Auf den ersten Blick wirken die Arbeiten von Navot Miller wie Postkarten eines psychedelisch bunten Trips in ein exzessives Traumland. Bei näherem Hinsehen entdeckt man jedoch Hinweise und Anzeichen auf die Vergangenheit des aufstrebenden Berliner Künstlers, der als religiöser Junge in einer kleinen, abgelegenen orthodoxen jüdischen Gemeinde in Israel aufwuchs. In Millers Gemälden tauchen euphorische, zechende Jugendliche auf der Suche nach Drogen und verlockenden Momenten vor einer Kulisse auf, in der das Sexuelle auf das Heilige trifft. Im Gespräch mit Collectors Agenda erzählt Miller, wie Migration, die Faszination für Farben und die Beharrlichkeit, die Realität in humorvolle Beobachtungen zu übersetzen, ihn zu seinen persönlichen malerischen Kompositionen inspirieren und ihn auf einer ständigen Entdeckungsreise halten.

Navot, ich würde den Lesern gerne einen konkreten Eindruck von deiner Arbeitsumgebung vermitteln. Erzähl uns ein wenig über dein Studio: Wo befindet es sich in Berlin? Wie lange arbeitest du schon darin?
Das ist mein allererstes richtiges Studio. Ich habe es im Januar 2021 bezogen und arbeite seither hier. Es befindet sich im südlichen Berliner Bezirk Tempelhof. Früher habe ich in diesem Gebäude gewohnt. Das Atelier befindet sich im Erdgeschoss, das früher als Lagerraum genutzt wurde. Als ich das Gebäude als Mieter verließ, sagte ich den Eigentümern, dass ich die Räume gerne als Atelier mieten und dort arbeiten würde, falls sie jemals frei werden. 2020, während einer COVID-Sperre, setzte sich die Hausverwaltung mit mir in Verbindung, um mir mitzuteilen, dass der Raum verfügbar sei. Der Umzug in das Studio bedeutete eine Veränderung in meiner Praxis. Erst als ich hier einzog, fing ich an, mit Öl zu malen.

Wie ist es zu dieser Entwicklung gekommen?
Ich habe 2017 ein Studium an der Kunsthochschule Weißensee begonnen und von Beginn meines Studiums an bis 2020 hauptsächlich mit Pastellkreide und Bleistift auf Papier gearbeitet. In diesem Medium arbeitete ich schon länger. Ein eigenes Atelier für mich allein, im Gegensatz zu den kleineren Räumen, die ich während meines Studiums mit anderen Künstlern geteilt hatte, bot sich für diese Veränderung an. In einer Gruppenausstellung in der Salzburger Elektrohalle Rhomberg, mit der ich in Kontakt geblieben war, stellte ich 2021 einige Arbeiten auf Papier aus. Später teilte man mir mit, dass ein Sammler meine Arbeiten gesehen und sich erkundigt habe, ob ich auch mit Öl auf Leinwand arbeite. Ich hatte bereits von einigen Kollegen und Mentoren gehört, dass ich anfangen sollte, mit Malfarbe zu arbeiten, und als ich das hörte, spürte ich, wie der Wunsch, dies zu tun, in mir wuchs.

Warum hast du nicht schon früher mit diesem Format experimentiert?
Ich war unsicher, ob ich in der Lage sein würde, das zu erreichen, was ich mit Pastellkreide auf Papier bereits konnte. Schon seit einiger Zeit wollte ich damit experimentieren, aber vielleicht wollte ich es nicht genug. Die Anfrage des Sammlers erwies sich jedoch als ausschlaggebend, und ich sagte der Galerie, sie solle dem Sammler mitteilen, dass Navot in ein neues Studio umgezogen ist und jetzt mit Öl auf Leinwand malt. Daraufhin hat man mir eine Einzelausstellung angeboten, in der ich meine ersten Ölbilder ausstellen werde.

Der technische Aspekt deiner Atelierarbeit ist interessant für mich. Deine Gemälde sind recht großformatig. Machst du im Vorfeld viele Vorbereitungen, bevor du sie anfertigst? Arbeitest du immer nur an einem Bild oder arbeitest du an mehreren Werken parallel, mit dem Ziel, eine Serie zu schaffen?
Meine Arbeit basiert auf Fotos und Videos. Ich nehme mit meinem Handy Videos von Menschen auf, mit denen ich Zeit verbringe, oder von Szenen, die ich interessant finde, und mache dann Screenshots von Bildern innerhalb des Videos, die ich interessant finde. In diesem Sinne ist meine Arbeit persönlich und intim. Sie beruhen auf Ereignissen, die mir widerfahren sind, auf Menschen, mit denen ich Zeit verbracht habe, oder auf Momenten, die ich miterlebt habe. Ich bezeichne die Videos, die ich auf meinem Handy sammle, als eine Art Bilddatenbank oder ein Archiv, aus dem ich meine Inspiration schöpfe. Da dies schon seit geraumer Zeit der Anstoß für meine Gemälde ist, bin ich geübt darin, im Voraus Situationen, Haltungen, Landschaften und Personen zu identifizieren, die ich fotografieren möchte, weil ich weiß, dass sie die Grundlage für ein Werk sein könnten. Die Gemälde selbst entstehen auf unkomplizierte Weise, und der Prozess ist normalerweise nicht langwierig. Ich beginne mit ersten Skizzen zu den von mir ausgewählten Fotos. Ich arbeite direkt auf der Leinwand mit Stiften auf Ölbasis, zeichne die Szenen vor und fülle sie dann mit Farbe aus. Normalerweise, aber nicht immer, arbeite ich gerne im Großformat, ich betrachte es als ein eigenes Medium und fühle mich von seinen Qualitäten angezogen.

Das ist eine ungewöhnliche Herangehensweise an die Malerei. Siehst du dich selbst als Maler oder ist deine Arbeit eher in der Perspektive und den Traditionen der Zeichnung verwurzelt? Wie würdest du deine künstlerische Arbeit definieren?
Selbst das Wort ‚bildender Künstler‘ erscheint mir manchmal zu viel, aber in Ermangelung einer besseren Definition würde ich mich als bildenden Künstler bezeichnen, denn das würde genauer sein, als mich als Maler zu bezeichnen.

Kannst du erklären, warum du dich bei deiner Arbeit von fotografischen Referenzen angezogen fühlst, im Gegensatz zum Zeichnen oder Malen aus der Fantasie?
Ich habe immer mit fotografischen Vorlagen gearbeitet. Schon als Kind habe ich leere Blätter genommen und die Umrisse von Plakaten oder Filmankündigungen aus der Zeitung darauf gezeichnet. Ich habe noch immer Skizzenbücher aus meiner Kindheit, die diese frühen Amateurzeichnungen enthalten.

Deine Malereien zeichnen sich durch ihre kräftige Farbgebung aus. Was reizt dich an dieser leuchtenden Farbpalette? Wie wählst du die Farben aus, die du verwendest?
Ich glaube, dass ich durch die Arbeit mit Farben ein gewisses Verständnis dafür entwickle, welche Farbkombinationen miteinander funktionieren, je nachdem, was ich interessant finde. Lange Zeit dominierte die Farbe Rosa meine Bilder. Als ich sie im Atelier verwendete, kam mir allmählich die Kindheitserinnerung, dass diese Farbe gesellschaftlich mit dem Weiblichen assoziiert wird und ich deshalb trotz ihrer Anziehungskraft zurückhaltend mit ihr umgehen sollte. Also begann ich, Skizzen zu entwerfen, in denen Rosa nur in den unwahrscheinlichsten Kontexten auftauchte, zum Beispiel als Farbe eines Hutes, den die Figur eines Rabbiners trug. Es gibt eine ikonische Farbkombination aus Blau, Grün, Gelb und Rot, die als die Grundfarben gelten. Seit mindestens 70 Jahren werden diese Farben für Kinderspielzeug, für die visuelle Kommunikation usw. verwendet. Ich rekontextualisiere sie gerne, indem ich sie in meinen Gemälden auf unerwartete Weise verwende und so Gegenstände, Szenen, Orte und Menschen in unrealistischen Farbtönen darstelle. Aber warum tue ich das? Ich habe nicht unbedingt einen rationalen Grund, aber ich genieße den durchdachten Einsatz von Farbe.

Wusstest du schon immer, dass du bildender Künstler werden wolltest? Gab es jemals andere kreative Ambitionen?
Ich bin vor zehn Jahren nach Berlin gezogen, um Architektur zu studieren. Es war eine Leidenschaft, die ich schon lange hegte und zu der mich sowohl meine Familie als auch enge Freunde, die von meinem Interesse wussten, ermutigten. Ich arbeitete eifrig an meiner Mappe, lernte Deutsch, um die von der staatlichen Universität geforderten Voraussetzungen zu erfüllen, wurde aber dennoch zweimal abgelehnt. Die Professoren, die mich an der vorbereitenden Schule, die ich besuchte, unterrichteten, erkannten mein zeichnerisches Talent an und ermutigten mich, mein bereits vorhandenes Interesse und meine Neigung zu verfolgen. Ihre Unterstützung und ihr Mentoring waren sehr bedeutsam, und wir sind bis heute in Kontakt geblieben. Als das Bewerbungsverfahren zum dritten Mal begann, schlugen sie mir vor, einen Plan B auszuarbeiten. Das war der Wendepunkt für mich; ich bewarb mich für das Fine Arts Programm und wurde angenommen.

Die Verwendung fotografischer Vorlagen für die Malerei versetzt dich als Künstler in die Position eines Außenstehenden, der nach innen schaut. Gibt es eine Parallele zwischen dieser Methode und der Tatsache, dass du in deinem persönlichen Leben ein Außenstehender bist, sowohl als Immigrant in Deutschland als auch als jemand, der einen religiösen Hintergrund hat und sich in den liberalen und hedonistischen Lebensstil Berlins einfügt?
Das ist eine scharfsinnige Beobachtung, ich bin überrascht, dass du das bei mir so siehst, und bis zu einem gewissen Grad stimme ich zu, es gibt eine Parallele. Das Wort 'voyeuristisch' ist im Zusammenhang mit meinen Arbeiten oft an mich gerichtet worden. Meine Arbeiten haben etwas an sich, das auf die Erfahrung hindeutet, etwas Privates zu beobachten oder etwas, das man nicht unbedingt sehen sollte. Ich strebe das nicht von vornherein an, aber die Neigung zu dieser Ästhetik prägt meine Arbeit.

Wo lässt sich in deinen Werken ein Ausdruck deines persönlichen Lebensweges erkennen?
Ich bin in einer religiösen Siedlung aufgewachsen, einer Art ländlichem Dorf, das auf einen landwirtschaftlichen Lebensstil ausgerichtet ist und in dem die Menschen in einer Gemeinschaft zusammenleben. Ich wurde nicht gefragt, ob ich in diesen Ort hineingeboren werden wollte, aber ich bin dort aufgewachsen, und es ist eine der wichtigsten Grundlagen dessen, wer ich bin. Wenn die Leute hören, dass ich von dort komme, denken sie nicht unbedingt an den liberalsten und tolerantesten Ort. Meine Eltern sind jedoch unglaublich tolerant und liberal, und es war ihnen wichtig, uns die Welt zu zeigen. Als Kind einer Mutter aus New York und eines Vaters aus Algerien wurde ich schon in jungen Jahren mit einer Vielzahl von Orten konfrontiert, die mich sehr beeinflusst haben. Der Treffpunkt verschiedener Identitäten und Kulturen ist ein wesentlicher Bestandteil dessen, was ich bin. Als ‚Fremder‘ in Deutschland habe ich auch einen anderen Blick, und das war für mich sowohl als Mensch als auch als Künstler sehr belebend. In meine Bilder fließen sowohl religiöse Bezüge aus meiner Vergangenheit in Israel als auch homosexuelle Referenzen aus meinem Leben in Berlin ein. Nach und nach begann ich, beide Arten von Darstellungen zu kombinieren. Vom ersten Tag in der Kunstschule an waren meine Arbeiten bunt. Ich erinnere mich, dass ich zu Beginn meines Studiums von der antiken griechischen Skulptur fasziniert war. Ich zeichnete die mächtigen männlichen archetypischen griechischen Figuren nach, fügte ihnen aber Peyen hinzu, d.h., Seitenhaare, die von Männern und Jungen in der orthodoxen jüdischen Gemeinde getragen werden.

Die Spannung zwischen der sexuellen, grafischen und urbanen Bildsprache und den religiösen Symbolen in deinem Werk hat sich im Laufe der Jahre verändert, und ich nehme an, dass sich auch deine Beziehung zu ihr verändert, je weiter die Zeit voranschreitet. Hast du irgendwelche Bedenken, dass Kritiker oder Betrachter dich als den Künstler abstempeln könnten, der diese provokative Mischung in seinen Gemälden aufrechterhält?
Meine Beziehung zur Symbolik in meinen Werken ändert sich häufig. Anfangs tauchten bestimmte Motive immer wieder auf, weil ich das Bedürfnis hatte, sie auszudrücken, sie aus mir herauszuholen. Ich habe sie nie benutzt, um zu provozieren, ich habe sie neu geschaffen, weil sie ein Teil von mir sind. Heute sehe ich diese Symbole mit anderen Augen. Ich vermische die verschiedenen Komponenten, auf die Sie sich beziehen, denn das ist mein Hintergrund, meine Grundlage, da komme ich her, und ich möchte die beiden Welten in Einklang bringen. Ich behandle meine Arbeit gerne mit Humor. Oft glauben die Leute, dass sie in meiner Malerei bestimmte Bedeutungen, Kritik oder Ideen erkennen, die ich nicht beabsichtigt habe, und das ist in Ordnung, denn die Dinge sind nie einfach schwarz oder weiß; die Wirklichkeit ist sehr vielschichtig.

Interview: Joy Bernard
Fotos: Sabrina Weniger