Die kuwaitische Künstlerin Monira Al Qadiri hat zehn Jahre lang in Tokio studiert, bevor sie in Dubai, Beirut, Amsterdam und Berlin, ihrem derzeitigen Wohnsitz, arbeitete. Sie verbindet ihre Vorliebe für die farbenfrohe japanische Pop-Ästhetik mit ihrem Interesse an den „emotionalen Landschaften der Tragödie“ in der arabischen Welt. In ihren Arbeiten setzt sie Skulpturen, Installationen, Filme, Videos und Performances ein, um ihre persönliche Geschichte mit jener der Golfregion zu erforschen, wobei sie sich häufig auf die starke Öl- und Petrokultur der Region bezieht.

Monira, wie begann dein Interesse an der Kunst?
Meine Mutter war und ist immer noch eine aktive Künstlerin. Sie heißt Thuraya Al-Baqsami und arbeitet seit den Sechzigern als Künstlerin. Zusammen mit meinen Schwestern bin ich in ihrem Atelier aufgewachsen. Unsere Vorstellung von Spielen bestand darin, mit den Farben und Papieren, die sie uns gab, herumzuspielen. Ich habe nie wirklich darüber nachgedacht, etwas anderes mit meinem Leben anzufangen, als Künstlerin zu sein. Viele Künstler sprechen nicht gern über die künstlerische Abstammung oder geben den Einfluss ihrer Eltern auf sie zu, aber ich schon. Wenn meine Mutter keine Künstlerin gewesen wäre, wüsste ich nicht, ob ich heute eine wäre.

Erzähl uns mehr über die Art von Arbeit, die deine Mutter gemacht hat, als du ein Kind warst.
Sie macht figurative Malereien und Drucke. Das ist in unserem Teil der Welt eine Seltenheit: Es ist nicht sehr angesehen, Menschen zu malen, weil es als Götzendienst angesehen wird, was ein Sakrileg ist. Meine Mutter war von Anfang an sehr rebellisch.

Hat deine Mutter dich aktiv dazu ermutigt, Kunst professionell zu betreiben? Manche Eltern raten ihren Kindern davon ab, in ihre Fußstapfen zu treten, weil sie wissen, wie schwierig die Branche sein kann.
Für sie ist es das Beste auf der Welt, Künstlerin zu sein. Sie ist eine unglaubliche Stütze. Selbst wenn ich schlechte Arbeit leiste, hält sie das für die tollste Sache der Welt. Da sie eine klassische Künstlerin ist, möchte sie immer, dass ich zur Malerei zurückkehre. Manchmal vermisse ich es.

Mit 16 Jahren bist du nach Japan gezogen, um zu studieren. Was hat dich dazu bewogen, dein Zuhause in so jungen Jahren zu verlassen?
Während Kuwait sehr konservativ ist, wuchs ich in einer sehr liberalen, untypischen Familie auf: Meine Mutter war Künstlerin, und mein Vater Diplomat. Daher fühlte ich mich immer wie eine Fremde in meinem eigenen Land. Ich hatte den starken Wunsch zu entfliehen, was sich mit dem Ausbruch des Golfkriegs 1990 noch verstärkte. Ich war sieben Jahre alt und besessen von japanischen Zeichentrickfilmen. So beschloss ich, nach dem Krieg nach Japan zu ziehen und selbst Cartoonist zu werden. Meine Eltern waren sehr verständnisvoll und sagten, wenn ich einen Weg dorthin finden würde, würden sie mir nicht im Weg stehen. Das habe ich dann auch getan: Ich brachte mir selbst Japanisch bei und bekam ein Stipendium, um mich finanziell selbst versorgen zu können. Sie waren ziemlich überrascht, dass ich das alles geschafft habe, aber sie waren der Meinung, dass es für mich von Vorteil war, mein eigenes Umfeld zu verlassen. So wächst man als Mensch.

Schließlich bist du zehn Jahre lang in Japan geblieben und hast 2010 an der Tokyo University of the Arts in Intermedia Art promoviert. Wie war dein Studium in Japan, und was hast du während deiner Ausbildung gelernt, das dich als Künstlerin geprägt hat?
Die arabische Welt ist sehr literarisch und konzentriert sich auf Poesie und Schreiben. Im Gegensatz dazu ist Japan sehr visuell, was ich während meiner Zeit dort wirklich verinnerlicht habe. Die Art, wie sie Kunst betrachten und machen, ist völlig anders. Meine Professoren haben mich immer getadelt, weil ich meine Arbeit zu sehr erklärt habe. Es ist eine sehr japanische Sache, dass Kunst für sich selbst sprechen sollte. Ihre Herangehensweise an zwischenmenschliche Beziehungen ist ganz ähnlich: Man muss fast telepathisch verstehen, was andere Menschen denken, ohne dass sie etwas sagen. Anfangs war ich ziemlich rebellisch gegenüber der eher zurückhaltenden japanischen Kultur – in der arabischen Welt reden wir über alles und nichts –, aber nach zehn Jahren wurde sie Teil meiner Identität. Also habe ich andere Dinge gemacht: In Japan ist die Schönheit in der Kunst immer noch sehr wichtig. Deshalb denke ich beim Schaffen immer noch gerne an Ästhetik, Form und Farbe.

War es in Japan, als du begonnen hast, dich von der Malerei weg und hin zu einem multidisziplinären Ansatz zu bewegen?
Als ich in Japan ankam, beschloss ich, dass ich nicht Malerei studieren, sondern mich in verschiedenen Disziplinen ausprobieren möchte. Zuerst wollte ich wirklich Animationen machen, aber dann habe ich mich mehr mit Film, Video, Performance und Bildhauerei beschäftigt. Ich war sehr fasziniert von der dritten Dimension, was für mich als 2D-Künstlerin sehr befremdlich war. Ich wusste nicht, wie man mit den Händen modelliert, also fing ich an, digital zu arbeiten. Auf diese Weise entdeckte ich die Welt des 3D-Drucks. Von da an nahm alles seinen Lauf.

Mit deinem multidisziplinären Ansatz beschäftigst du dich mit Themen rund um den Golf und den Nahen Osten, wo du aufgewachsen bist. War deine Doktorarbeit, The Aesthetics of Sadness in the Middle East, die Grundlage für diese Art der Untersuchung?
Ich bin fasziniert von den emotionalen Szenarien der Tragödie. In der arabischen Kultur ist es weit verbreitet, Traurigkeit und ihren Ausdruck als tugendhaft, erfreulich und edel zu betrachten. Traurigkeit ist einfach ein Teil des Lebens. Als ich nach Japan zog, vermisste ich das Gefühl, in der Tragödie zu schwelgen. Ich habe meine ganze Doktorarbeit darüber geschrieben und dabei sowohl künstlerische als auch religiöse Praktiken und viele andere Dinge angesprochen. Seitdem habe ich Werke geschaffen, die von außen bunt, schön, poppig und interessant aussehen, hinter denen sich aber schwierige, tragische Geschichten verbergen. Mit meiner künstlerischen Praxis möchte ich mich diesem Binärsystem immer wieder nähern.

Wie gelang dir der Übergang von zehn Jahren im akademischen Bereich in die Kunstindustrie?
Mein PhD war studio-basiert, daher fühlte es sich eher wie ein Aufenthalt an als eine klassische akademische Tätigkeit. Nach zehn Jahren in Japan fühlte ich mich dort ein wenig eingeschränkt und merkte, dass ich immer eine Außenseiterin sein würde. Ich beschloss, in den Nahen Osten zurückzukehren und zu versuchen, meiner Heimat etwas zurückzugeben und gleichzeitig etwas Neues in mich aufzunehmen. Neben Kuwait und Dubai habe ich viel Zeit in Beirut verbracht, das eine der fortschrittlichsten Kunstszenen in dieser Region hat. Der Libanon ist ein sehr schwieriger Ort zum Leben, und Künstler müssen sich wirklich verbiegen und ihren Verstand verrenken, um in diesem Land bestehen zu können. Dort habe ich viel darüber gelernt, wie man als unabhängiger Künstler arbeitet, Stipendien erhält und sich um Residenzen bewirbt, ohne seine eigene Vision zu gefährden. Nach Beirut zog ich nach Amsterdam, um einen Aufenthalt an der Rijksakademie zu absolvieren, der himmlisch war. Man bekommt ein Studio, eine Unterkunft, ein Produktionsbudget und technische Unterstützung für zwei ganze Jahre. Es war, als hätte man mir freie Hand gelassen. Das hat meine Arbeit auf eine ganz andere Ebene gebracht. Jetzt bin ich in Berlin ansässig.

Kurz nach deinem Studienabschluss hast du das Kollektiv GCC gegründet. Kannst du uns ein wenig über die Gruppe und die Projekte erzählen, an denen ihr gemeinsam gearbeitet habt?
Ich war fünf Jahre lang bei GCC, bevor ich es 2018 verließ. Es war eine wunderbare Erfahrung, eine Explosion von Ideen und Talenten. Wir waren acht Mitglieder – eine Auswahl von Künstlern, Architekten, Möbeldesignern, Kuratoren usw. – und die Idee war, gemeinsam die zeitgenössische Ästhetik der Golfregion zu erforschen. Niemand in der Kunstwelt hatte zuvor versucht, sich mit dem zeitgenössischen Leben in der Region auseinanderzusetzen. Viele unserer Arbeiten waren politisch und ziemlich umstritten. Zuerst dachten wir, wir würden versuchen, ein oder zwei Ausstellungen pro Jahr zu machen, aber alles hat sich sehr schnell entwickelt. Innerhalb eines Jahres wurden wir eingeladen, eine Einzelausstellung im MoMA PS1 zu zeigen. Danach hatten wir überall Ausstellungen, zeitweise etwa vier pro Monat. Es war wirklich intensiv. Wir lebten alle in verschiedenen Ländern und verließen uns hauptsächlich auf die digitale Kommunikation, um alles zu koordinieren. Es kam zu dem Punkt, an dem ich das nicht mehr mit meiner eigenen Praxis vereinbaren konnte. Wir sind wie eine Familie und stehen immer noch in ständigem Kontakt miteinander. Wir werden in Zukunft sicher wieder zusammenarbeiten.

Inwiefern unterscheidet sich deine aktuelle Arbeit von der, die du mit GCC geschaffen hast?
In meiner Arbeit geht es auch um den Golf als Ganzes, aber auch um mein persönliches Leben. Es ist biografisch und reflektiert über vergangene Ereignisse. Die Leute denken immer, meine Arbeit sei sehr futuristisch, aber sie basiert sehr stark auf der Vergangenheit.

Dieses Vorurteil des Futurismus mag daher rühren, dass du fortschrittliche Verfahren und Technologien einsetzt. In deinem Werk Suspended Delirium hast du zum Beispiel drei schwebende Roboterköpfe geschaffen, die sich auf absurde Weise über Träume, Verschwörungen, urbane Erinnerungen und das Leben im digitalen Zeitalter unterhalten. Kannst du uns mehr über diese Arbeit erzählen?
Mein Partner Raed Yassin und ich bekamen den Auftrag, während der weltweiten Pandemie, bei der kein menschlicher Kontakt erlaubt war, ein Performance-Stück zu machen. Wir dachten: Warum machen wir nicht einen Performance-Roboter? Suspended Delirium war das Ergebnis. Es war wirklich ein Produkt dieser Zeit. Wir kontaktierten einen befreundeten Roboterkünstler aus Japan, der zufällig in Berlin war. Er war wirklich begeistert von dem Projekt und half uns, es zu entwickeln. Meistens sind die Leute, mit denen ich zusammenarbeite, meine Freunde. Vor diesem Projekt hatte ich jedoch noch nie mit meinem Partner zusammengearbeitet. Wir hatten den Grundsatz, dass wir nicht zusammenarbeiten sollten, aber während der Pandemie waren wir ständig miteinander konfrontiert und konnten es nicht mehr vermeiden.

Ich habe Suspended Delirium im Rahmen der Gruppenausstellung The Sun Machine Is Coming Down im Internationalen Kongresszentrum Berlin 2021 gesehen. Diese drei schwebenden Köpfe, von denen einer eine Katze ist, bei ihren absurden Gesprächen zu sehen, war gleichzeitig gruselig, unheimlich und komisch. Ist Humor ein wichtiger Teil deiner Arbeit?
Auf jeden Fall. Ich komme aus einer Gegend, in der es nicht viel Redefreiheit gibt. Wenn man etwas ein bisschen lustig oder komödiantisch macht, wird es von allen akzeptiert. Ich habe entdeckt, dass Humor eine Waffe ist, die schwierige Themen leichter zugänglich und verdaulich macht.

Kannst du uns etwas über einige deiner jüngsten Projekte wie Zephyr (2022) und Crude Eye (2022) erzählen?
Crude Eye war das Ergebnis eines Auftrags. Ich hatte die Möglichkeit, eine Einzelausstellung in Texas zu machen. Ich wollte das Problem ansprechen, dass die texanische Ölindustrie die Blaupause für die Ölindustrie am Golf ist. Es gibt Landschaften von Ölraffinerien in Kuwait, die denen in Amerika sehr ähnlich sind, auch wenn wir uns in völlig anderen Teilen der Welt befinden. Als Kind waren Ölraffinerien das Science-Fiction- und High-Tech-Ding, das ich je gesehen hatte. Ich habe mir immer vorgestellt, dass es Städte sind und dass dort Menschen leben. Ich wusste nicht, wie sie funktionierten, also hatte ich nur diese unschuldigen Fantasien über sie. Ich wollte mit diesem Kontrast zwischen der Schönheit der Ölraffinerien und der Verschmutzung und Zerstörung, die sie verursachen, spielen. In Kuwait ist es nicht erlaubt, Raffinerien zu filmen, da dies als Sicherheitsrisiko angesehen wird. Stattdessen habe ich in meinem Studio ein Miniaturmodell einer Raffinerie gebaut, das ich mit einer Spezialkamera gefilmt habe, die es lebensgroß aussehen ließ. Während der Vernissage fragten mich einige Besucher in Texas, wie ich es geschafft hätte, eine Ölraffinerie zu finden, in der sich keine Arbeiter befanden; es gelang mir, sie zu täuschen! Zephyr ist ein öffentliches Kunstwerk, das von den Museen in Katar anlässlich der Fußballweltmeisterschaft in Auftrag gegeben wurde. Ich wollte etwas über das Meer schaffen, denn bevor die Ölindustrie in den Golf kam, war das Wasser ein wichtiger Teil unseres Lebens. Einer der wichtigsten Wirtschaftszweige in dieser Region war das Perlentauchen. Ich wollte etwas schaffen, das es der Region ermöglicht, den ozeanischen Raum auf interessante und auffällige Weise wieder zu betreten. Nach einigen Recherchen fand ich heraus, dass es in den Gewässern vor der Golfküste mikroskopisch kleine Organismen gibt, die im Dunkeln leuchten und die Hälfte des weltweiten Sauerstoffs produzieren. Daraufhin schuf ich eine Reihe von leuchtenden Skulpturen – die fast wie Hologramme aussehen – aus Plexiglas, einem ganz besonderen, umweltfreundlichen Material.

Woran arbeitest du im Moment?
Ich arbeite gerade an meiner bisher größten Einzelausstellung, die aus lauter neuen Arbeiten besteht und von April bis Juli 2023 im Kunsthaus Bregenz zu sehen sein wird. Sie ist die Krönung all dessen, was ich in den letzten zehnJahren zum Thema Öl und Petrokultur erarbeitet habe. Die Ausstellung erstreckt sich über vier Stockwerke und hat eine klare Dramaturgie und narrative Struktur, die den Besucher von Werk zu Werk führt. Es ist ein sehr ehrgeiziges Projekt. Danach habe ich eine Einzelausstellung im UCCA Dune in China. Das Museum liegt direkt am Strand und ist somit ein perfekter Ort für meine Arbeiten über die Welt des Meeres und des Ozeans.

Du meintest, deine kommende Ausstellung sei der Höhepunkt der letzten zehn Jahre deines Schaffens. Welche Ziele hast du dir für die nächsten zehn Jahre gesetzt?
Ich habe eine große Leidenschaft für Kunst im öffentlichen Raum. Es ist etwas ganz anderes, als in einem kontrollierten Raum zu arbeiten. Die Arbeiten erreichen ein so breites Publikum und haben so unerwartete Ergebnisse, deshalb würde ich gerne mehr davon machen, das ist meine Leidenschaft.

Gibt es einen bestimmten öffentlichen Raum, an dem du gerne arbeiten würdest?
Ich liebe es, im öffentlichen Raum am Golf Kunst zu machen. Es ist für mich sehr bedeutsam, dort Projekte zu realisieren, auch wenn es manchmal etwas schwieriger ist. Abgesehen davon ziehe ich gerne verschiedene Räume in Betracht, von der Stadtmitte bis hin zur Natur. Es hat etwas sehr Magisches, mitten im Nirgendwo durch einen Wald zu gehen und an einem öffentlichen Kunstwerk vorbeizukommen. Ich möchte, dass meine öffentlichen Kunstwerke altern, zerkratzt werden und sogar Vogelkot abbekommen. Wenn man in der Nähe dieser Dinge lebt, werden sie ein Teil von einem selbst und der Erinnerung an diesen Ort. Ich möchte sie so lange wie möglich weiter gestalten.

Interview: Emily May
Fotos: Sabrina Weniger