Die Arbeiten von Nivi Alroy, die wissenschaftliche Forschung mit sehr detaillierten, aber fiktiven Erzählungen über die Figuren, die sie bewohnen, kombinieren, können nur als alternative Universen beschrieben werden. Sie haben oft die Form von dreidimensionalen Installationen und Videos und beginnen meist mit akribischen Zeichnungen, die die Künstlerin vorher anfertigt. Darin schildert sie die ungewöhnlichen Reisen ihrer Helden, die mit Klimakrisen, immer wiederkehrenden Überschwemmungen, einer unverhältnismäßig großen Flora und Fauna und einer Untergangsstimmung zu kämpfen haben, die durch wilde, außer Kontrolle geratene Experimente ausgelöst wird.

Nivi, sprechen wir zunächst über deine kreative Routine. Wie teilst du deine Zeit im Atelier ein? Welche Phasen deiner Arbeit finden hier statt?
Es gibt hier zwei Räume: Der eine ist dem Zeichnen und Malen gewidmet, während ich im anderen die Bildhauerei und die praktischen Arbeiten ausführe. Ich habe mit der Arbeit in diesem einzigartigen Atelier kurz vor dem Ausbruch des Coronavirus begonnen, und da ich zwei kleine Kinder habe, gab es lange Zeiträume, in denen ich nicht wirklich hierher kommen konnte. Wenn ich dann hier bin, fühlt sich das Atelier wie ein sicherer Hafen an, wie ein Raum jenseits der Zeit. Es ist der Ort, an den ich mich immer zurücksehne. Wenn du mir jeden Tag folgen würdest, könntest du sehen, wie ich Lasten von Materialien und Installationskomponenten vom Atelier zu meinem Haus und zurück trage. Manchmal arbeite ich auch zu Hause, wenn ich gerade Zeit habe. Momentan komme ich nicht nur hierher, um zu zeichnen und zu modellieren, sondern drehe auch einen Film im Atelier. Es gibt Tage, an denen ich mit einer ganzen Gruppe von Leuten hier bin, die mir helfen, das Rudern eines Bootes für ein bevorstehendes Projekt zu simulieren. Das Studio ist vorübergehend Teil einer Welt geworden, die ich konstruiere. Die Grenze zwischen Realität und Kunst hat sich ein wenig verwischt, aber für meine Art von Arbeit scheint sie genau richtig zu sein.

Deine Projekte sind in der Tat sehr komplex und vielschichtig: Sie umfassen zahlreiche Medien und führen den Betrachter in eine umfangreiche Erzählung ein, ähnlich wie unterschiedliche Handlungsstränge in Büchern. Wenn du ein Thema nennen müsstest, das deinen gesamten künstlerischen Korpus vereint, welches wäre das?
In meiner Arbeit geht es immer um den menschlichen Körper. Ich versuche, seine Grenzen durch mein Schaffen auszuloten und zu erweitern … ein bisschen wie Alice im Wunderland, die zu groß für das Haus wird, in dem sie sich befindet, und versucht, den Weg hinaus zu finden. Nur wenn ich Kunst mache, habe ich das Gefühl, dass ich eine echte Begegnung mit mir selbst haben kann. Mir wird oft gesagt, dass ich ein verbaler Mensch bin, und die Welten, die ich erschaffe, sind sicherlich voller Worte. Dennoch ist der Prozess des Kunstmachens für mich etwas sehr Taktiles. Es geht darum, etwas zu schaffen, das man anfassen kann, etwas Körperliches.

Wenn ich nicht schaffe, spüre ich die Sehnsucht danach in meinem Körper. Wenn ich aktiv werde, dann rette ich mich. Es ist ein heilender Zustand.

Deine Arbeit beinhaltet oft eine umfangreiche wissenschaftliche Forschung, aber ich weiß, dass dein Lieblingsmedium, in dem du dich seit Beginn deiner Karriere ausdrückst, das Zeichnen ist. Wie sieht also der kreative Prozess aus? Beginnt der Prozess mit dem Zeichnen von Bildern oder mit der Durchführung einer theoretischen Studie?
Das Endergebnis kann ein visuelles sein – ein Video, eine Zeichnung, eine Installation –, aber ich komme jedes Mal auf einem anderen Weg und durch eine andere Art von Forschung zu diesem Ergebnis. Mein Partner ist Wissenschaftler und forscht auf dem Gebiet der molekularen Meeresbiologie. Man könnte sagen, dass wir aus zwei völlig unterschiedlichen Welten kommen, aber das ist nicht wirklich der Fall. Ich sehe, wie besessen wir beide von unseren jeweiligen Forschungen sein können, und das ist ziemlich beruhigend. Wir denken daran, wenn wir das Abendessen zubereiten, wenn wir duschen, wenn wir die Kinder ins Bett bringen. Das Einzige, was mich davor bewahrt, mich ausschließlich in die Forschung zu vertiefen, ist das Wissen, dass ich mich, sobald ich ein Projekt oder eine Ausstellung präsentiere, sofort in die nächste Forschungsarbeit stürzen werde. Ich steige bereits in meine nächste Forschung ein. Im Laufe der Jahre habe ich mit vielen Menschen zusammengearbeitet, sowohl mit Künstlern als auch mit Wissenschaftlern, und das bereichert mich sehr. Ich denke, dass ich durch die Kunst versuche, eine gewisse Verwandtschaft mit anderen Menschen in der Welt zu schaffen.

Eine deiner wichtigsten Kooperationen fand 2015/16 statt, als du als Gastkünstlerin an die Hebräische Universität in Jerusalem eingeladen wurdest. Was hast du dort Neues entdeckt?
Das waren zwei sehr bedeutsame Jahre in meiner Karriere. Ich begann damals an einem Projekt namens Reprogramming zu arbeiten, das aus einer Zusammenarbeit mit dem Hirnforscher Prof. Eran Meshorer hervorging. Wenn ich es einfach ausdrücken soll, würde ich sagen, dass Prof. Meshorer die Zeit umprogrammiert. Er programmiert 72 Jahre alte Zellen in sechs Tage alte Fötuszellen um, aus denen er Nervenzellen entwickelt. Ihn zu treffen und durch ihn die Option zu entdecken, dass die Zeit nicht linear sein muss, hat mein Leben verändert. Das Projekt begann, als ich in der mathematisch-naturwissenschaftlichen Fakultät der Universität auf eine Holztafel stieß, auf der ein Urwald abgebildet war. Die Zeichnung auf dem Brett rief meine früheste Erinnerung an eine Brennnessel im Hinterhof meines Hauses wach, welche meine Haut reizte. In Reprogramming, einer Installation aus Video, Skulptur und Aquarellzeichnungen auf Papier, sieht man eine Zeichnung, die gezeichnet und wieder gelöscht wird, sodass sich das konstruierte Bild ständig verändert. Die Zeichnung von Brennnesseln erscheint auf einem runden Bildschirm, der wie eine Petrischale aussieht, und verwandelt sich allmählich in ein Bild von Stammzellen, die zu Nervenzellen differenziert werden. Durch ein paar Löcher (die an binokulare Okulare erinnern) erscheint das, was man dann sieht, wie eine Wiese – mein Urgedächtnis. Insgesamt war meine Zeit an der Universität so, wie sich Kinder wahrscheinlich fühlen, wenn sie einen Süßwarenladen betreten … ein absolutes Vergnügen. Ich traf mich mit Forschern, die mir Geschichten erzählten und mich unterrichteten. Ich habe mit sechs von ihnen gleichzeitig zusammengearbeitet, und das war überwältigend, hat aber auch viel Motivation und Interesse geweckt.

Ich nehme an, dass während dieses Aufenthalts viele Ideen entstanden sind, die du noch nicht in Kunstwerke umgesetzt hast. Gibt es ein Traumprojekt, das du als nächstes in Angriff nehmen möchtest, oder eine neue Art des Schaffens, die du gerne verfolgen würdest?
Mich hat als Künstlerin immer gestört, dass ich eine Welt erschaffe, aber, nachdem ich sie ausgestellt habe, ein Punkt kommt, an dem sie sich nicht mehr weiterentwickelt. Ich strebe danach, eine Welt zu schaffen, die unabhängig von mir existiert und nach mir weiterlebt, die ihr eigenes Klima, ihr eigenes Pflanzenwachstum und ihre eigene Verteilung und Selbstregulierung hervorbringt. Künstler wie Pierre Huyghe und William Kentridge wecken in mir so viele Emotionen, weil ihnen genau das gelingt: Sie schaffen Meta-Welten. Die Leser unseres Interviews können nicht sehen, wo wir gerade sitzen. Das schottische Haus, in dem sich mein Atelier befindet, auch bekannt als englisches Krankenhaus, ist ein Gebäude mit einer einzigartigen Geschichte, die von einer Person geprägt wurde, die hier lebte und Kranke behandelte. Ich glaube, dass ihr Geist auch noch hundert Jahre nach ihrem Tod durch die Flure wandelt. In meiner Trilogie Mariana Trenchhabe ich mich auf die US-amerikanische Geologin und Meereskartografin Marie Tharp konzentriert. Nachdem sie die erste wissenschaftliche Karte des Grundes vom Atlantischen Ozean erstellt hatte, begab sie sich buchstäblich auf eine Expedition, um zu kartieren, was sie nicht sehen konnte. Ich stelle durchaus Ähnlichkeiten zwischen ihr und Beatrice Mangan, der irischen Missionarin, fest, die Krankenschwester wurde und diesen Ort gründete. Ich würde gerne ein Projekt über sie und das schottische Haus machen, das bald verschwinden und in ein Boutique-Hotel umgewandelt werden wird. Ich habe seit Jahrzehnten die Angewohnheit, mich auf die Spuren von Menschen aus der Vergangenheit zu begeben: Ich kreiere Projekte, aber dann erfinde ich auch Personen, die diese Projekte vorantreiben und sie zu unterstützen scheinen. Das tröstet mich sehr, denn ich weiß, dass sie auch dann noch da sind, wenn ich mein Atelier am Ende eines Arbeitstages verlasse. In diesem Sinne geht es in meiner Arbeit um die Erinnerung und um die Auseinandersetzung mit der Zeit und ihrem Vergehen.

Schon lange bevor die Pandemie in unser Leben trat, war deine Kunst von einer gewissen Angst vor der drohenden Apokalypse geprägt und schien eine morbide Sehnsucht nach dem Ende der Welt auszudrücken. Hat der Ausbruch von COVID-19 etwas an deinem Ansatz, deiner Methode und deinem Stil geändert?
Einen Tag vor Beginn des ersten Lockdowns in Israel saß ich mit Drorit Gur Arie zusammen, der Kuratorin eines Projekts, an dem ich arbeite und das sich mit der Frage beschäftigt, wie der erste Tag nach der Überschwemmung aussehen wird. Es ist die dritte Folge der Mariana Trench-Trilogie und hat die Form eines Pop-up-Künstlerbuchs. Die Kuratorin sagte zu mir: „Oh, dein Projekt ist so zeitgemäß.“ Aber alles, was ich denken konnte, war, dass mein Leben auf den Kopf gestellt worden war. Ich bin ständig damit beschäftigt, eine Welt zu schaffen, die nur in meinem Kopf existiert, und plötzlich hatte ich das Gefühl, ans andere Ende der Zeit gereist zu sein. Plötzlich verbreitete sich dieser Virus, und ich fragte mich, ob ich mir die Postapokalypse überhaupt noch vorstellen konnte. Ich brach die gesamte Arbeit an dem Buch ab und begann von vorn, diesmal unter dem Eindruck, dass der Weltuntergang, von dem ich in meiner Kunst immer wieder träume, vielleicht in Wirklichkeit bevorsteht. Das Buch wird keine Illustrationen von Viren enthalten, aber es wird sich auf diese kollektive Katastrophe beziehen, indem ich versuche, die Erfahrung, die wir alle durchgemacht haben, emotional zu verstehen – dieses Gefühl, dass sich etwas aufgelöst hat und nun neu aufgebaut werden muss. Als ich mit der Arbeit an meinem Buch und der dazugehörigen Videoarbeit begann, hatte ich diese Vorstellung, die im Mittelalter weit verbreitet war, dass die Welt flach ist. Vor meinem geistigen Auge sah ich ein Schiff, das auf dieser flachen Welt segelt und von der Kante fällt. Dort wird das Leben neu beginnen. Jetzt habe ich das Gefühl, dass es wirklich passiert.

Das Buch ist das dritte Kapitel einer Trilogie, die mit einer Einzelausstellung von dir im Herzliya Museum of Art im Jahr 2019 begann, in der du spezifische Installationen zeigtest, die Bilder der Welt nach der Ausrottung darstellten. Die Figur, die der Ausstellung zugrunde lag, war eine Hommage an die Wissenschaftlerin Marie Tharp. Welchen Prozess hast du seither angestoßen? Was wird das Buch enthalten?
Das Buch, das im kommenden Winter erscheinen soll, enthält Karten und einen Kodex, eine Art visuelles Wörterbuch, das den Leser durch die Welt nach der Sintflut führt. In der Ausstellung habe ich einen Moment gezeigt, in dem die Menschheit wegen einer Frau, die die Kontrolle verloren hat, die Ordnung verloren hat, während sich das Buch auf den Moment konzentriert, in dem die Dinge wieder zu wachsen beginnen, nachdem alle Kulturen zerstört worden sind. Das Buch enthält auch Zeichnungen von Figuren, die ich erfunden habe und die in ihm gefangen sind und schweben. Es ist wirklich interessant, eine Welt zu erschaffen, die ausschließlich aus Zeichnungen besteht, denn das ist das Medium, in dem ich mich am kohärentesten und am wohlsten fühle. Gleichzeitig arbeite ich auch an einem Projekt namens Odyssey H₂O: An Expedition to the End of Time. Dabei handelt es sich um eine Videoinstallation, bei der ich mit dem israelischen Künstler Atar Geva zusammenarbeite; gemeinsam versuchen wir, Boote jenseits der Zeit treiben zu lassen. Was ich also dieses Jahr gemacht habe, ist im Grunde genommen, Boote durch die Gegend zu schieben. (lacht)

Glaubst du, dass die ständige Beschäftigung mit der Idee des Untergangs in deiner Kunst aus einer Hoffnung auf Erlösung resultiert? Erschaffst du düstere Visionen, um die existenzielle Verzweiflung zu bekämpfen?
Darüber denke ich viel nach, sowohl als Kunstschaffende als auch als Kunstlehrerin und Dozentin. Ich glaube, dass ein großer Teil meiner Arbeit mit der Vorstellung von mangelnder Kontrolle zu tun hat. Wir befinden uns mitten in einer Situation, in der wir jegliche Kontrolle verloren haben. Es hat etwas sehr Befreiendes, die Kontrolle zu verlieren, als würde man eine sich selbst erfüllende Prophezeiung leben. Alle meine Kunstwerke sind eine Art Versuch, eine Flut oder das Chaos zu kartografieren. Durch die Kunst bin ich in der Lage, einen Kompass für mich selbst zu schaffen, der mir hilft, durch diese ursprüngliche und physische Angst, die ich habe, zu navigieren. Ich mache Kunst, um mit Stärken und Schwächen, mit dem Leben selbst fertig zu werden.

Interview: Joy Bernard
Fotos: Adi Shraga