht es in meiner Arbeit hauptsächlich (aber nicht ausschließlich) um gefundene Gegenstände und Materialien, die ich zu einem kohärenten und harmonischen Ganzen zusammenfüge – Beton und Holz, Glas und Metall, Plastik und Porzellan, Papier und Stein, unter denen man auch „nicht-künstlerische“ Gegenstände finden kann, die einmal eine konkrete Funktion hatten. Auf diese Weise untersuche ich unweigerlich auch die Beziehungen zwischen dem Zerbrechlichen und dem Zarten, dem Robusten und dem Elastischen sowie die Voreingenommenheit, mit der wir diese Begriffe in Bezug auf ein Farbschema betrachten. Oft sind die Ergebnisse meiner Experimente glückliche Irrtümer, die ästhetisch ansprechend oder auch unangenehm sein können. Ich interessiere mich für das Material selbst, seine Plastizität und die sensorischen Reaktionen, die es auslöst. Ich mag es, mich ihm zu unterwerfen und es so zu benutzen, wie ich es vorfinde, mit sehr wenig oder gar keinem Eingriff, ich setze es in einen neuen Kontext, in ein neues Ganzes, wo seine neue Ladung völlig losgelöst ist von den Bedeutungen, die es vorher trug. In diesem Sinne sehe ich auch das Familienarchiv – auch wenn mein Vater nicht mehr da ist, bleiben seine Gegenstände erhalten und dienen mir für etwas Neues, Schöneres. Wenn ich diesen Transformationsprozess abgeschlossen habe, wenn ich das Kunstwerk nicht mehr brauche, dann ist der Betrachter an der Reihe und seine Geschichte trifft auf meine.

Wie hat sich deine künstlerische Praxis in den letzten zehn Jahren verändert?
Wenn ich mir meine alten Arbeiten ansehe, fällt es mir manchmal schwer, mich wiederzuerkennen. Zu Beginn meines kreativen Weges habe ich mich viel mit dem Tod beschäftigt, vor dem ich unendlich viel Angst hatte. Außerdem fühlte ich mich von der Welt des Exzesses, der Sexualität und der Dekadenz angezogen, von allem, was „schräg“ und exzentrisch war und nicht den gesellschaftlichen Normen entsprach. Meine Kunst war dementsprechend wild, wütend und roh. Dann begann ich, Kunst mit therapeutischem Eifer zu erleben und zu schaffen, als einen fast heilenden, reinigenden Prozess. Wie bereits erwähnt, erforsche ich jetzt einen ganz anderen Bereich.

Das ist eine ziemliche Entwicklung. Wie würdest du die Kunst, die du jetzt machst, in ein paar einfachen Worten beschreiben?
Ich habe mich in den reinen Minimalismus zurückgezogen, bei dem mein Ausgangspunkt immer die persönliche Kontemplation ist. Der Anstoß für meine Arbeit kommt immer weniger von äußeren Impulsen. Mein künstlerisches Schaffen ist ein fortwährender Kreislauf der ständigen Suche. Die Inspirationen ändern sich, so wie wir uns ständig verändern, und damit auch meine Motivationen. Für mich ist die Kunst ein Spiegel, eine Reflexion dessen, was in mir vorgeht, und als solcher ist sie das perfekte Werkzeug, um meine innere Welt nach außen zu tragen und zu übersetzen.

Wie passt deine künstlerische Arbeit in unsere Zeit?
Wie jede andere Kunst auch. Meine Arbeit ist meine Antwort auf die Welt um mich herum, auf die Gesellschaft, in der ich lebe, auf den gesamten Kontext, der mich umgibt, und als solche reflektiert sie natürlich zumindest einen minimalen Teil des aktuellen Zeitgeistes. Kunst ist die Stimme des Einzelnen, die auch Teil des kollektiven Raums ist, in dem wir alle miteinander verbunden sind. Meine Kunst ist nicht aktivistisch oder gesellschaftskritisch, da es mir in erster Linie um die visuelle Komponente eines bestimmten Kunstwerks geht, aber sie ist mit Sicherheit ein Teil unserer Zeit. Sie ist meine Antwort auf äußere Impulse und damit unweigerlich ein Zeugnis für die Außenwelt, auch wenn sie ein Spiegelbild meiner intimen Innenwelt ist. Deshalb habe ich keine interpretatorischen Erwartungen an den Betrachter – ich glaube, dass das Werk immer den richtigen Gesprächspartner finden wird, zur richtigen Zeit, am richtigen Ort, wenn man dazu bereit ist. Der Betrachter wird auf meine, oder jede andere, Arbeit reagieren, wenn er sie zum „richtigen“ Zeitpunkt sieht, um eine emotionale Reaktion in ihm auszulösen. Das ist auch das Beste, was man sich erhoffen kann.

Was sind deine Pläne für die Zukunft?
Was die Erforschung der Medien und die technische Entwicklung meiner Arbeit angeht, arbeite ich ohne Plan, diese Entwicklung war schon immer organisch, und ich gehe davon aus, dass das auch so bleiben wird. Ich möchte vor allem an der Kontinuität meiner Arbeit arbeiten. Seit ich in einer Galerie arbeite (RAVNIKAR GALLERY SPACE in Ljubljana), ausstelle und an internationalen Kunstmessen und anderen kulturellen Veranstaltungen teilnehme, hat sich mein Verständnis von meiner eigenen Arbeit und Verantwortung verändert. Obwohl ich im Laufe der Jahre in verschiedenen Teilen der Welt gelebt habe, ist mir erst durch die jetzige Unterstützung klar geworden, wie wichtig es ist, nicht in Isolation zu schaffen. Während des Lockdowns gründeten meine Freundin und Künstlerkollegin Nevena Aleksovski und ich ein Kollektiv, My Familiar Unfamiliar, und bereiteten unser erstes gemeinsames Ausstellungsprojekt vor, was in dieser Zeit eine unglaublich erfüllende und lohnende Erfahrung war. Für das kommende Jahr plane ich das erste gemeinsame Projekt mit der bereits erwähnten ehemaligen Mentorin und Vorbild Duba Sambolec. Ich freue mich auf noch mehr experimentelle Kollaborationen und andere, noch unentdeckte Perspektiven, auf den Austausch mit verschiedenen Künstlern und Kuratoren, da ich durch solche Partnerschaften und Vorbilder über die Jahre unglaublich gewachsen bin, sowohl als Künstlerin als auch als Mensch. Um dem Individualismus eine Absage zu erteilen, möchte ich den Dialog als eine spezifische Arbeitsstrategie nutzen. Die Gemeinschaft ist der einzige Weg nach vorne.

Interview: Eva Simonič
Fotos: Marijo Zupanov