Einige von Martin Lukáčs Gemälden sind ein Durcheinander – ein Durcheinander von lebendigen Farben, ausdrucksstarken Formen und Gesichtern, die es kaum erwarten können, ihre Geschichte zu erzählen. Andere Werke wiederum zeigen klare und doch mysteriöse Symbole. Was sie verbindet, ist Lukáčs malerische Lust auf Abenteuer. Der in Prag lebende Künstler nahm sich Zeit, mit uns über die Leitbilder seines Werkes und seine popkulturellen Ikonen, den Einsatz von Instagram sowie seine Musiksucht zu sprechen.

Martin, wenn man sich deine Arbeit ansieht, so sind die Verwendung von Farbe, Linien und Wiederholung die auffälligsten Eigenschaften. Beginnen wir mit der Farbe: Ist deren Anwendung intuitiv oder analytisch?
Sie ist völlig intuitiv. Ich mag es, bestimmte Farben zu verwenden. Manchmal lasse ich mich von äußeren Faktoren inspirieren. Zum Beispiel habe ich vor einem Jahr eine Serie ganz in Blau erstellt, weil ich fast kein Geld hatte, um Farbe zu kaufen. Alles, was ich hatte, war dieses beschissene Blau, also habe ich es benutzt. Die Farben, die ich am meisten liebe, sind Gelb und Schwarz. Ich könnte mir vorstellen, für den Rest meines Lebens in diesen beiden Farben zu malen. Manchmal stelle ich mir vor, eine Karriere als Schwarzweißmaler zu haben. Aber ich werde es nicht tun. Ich mag es, wenn die Dinge bunt sind.

Haben Farben wie Schwarz und Gelb für dich eine besondere Bedeutung?
Für mich haben sie viel in sich. Meine Lieblingslogos sind schwarz und gelb. Diese Farben sind sehr ursprünglich, drücken aber auch eine Nervosität aus, vor allem Gelb. In der Bibel ist Gelb die Farbe der Verräter. Die Dynamik von Unsicherheit, Ambivalenz und Täuschung zieht mich an.

Die Linien in deinen Bildern sind wild und gestisch, scheinen aber gleichzeitig eine symbolische Bedeutung zu haben. Wie bringst du diese grafische Energie auf deine Leinwände?
Bevor ich an der Leinwand arbeite, beginne ich mit dem Zeichnen. Ich beginne damit, ein Symbol zu zeichnen, das so einfach wie möglich ist. Und wenn ich anfange, auf Leinwand zu malen, versuche ich, es so einfach wie auf Papier zu machen. Aber die Leinwand ist ein ganz anderes Medium und gibt mir neue Möglichkeiten, Linien zu verwenden. Dennoch möchte ich die Energie der Skizze auf der Leinwand beibehalten. Das ist mir sehr wichtig. Vielleicht ist das ein etwas schizophrener Ansatz, aber meistens bedeutet das, dass ich auf der Leinwand ein noch besseres Ergebnis erziele als auf dem Papier, und deshalb arbeite ich gerne auf zwei getrennten Medien, auf denen Linien auf sehr unterschiedliche Weise funktionieren.

Suchst du bei der Skizzierung deiner Motive nach bestimmten Symbolen als Inspiration? Und was hat es mit den Gesichtern, die oft in deinen Bildern erscheinen, auf sich?
Alles dreht sich um Figuren, Menschen und Symbole, die ich auf der Straße sehe. Nicht so sehr Graffiti, sondern vor allem Logos und zufällige Situationen – nur ganz alltägliche Symbole, und gelegentlich ist eine winzige Geschichte damit verbunden. Zum Beispiel habe ich kürzlich einige Arbeiten mit einem Piraten gemacht, weil ich einen Kerl in einem Flugzeug gesehen habe, der wie ein Pirat aussah, mit einem Schal auf dem Kopf und drei Kinnen. Aus irgendeinem Grund fand ich das wirklich interessant. Ich begann, Zeichnungen zu machen und darüber nachzudenken, wie ich sein Porträt in meine Umgebung übertragen kann. Ich wollte ihn in Bewegung zeigen und machte ihn manchmal transparent, fast unsichtbar. Ein weiteres Beispiel sind meine Arbeiten über die Ninja Turtles, in denen ich diese bekannte Comic-Figur vorstelle, die ich mehr als zwanzig Mal wiederhole, um den Eindruck einer zeitgenössischen Kinematografie zu erzeugen.

Versuchst du, auf unseren Kulturkonsum hinzuweisen, indem du Bilder auf diese Weise wiederholst?
Nicht explizit. In meiner Arbeit versuche ich normalerweise nicht, den Leuten bestimmte Konzepte beizubringen. Ich kann mir nie vorstellen, was die Leute denken, wenn sie meine Bilder sehen. Ich will sie nicht zwingen, ihnen mit den gleichen Gedanken zu begegnen, die ich habe, wenn ich vor ihnen stehe. Stattdessen hoffe ich einfach, dass die Menschen meine Bilder so sehr genießen, wie ich ihre Produktion genossen habe, und dadurch einen Teil dessen verstehen, was ich zu vermitteln versuche.

Wie stellst du sicher, dass deine Ideen auf diese intuitive Weise in deinen Bildern rüberkommen?
Ich habe ein Skizzenbuch mit Kohlezeichnungen, das tonnenweise Ideen enthält, aus denen ich die besten auswähle. Kürzlich habe ich jedoch aufgehört zu zeichnen, weil ich überall zu viel Papier hatte. Das gefiel mir nicht. Also fing ich an, direkt mit kleinen Leinwänden zu arbeiten. Ich zog einen Handschuh an und malte nur mit den Händen, um die Komposition und die Farben während des Arbeitsprozesses zu finden. Diese kleinen Arbeiten sind wirklich spontan. Es gibt keine Vorbereitung. Ich brauche nur meine Farben und Finger, und das war’s.

Dennoch sind deine Bilder in Serien oder Gruppen organisiert. Wie findest du bei all dieser Spontaneität heraus, wo ein Teil deiner Arbeit beginnt und wo endet?
Während ich an einem kleinen Format arbeite, denke ich bereits darüber nach, wie ich eine größere Version davon erstellen könnte. Die größeren Gemälde sind eher geplant, aber manchmal gelingt es mir, mich von der Leinwand und dem Prozess führen zu lassen. Ich bereite nur einige Zutaten vor – Ideen aus meinem Wortschatz. Manchmal entwickelt sich das Bild auf eine ganz andere Weise, weil das Material oder die Farben mir ein anderes Gefühl geben. Und manchmal gelingt es mir nicht, und das Bild ist ruiniert. Dann muss ich es neu lackieren, bis ich eine Lösung gefunden habe. Wie auch immer, so habe ich mir meine Serien ausgedacht. Normalerweise mache ich vier oder fünf Figuren, die miteinander verbunden sind. Die einzige Ausnahme waren die Schildkröten, von denen ich insgesamt zwanzig Stück gemacht habe.

Eine der wichtigsten Fähigkeiten, die ein Künstler haben muss, ist es, zu wissen, wann eine gute Idee auftaucht. Woran erkennt man, dass man ein gutes Bild gemacht hat?
Für mich ist es eher eine animalische Sache, und es fällt mir schwer, das verbal auszudrücken. Wenn du an einer Serie arbeitest, hast du ein Motiv, das die einzelnen Stücke verbindet. Beim Malen muss man nach diesem Motiv suchen. Der Prozess muss dich zu einem Punkt führen, an dem du nicht entkommen kannst, an dem du weiter malen musst. Dann weiß man, dass man an etwas Gutem dran ist.

Eine weitere Möglichkeit, etwas über deine Arbeit zu erfahren, ist, deinen Hintergrund und deine Ausbildung zu verstehen. Könntest du uns mehr darüber erzählen?
Ich wurde in einer kleinen Stadt in der Slowakei geboren. Als Kind hatte ich schweres Asthma und lebte eine Weile ohne meine Eltern in einem speziellen Krankenhaus in den Bergen. Dann zog ich nach Bratislava, wo ich an der Josef Vydra Hochschule für angewandte Kunst, der ältesten Kunstschule der Slowakei, studierte. Später studierte ich Malerei in Košice und wechselte von dort nach Prag. Ich habe auch ein Semester bei Astrid Klein in Leipzig studiert und dort mit vielen Dingen experimentiert – Installation, Skulptur, alles! Damals war ich mir unsicher über meine Sprache, ich wusste nur, dass ich etwas finden musste, das zu meiner Persönlichkeit passt.

Nach dem Studium hast du dir in Prag ein Studio eingerichtet. Wie sehen deine Arbeitsbedingungen aus?
Ich habe ein wirklich, wirklich, wirklich kleines Atelier, obwohl ich sehr große Bilder male. Einige von ihnen sind zwei oder sogar drei Meter breit. Erst kürzlich wurde mir klar, dass ich keine besonderen Bedingungen brauche, um zu arbeiten. Mein Prozess dreht sich mehr um ein mentales Setup als um ein physisches. Ich muss mich nur konzentrieren, und das kann in jedem Raum passieren. Ich kann mich anpassen. Was mir hilft, ist die Musik. Während der Arbeit höre ich alles, von Metal über Hip-Hop bis hin zu elektronischer Musik. Oft nehme ich meine Kopfhörer den ganzen Tag lang nicht ab.

Und die Kunstszene in Prag – wie ist sie? Hast du das Gefühl, dass eine interessante junge Szene entsteht?
Ja, ich denke, die Szene wird mit Sicherheit besser, obwohl es nicht so viele Künstler gibt wie in Berlin oder Wien. Die Szene ist kleiner und die Akademien sind noch nicht etabliert. Wir haben keine großen, bekannten Lehrer, und große Lehrer aus dem Ausland kommen nur, wenn sie eingeladen sind. Die akademische Erfahrung ist also eine andere als jene, die du in Deutschland und Österreich machen kannst. Die Kunstszene ist nicht so lebhaft und international. Deshalb lerne ich viel über Instagram kennen.

Waren die Leute, die dich kannten, bevor du mit der Kunstproduktion begonnen hast, überrascht, dass du diesen Weg eingeschlagen hast?
Es war von Anfang an klar, dass ich am Ende etwas mit Kunst tun würde. Wenigstens wusste ich es immer! Als ich jung war, dachte ich, ich würde in Amerika Cartoons zeichnen. Ich wollte Dinge wie Dexter’s Laboratory zeichnen. Das war mein Kindheitstraum. Ich hätte nie gedacht, dass ich Maler werden würde.

Hast du neben den Illustratoren von „Dexter’s Laboratory“ noch andere Vorbilder, die dich inspirierten?
Natürlich, viele! Auch fiktive Charaktere: Batman und diese Art von Typen. Ich wollte schon immer so jemand sein. Ich liebte Batman, und das tue ich immer noch. Ich habe alle Serien von Cartoon Network auf meiner Festplatte. Die Künstler, die ich bewundere, ändern sich laufend. Es gibt so viele Dinge, die ich entdecke.

Du hast gesagt, dass du während des Studiums alle möglichen Medien ausprobiert hast. Beim Auftragen von Farbe auf Leinwand bist du dann geblieben. Was macht die Malerei heute so relevant?
Malerei ist das älteste Medium. Es hat ewig existiert und anscheinend immer noch etwas zu sagen, weil es nach wie vor besteht. Ich entdecke immer wieder neue Aspekte dabei! Es gibt so viele Künstler, die große Gemälde gemacht haben und die Malerei ständig neu erfinden. Ich denke zum Beispiel an Maler wie David Ostrowski oder Michael Krebber. Künstler wie sie bringen mir Freude, weil sie die Grenzen der Malerei verändern.

Du hast also die Malerei als Medium gewählt, in dem du alles ausdrücken kannst, was du ausdrücken willst?
Ja, ich glaube schon. Manchmal benutze ich aber auch Installationen als zusätzliches Element. Es kann toll sein, Gemälde mit Objekten zu kombinieren. In letzter Zeit habe ich nur noch Ausstellungen gemacht, bei denen meine Arbeiten an den Wänden hingen. Aber ich habe auch Objekte benutzt, um meine Bilder zu präsentieren – zum Beispiel Schuhe. Die Idee dazu kam von einer wirklich kleinen Zeichnung, in der ich gerade etwas gekritzelt hatte. Ich dachte: „Was soll’s, ich habe noch nie ein Bild auf Turnschuhen gesehen! Kann ich es machen?“ Es ist so mega und sieht aus wie eine Art seltsame Werbung. Ich möchte energiegeladene Ausstellungen kreieren. Wenn die Energie der Bilder nicht ankommt, weil der Raum im Weg ist, muss ich über den Tellerrand schauen, z. B. können Installationen wie die mit den Turnschuhen helfen, wenn der Galerieraum wirklich hässlich oder zu groß ist.

Für die heutigen Künstler ist es sehr wichtig, wie sie sich verkaufen können. Hast du eine Antwort auf diese Frage? Bist du gut darin, dich selbst zu promoten?
Die Leute sagen, dass ich gut darin bin, aber ich sehe mich nicht als eine Art Selbstdarsteller. Es ist ziemlich schwierig. Niemand will die ganze Zeit eine Aufmerksamkeitshure sein. Deshalb mag ich es nicht, ständig so zu sein – aber gleichzeitig denke ich, dass es gut ist, die Aufmerksamkeit auf die eigene Arbeit zu lenken. Manchmal bezweifle ich, dass ich mich so promoten sollte, wie ich es tue. Aber anscheinend haben die Leute Spaß daran, sich mein Instagram-Profil anzusehen. Also versuche ich, es auch zu genießen, obwohl ich an solchen Plattformen zweifle. Sie haben eine Art von Macht, gegen die ich bin. Es lässt einen denken, dass all diese Bilder, Videos und Geschichten Realität sind, während sie es eigentlich nicht sind – sie sind eine falsche Realität. Die wirkliche Realität oder die Wahrheit ist, wenn ich ein Stück Arbeit schaffe. Aber wenn ein Bild fertig ist, wird es zur Illusion.

Könntest du uns ein wenig darüber erzählen, woran du gerade arbeitest? Was kommt in naher Zukunft?
Ich habe gerade eine Ausstellung in Berlin aufgebaut. Und dann habe ich eine zweite Einzelausstellung in Göteborg in Schweden. Einige der Werke in den Ausstellungen habe ich letztes Jahr gemalt, die anderen dieses Jahr. Wenn diese Ausstellungen abgeschlossen sind, plane ich, eine neue Richtung einzuschlagen. Ich habe bereits einige kleine Gemälde mit neuen Themen gemacht, an denen ich gerne arbeiten möchte. Vor Kurzem habe ich mich mit Sport beschäftigt, insbesondere mit Mixed Martial Arts. Deshalb wird es viele Kämpfe in meinen neuen Arbeiten geben.

Interview: Gabriel Roland
Fotos: Lena Gallovic