Von seinen aufsehenerregenden Skulpturen bis hin zu Tanzperformances nutzt Nick Cave jedes Medium, das er für geeignet hält, um die Gewalt zu thematisieren, die der schwarzen Gemeinschaft im heutigen, von Polizeibrutalität geprägten Amerika angetan wird. Er webt einen Hauch von Hoffnung in die Dunkelheit und erkennt die Schönheit der queeren Kultur und der schwarzen Exzellenz an. Dabei haben ihn seine Erkundungen über Körper und Anderssein näher zu sich selbst geführt.

Nick, du wirst als ein nicht kategorisierbarer Künstler beschrieben. Wie stehst du dazu?
Ich denke, das ist perfekt. Wichtig ist für mich, dass man als Künstler weiter wächst und sich weiterentwickelt. Und ich habe noch eine Menge zu sagen. So wie sich die Welt entwickelt, so entwickeln auch wir uns weiter. Wir sind emotional betroffen von dem, was in der Welt vor sich geht. Für mich ging es immer darum, das Medium zu nutzen, das die Idee unterstützt. Wenn ich in Ton arbeiten muss, werde ich in Ton arbeiten, nicht dass ich denke, dass das Wichtigste in der Essenz liegt. Wenn ich meine Arbeit auf ein neues Medium übertrage, egal ob es Ton, Holz, Metall, Fasern oder eine Tanzperformance ist, sollte immer noch ‚Nick Cave‘ draufstehen.

Mit welchem Medium arbeitest du im Moment?
Ich beende gerade eine ganze Reihe von Arbeiten und frage mich: Was kommt als Nächstes? Ich öffne mich anderen Aspekten meiner Identität, ich betrachte Aspekte der Queerness und überlege, wie ich sie in meine Arbeit einbringen kann. Sie war schon immer da, aber sie stand nicht im Vordergrund. Darüber denke ich nach und über das Medium und das Material. Alles ist dabei, sich zu verändern.

Wenn du sagst, dass du diese Phase hinter dir hast, bedeutet das, dass du eine Auszeit nimmst?
Ich glaube nicht, dass es um eine Auszeit geht, sondern darum, dass wir uns Zeit nehmen, um zur Ruhe zu kommen und darüber nachzudenken, was in drei Jahrzehnten des Kunstschaffens geschehen ist. Die Frage nach dem, was als Nächstes kommt, ist das Spannendste. Ich befinde mich gerade an einem sehr interessanten Punkt, wo ich über alles nachdenke, mich vorbereite und schreibe, aber weiß ich schon, wie das Ganze in Bezug auf eine Form oder ein Objekt aussehen wird? Nein, aber ich sammle Ressourcen, teste Dinge und schaue, was sich richtig anfühlt.

Forothermore, ausgestellt im MCA in deiner Heimatstadt Chicago und im Frühjahr 2023 im Solomon R. Guggenheim Museum in New York City, ist ein Überblick über die letzten drei Jahrzehnte. Beginnt nun eine neue Ära für deine Arbeit?
Es ist ein Moment der Reflexion für mich, dass ich die Zeit habe, mit dieser Ausstellung zurückzugehen und zu sagen, dass ich in den letzten drei Jahrzehnten versucht habe, das Thema Rassismus und Ungleichheit ans Licht zu bringen. Es ist nicht so, dass ich diese Auseinandersetzung nicht fortsetzen würde, aber ich werde den Schwerpunkt verlagern, und diese Beschäftigung mit dem Thema wird, wenn nötig, in neue Arbeiten einfließen.

Was bedeutet Chicago für dich und deine Kunst?
Chicago hat eine sehr lebendige Kunstszene. Ich arbeite hier mit vier Herstellern zusammen, von der Holzbearbeitung über Bronze bis hin zum Tanz. Die Stadt war für mich schon immer ein Experimentierfeld, um ein neues Projekt vorzustellen. Mir gefällt, dass sie mir all das bietet. Ich mag die Tatsache, dass ich aus all dem aussteigen und mich zurückziehen kann. Solange ich noch nicht bereit bin, ein Projekt zu realisieren, renne ich nicht zu Galerien und Eröffnungen, weil ich so viel Energie wie möglich sparen muss.

Soundsuits, eines deiner großen Projekte, wurde als der entscheidende Moment deiner frühen Karriere beschrieben. Bist du mit dieser Einschätzung einverstanden?
Nun, das hat mal jemand geschrieben … In diesem Sinne wird die neue Arbeit, die im Studio entsteht und auf die ich mich freue, ein weiterer entscheidender Moment sein. Ich habe eine Vision davon, wie es aussehen wird, und ich habe ein Gefühl dafür, wie es sich anfühlen wird.

Ich schätze, die Beschreibung basiert darauf, dass Soundsuits in deiner künstlerischen Arbeit so allgegenwärtig sind. Wie hat Soundsuits deine Karriere seit den frühen 1990er Jahren begleitet?
Das Interessante für mich ist, dass es immer noch ein Teil des Gesprächs ist, obwohl ich auch Skulpturen, Performances und Installationen gemacht habe. Ich denke, dass ich die Essenz der Soundsuits in eine neue Richtung bringe. Mich interessiert der Körper als Einstieg in die Arbeit, sei es durch Bronze oder einen Soundsuit oder durch die Arbeit, die demnächst entsteht. Es geht darum, den Körper durch Gewänder mit Ideen von Schutz und Abschirmung zu ermächtigen. All das wird auch in Zukunft eine große Rolle spielen. Es gibt immer noch dieses Element des Unbehagens oder etwas „Anderes“, das präsent ist. Wie können wir etwas anderes akzeptieren? Wie schaffen wir diesen Raum der Inklusion in einer Weise, in der man vielleicht arbeitet oder schafft?

Die Auseinandersetzung mit Rassismus steht im Mittelpunkt deiner Arbeit, aber du hast die Idee geäußert, deinen Schwerpunkt auf Black Excellence zu legen. Was sind deine Überlegungen dazu?
Meine Arbeit wurde von gesellschaftlichen Belangen diktiert, aber ich bin gerade dabei, mir wieder klar zu machen, was das für mich bedeutet. Mich interessiert, wie schwarze Exzellenz aus meiner Sicht aussieht. Das ist der Raum der Queerness, die ganze Ballsaal-Szene und die Opulenz in diesem Raum, der über Futurismus spricht.

Was du beschreibst, klingt sehr freudig, und es heißt, du würdest Verzweiflung und Dunkelheit mit Freude ausgleichen. Fließt durch deine Kunst ein dunkler Strom, an dessen Oberfläche auch Freude und Schönheit auftauchen?
Letztlich werden wir alle auf verführerische Weise von der Angst angezogen. Unsere Neugier bringt unser Blut in Wallung und steigert unsere Angst. Mich interessiert ein Zustand des Unbehagens gegenüber dieser Art von verführerischem Raum durch Verzierungen und andere Formen der Präsentation. Ich beschäftige mich mit der Idee dessen, was wir hinter verschlossenen Türen tun. Im Verborgenen unserer eigenen Privatsphäre erkunden wir unsere Identität auf alle möglichen Arten. Wir alle üben ständig, wie wir uns selbst sehen, wenn wir in den Spiegel schauen. Diese Momente geben uns Selbstvertrauen, Selbstbewusstsein und Selbstbestimmung. All das beschäftigt mich, aber nicht auf eine vulgäre Weise, sondern in einer Form, die die schwarze Schönheit in den Vordergrund stellt.

Wie würdest du deinen typischen Tag im Studio beschreiben?
Ich stehe normalerweise um 5.30 Uhr auf und mache ein leichtes Dehnungsprogramm. Eine ruhige Art von Klang ermöglicht es mir, zwei Stunden bevor die Assistenten ins Studio kommen, zur Ruhe zu kommen. Das Studio ist in zwei Räume aufgeteilt, mit den Assistenten auf der einen Seite und mir auf der anderen. Wenn sie um 9 Uhr kommen, beginnen wir mit dem Tag. Am Vorabend begutachtete ich das Studio, um zu entscheiden, ob es etwas gibt, das vorbereitet werden muss. Ich bin ein stressfreier Künstler. Ich weiß, was unser Fünfjahresplan ist, also arbeite ich rückwärts darauf hin. Tagsüber bin ich vielleicht in einem Produktionsstudio unterwegs. Und ich habe immer einen Notizblock in meiner Hosentasche, falls mir eine Idee kommt. Mein Tag endet damit, dass ich eine Stunde lang in Stille sitze. Es ist einfach wichtig, still zu sein. Es ist für uns alle wichtig, still zu sein.

Eine Sache, die an deiner Kunst auffällt, ist die Liebe zum Detail und die Vielzahl der Objekte, die du neu verwendest. Wie findest du sie alle?
Ich nehme ein Flugzeug und fliege mit einem One-Way-Ticket nach Washington State, von wo aus wir einen Transporter mieten, um die Sachen zurück nach Chicago zu bringen. Wenn ich in Übersee bin und zufällig in ein Antiquitätengeschäft oder auf einen Flohmarkt gehe und etwas sehe, schicke ich die Sachen direkt zurück.

Neben den Assistenten arbeitest du auch mit deinem Bruder Jack Cave und deinem Partner Bob Faust zusammen. Wie funktioniert es, ein Familienunternehmen zu führen?
Ich habe Visionen, und ich denke, wenn man Partnerschaften eingehen und andere ins Boot holen kann, bin ich dafür offen. Aber mein Partner Bob und mein Bruder Jack haben jeweils ihr eigenes Leben und ihre eigenen Vorstellungen von ihrer persönlichen Arbeit und ihren eigenen Unternehmungen und Träumen, und so arbeiten wir so, als würden wir zusammenkommen und dann wieder auseinandergehen. Das Spannende daran ist, dass ich mit dieser Einstellung immer einen gewissen Spielraum für Interpretationen offen gelassen habe. Wenn ich jemanden einlade, Teil von etwas zu sein, werde ich kein Diktator sein, denn ich bin neugierig darauf, wie man diese Einladung annimmt und was man daraus machen wird.

Und ihr gestaltet sogar die Ausstellungskataloge gemeinsam?
Bob entwirft sie. Er kommt aus dem Designbereich und ist so fantastisch, dass ich gesagt habe: Mach, was du willst. Ästhetisch sind wir auf der gleichen Wellenlänge.

Wie sieht es mit der größeren Allgemeinheit aus, trittst du irgendwann in Kontakt mit der Öffentlichkeit oder dem Publikum?
Bei allen Ausstellungen und Einzelprojekten engagiere ich mich für das Programm rund um die Ausstellung, sei es durch Einladungen oder durch Vorträge oder Diskussionen über die Projekte.

Wie ist es dann mit der möglichen Unvereinbarkeit zwischen individuellem Kunstgenuss und, sagen wir, einer gelenkten Auslegung?
Es gibt immer einen Text, der die Ausstellungen begleitet. Ich würde es vorziehen, nie mit jemandem zu sprechen. Denn alles ist subjektiv, und ich glaube, ich bin eher neugierig darauf, wie man darauf reagiert, was man infrage stellt und was man zu sehen glaubt. Wenn es zu einer Art Austausch kommt, bin ich dafür offen, aber ich möchte nicht meine Seele ausschütten, um zu erklären, worum es in der Arbeit geht, weil ich nur eine weitere Reflexion dessen liefere, was in der Welt vor sich geht.

Wie kommt eine Ausstellung zustande?
Als Künstler arbeiten wir im Atelier, aber das ist noch nicht alles. Wann immer meine Kunst das Atelier verlässt und in den öffentlichen Raum kommt, frage ich mich, was das bedeutet. Wenn ich mich mit dem Raum auseinandersetze, entwerfe ich einen weiteren Aspekt meiner Praxis. Für mich ist es eine Choreografie, wie eine Ausstellung aufgebaut ist und wie sich das Publikum durch sie bewegen kann.

Wenn wir von Räumen sprechen: Each One, Every One, Equal All (2022) ist eine zweidimensionale Adaption von Soundsuits. Bei dieser Arbeit bespielen die Texturen und Farben der Kleider nichts Geringeres als die Wände des U-Bahn-Korridors am Times Square in New York.
Lass mich dir sagen: EPIC. Ich war mir nicht ganz sicher … Nicht, dass ich nicht neugierig war, aber ich hatte Zweifel an der Umsetzung: Wird es sich so anfühlen, als würde es sich bewegen, wird es wie Haare aussehen? Aber ich sage dir, es ist [flüstert]: Fabelhaft.

Gratulation! Es wird für immer dort sein!
Für immer! Und genau diese Momente der Dauerhaftigkeit sind für mich interessant. Ich habe in mein Tagebuch geschrieben, wahrscheinlich vor 40 Jahren, dass ich auf das hinarbeite, was ich zurücklasse. Damals wusste ich noch nicht, was das bedeutet, bis ich in der U-Bahn saß. Dort dachte ich: Oh … Da ist es!

Du hast eine Vision von einer gerechteren Zukunft durch Kunst, Musik, Mode und Performance. Gibt es zeitgenössische Kunst, Popkultur oder etwas anderes, das dich anspricht und eine ähnliche Vision verfolgt?
Als ich 17 Jahre alt war, ging ich zum ersten Mal in das Saint Louis Art Museum. Ich war noch nie zuvor in einem Museum gewesen und sah ein Gemälde von Anselm Kiefer. Ich weiß nicht warum, aber ich fing an zu weinen. In diesem Moment wurde mir bewusst, wie sehr mich Kunst emotional berühren kann. In Kiefers Werk ging es immer um die Menschlichkeit. Dann könnten wir über Rihannas Super-Bowl-Präsentation sprechen und über diese Art von Erhebung, die sie nutzten, um Raum zu schaffen und sie in die Position zu bringen, über allem zu stehen. Oder Beyoncés Renaissance, das auf Black queer f-ing BALLS beruht, und wie sie einfach in dieser Eigenschaft gefeiert wird. Oder Shirley Horns Here's to life, das ich seit Jahrzehnten jeden Tag höre. Das ist es, was mich täglich beruhigt.

Interview: Rasmus Kyllönen
Fotos: David Johnson