Ob schnitzen, weben oder tuften, Pia Ferm bezeichnet sich selbst als Bildhauerin. In ihren Wandteppichen, die von Hand beschnitten werden, um die Oberfläche lebendig zu halten, mischt die schwedische Künstlerin ein schönes Medium mit Humor und schafft Figuren, die wie Cartoons in der Zeit eingefroren sind. Zeit ist für Ferm essenziell, aber nicht so, wie man vielleicht denken könnte, denn sie hat reichlich davon.

Pia, du hast kürzlich ein neues Studio in Frankfurt bezogen. Wie sieht ein Arbeitstag im Studio aus?
Ich beginne meinen Tag recht spät und komme erst nach dem Mittagessen ins Atelier. Ich bleibe dafür bis weit in die Nacht dort, denn zwischen 17 Uhr und 1 Uhr bin ich am produktivsten. Es hat etwas, wenn man weiß, dass der Rest der Welt seinen Arbeitstag beendet, während man selbst am Arbeiten ist. Das schafft für mich ein eigenes Universum.

Deine erste Ausstellung in der Galerie Judith Andreae in Bonn trägt den Titel Bread and Butter. Wie bist du auf diesen Titel gekommen?
Wenn man die Ausstellung betritt, begibt man sich in meinen Kopf. Es ist ein guter Überblick über mein Universum. Der Titel bezieht sich sowohl auf das alltägliche Leben und seine Bedürfnisse als auch auf meine tägliche Praxis im Atelier und den Wunsch, davon leben zu können. Er fasst eine Periode der Arbeit zusammen, stellt aber auch eine neue Ebene dar, von der ich nun loslegen kann. Ich bin endlich aus der Schule raus, habe eine eigene Wohnung und finde meinen eigenen Arbeitsrhythmus. Ich schließe ein Kapitel ab und schlage gleichzeitig ein neues auf.

Das Tuften, die Technik, die du für die Herstellung deiner Wandteppiche verwendest, scheint arbeitsintensiv und kompliziert zu sein. Wie würdest du diese Arbeitsweise beschreiben?
Das Werkzeug wurde in den frühen 1960er-Jahren in China entwickelt, um den handwerklichen Prozess in der Teppichindustrie zu beschleunigen. Wenn man eine Fläche einfarbig ausfüllen will, kann man schnell arbeiten. Aber ich verwende eine Technik, die mit dem Modellieren mit farbigem Ton vergleichbar ist. Man kann die Länge des Garns wählen, um ein Relief aufzubauen. Indem man vier bis sechs Fäden in jeder Masche kombiniert, kann man eine endlose Variation von Farbschattierungen erzeugen. Ich arbeite von der Rückseite her, indem ich das Garn durch einen gespannten Stoff schiebe, was bedeutet, dass ich das Bild immer spiegelverkehrt zum fertigen Stück aufbaue. Ich bewege mich ständig von einer Seite zur anderen, um zu sehen, was auf der Vorderseite passiert. Gleichzeitig passe ich die Oberfläche an, indem ich sie mit einer Schere beschneide.

Ich lerne immer noch, diese Technik zu beherrschen, aber mit jedem Projekt wird meine Beziehung zu dieser fantastischen Maschine inniger. Ich möchte einen Großteil des Denkens meinen Händen überlassen. Als ich meinen ersten Teppich schuf, war ich von dieser Technik völlig hingerissen. Ich konnte mich darin nicht wiedererkennen. Jetzt, da ich endlich mein eigenes Atelier habe, kann ich es mir leisten, zu scheitern und Dinge zu korrigieren. Früher musste ich bei der Herstellung von Wandteppichen auf Nummer sicher gehen, denn die Korrektur eines Fehlers hätte eine Unterbrechung meines Zeitplans bedeutet, die mir keine Möglichkeit gelassen hätte, die Arbeit zu vollenden, da ich zu dieser Zeit an die Beschränkung gebunden war, ein Tufting-Studio in Schweden zu mieten.

Wie bist du zu der Künstlerin geworden, die du heute bist?
Ich konnte nicht an der gewünschten Schule in Schweden studieren und fand mich stattdessen in Frankfurt am Main wieder. Ungefähr nach der Hälfte meines Studiums habe ich herausgefunden, wie die Dinge funktionieren, was mir meine Schule bieten konnte und was ich mir woanders suchen musste. Meine erste Begegnung mit dem Material Stein war ein einmonatiger Workshop an der Sommerakademie in Salzburg. Dass ich einen Tufting-Kurs in Schweden gefunden hatte, war der Grund, warum ich anfing, mit Textilien zu arbeiten. Ich bewarb mich dafür, während ich noch mit Steinstaub aus dem alten Steinbruch am Untersberg bedeckt war. Ich war hin- und hergerissen, ob ich textile Materialien in meine Praxis einbeziehen sollte, denn das war eher mein Hobby, bei dem ich mich um stereotype weibliche Dinge wie die Pflege meines Hauses und meiner Kleidung kümmerte.

Wie würdest du den Zweck der Ausbildung für deinen Beruf beschreiben?
Ich habe hier Leute kennengelernt und Möglichkeiten erhalten, die ich sonst nirgendwo gefunden hätte. Ich bin nicht gut darin, Kontakte zu knüpfen oder mich unter die Leute zu mischen. Dennoch, die Kunstszene in Frankfurt ist klein. Wenn man so schlecht im Netzwerken ist wie ich, aber eine Arbeit vorzuweisen hat, wird man einen Weg finden, sich einen Raum zu schaffen, der als Sprungbrett für einen selbst dienen kann. Ich schätze, man könnte es auch andersherum machen, gut in der Interaktion sein und dann die Arbeit machen. Aber so arbeite ich nicht.

Trotz deiner Bedenken, Textilien zu einem Teil deines künstlerischen Schaffens zu machen, hast du dich am Ende dem Material hingegeben. Wie siehst du diesen Prozess rückblickend?
Ich habe das Textilhandwerk immer gemocht, aber ich hatte das Gefühl, dass es in den häuslichen Bereich gehört. Ich wollte nicht zu einer „Textilkünstlerin“ werden und dann meine Arbeit durch die häusliche Brille interpretieren und auf ein politisches Statement reduzieren lassen. Auch die Schönheit des Materials ließ mich zweifeln. Wie sollte ich damit umgehen, ohne einfach etwas Trashiges zu machen, denn das ist auch nicht mein Stil, und gleichzeitig einen gewissen Humor zuzulassen? Meine Arbeiten sind recht ordentlich, haben klare Umrisse und ein gewisses Aussehen. Mein Hauptanliegen war es, nicht in eine Ästhetik zu verfallen, die wirklich trendy ist – etwas Handwerkliches zu verwenden, um es dann billig zu machen. Ich meine, das ist mir ganz gut gelungen. Ich erlaube mir, mich an einem Punkt zu befinden, an dem ich es verteidigen kann, Dinge zu machen, die schön sind, denn das bedeutet nicht, dass sie deshalb ohne Inhalt wären. Ich denke viel darüber nach, wie ein Künstler es wagen kann, romantisch zu sein und Dinge zu machen, die schön sind, ohne dass es eine Geste der Schönheit sein muss, ohne zu kneifen und es in einer coolen Ironie zu ertränken. Es ist ein aufrichtiger Ansatz, aber man muss um diese Position kämpfen. Es ist leicht, sich darüber lustig zu machen.

Ist es ein Teppich, ein Wandteppich oder ein textiles Gemälde? Wie würdest du deine Textilarbeiten beschreiben?
Man kann sie als Wandteppiche oder Webarbeiten bezeichnen; sogar als Teppiche, wenn man sie auf den Boden legen will, aber dann ist es ein Kunstwerk auf dem Boden! Ich betrachte sie eher als Wandobjekte – textile Bilder oder Skulpturen, die an die Wand gehängt werden. Im Vergleich zu meinen kleinen Webarbeiten sind sie ziemlich großspurig. Sie beanspruchen viel Platz, wenn man sie an die Wand hängt, weil sie das ganze Licht und die Geräusche um sie herum absorbieren; ich bezeichne sie gerne als meine Macho-Gemälde.

Wie sieht es aus, wenn du einen neuen Wandteppich beginnst?
Ich mache nicht viele Skizzen, aber ich habe eine Reihe von Skizzenbüchern für visuelle Notizen von Formen und Mustern. Manchmal reicht eine kleine Zeichnung für das ganze Stück aus, manchmal beginne ich mit einer neuen Zeichnung oder kombiniere zwei verschiedene Formen. Ich kann zu voreilig sein, wenn ich mich für eine Skizze entscheide. Deshalb lasse ich sie gerne eine Weile in einer Schublade liegen, bevor ich eine endgültige Entscheidung treffe, denn sonst rede ich mir ein, dass ich ein wirklich gutes Bild gemacht habe, und merke dann auf halbem Weg, dass es nicht so interessant ist, wie ich dachte. Ich finde, dass die Regel gilt: Je sorgfältiger ich das Bild auswähle, desto mehr Freude habe ich bei der Arbeit daran. Früher habe ich meine Skizzen koloriert, aber das fühlte sich an, als würde ich einem Rezept folgen. Ich konnte nicht anders, als das Bild zu betrachten und der Logik zu folgen, die ich mir bereits zurechtgelegt hatte. Ein schwarz-weißes Bild gibt mir mehr Freiheit, das Bild nach und nach zu entwickeln.

Bedeutet das, dass du deine Arbeit verlangsamt hast?
Das hängt damit zusammen, dass ich mein Atelier eröffnet habe und mir die Zeit nehme, die meine Arbeit braucht. Ich bestehe auf einer gemächlichen Herangehensweise, die für die Erweiterung meines Bilderuniversums notwendig ist. Es gibt kein Gesetz, das besagt, dass wir unsere Arbeit beschleunigen und ständig ein Übermaß an hochwertigen Bildern produzieren müssen. Das ist unmöglich, wenn alles schon erledigt ist. Ich glaube an Wiederholung und Verfeinerung.

Wie viel Zeit verbringst du im Durchschnitt mit einem Stück?
Für die größeren Teppiche brauche ich zwischen drei und sechs Wochen, für ein kleines Stück vier Wochen. Aber es ist eher das Motiv, das die Zeit bestimmt, als die Größe. Es kann sein, dass ich viele kleine Linien mit verschiedenen Schattierungen darin habe oder viel weißen Raum, dann wird es besonders mühsam. Der einfache Ausweg wäre, eine einheitliche weiße Fläche zu machen, aber das würde sich völlig tot anfühlen. Deshalb bestehen die weißen Flächen aus verschiedenen weißen Garnen mit unterschiedlicher Dicke. Ich könnte auch einige rosa, graue und bläuliche Töne hinzufügen. Das Endergebnis hängt davon ab, welches Garn ich gerade zur Verfügung habe. Wenn ich mich reich fühle, bestelle ich individuell gefärbte Partien bei einem kleinen Hersteller in Schweden.

Gibt es einen Teil des Prozesses, den du am meisten genießt?
Ich liebe die mühsamen Teile, wenn alle wichtigen Entscheidungen bereits getroffen sind: Über dem Webrahmen zu stehen, mein Steinstück zu schleifen oder einen fertigen Teppich vom Rahmen abzuschneiden und von Hand zuzuschneiden; dafür habe ich eine schicke Präzisionsschere.

Weißt du, in welchen Räumen die Stücke letztendlich landen?
Sie befinden sich meist in den Wohnräumen von Menschen. Ich finde, das ist eine schöne Eigenschaft meiner Textilarbeiten: Sie nehmen viel Platz ein, sind aber für ein normales Zuhause geeignet. Das ist in gewisser Weise das Beste aus zwei Welten: Wenn sie viel Platz bekommen, können sie ziemlich dramatisch wirken und dem Raum ein fast sakrales Gefühl verleihen. In einem kleineren Raum wirken sie wie ein Gemälde.

Wie unterscheidet sich das Bearbeiten von Steinen von der Herstellung von Wandteppichen?
Durch die Einrichtung meines Ateliers im letzten Jahr habe ich nicht viele Tage an meinem Steinarbeitsplatz verbracht. Die Arbeit mit Stein ist eigentlich das Gegenteil von weben oder tuften. Anstatt etwas aufzubauen, nehme ich Material weg. Es ist so absolut, dass man nicht rückgängig machen kann, was man getan hat. Da ich in meiner Arbeitsweise recht konservativ bin und oft in denselben Bahnen feststecke, zwingt mich das Steinschnitzen dazu, anders zu denken.

Vor dem Hintergrund, dass du handwerklich in diametral entgegengesetzten Herangehensweisen arbeitest, bezeichnest du dich selbst als Bildhauerin, als Bildschnitzerin. Welche Bedeutung hat das für dich?
Ich betrachte mich als Bildhauerin, die im skulpturalen Bereich arbeitet. Meine Arbeiten sind Bilder, egal ob es sich um eine dreidimensionale Skulptur, eine flache, gewebte Arbeit oder einen getufteten Wandteppich handelt. Sie sind alle gezeichnete Kritzeleien. Ich arbeite mit Ikonen, Piktogrammen und Symbolen. Vor mir sehe ich Figuren im Raum schweben, die verschiedene Formen annehmen und dann in einem an der Wand hängenden Bild wieder auftauchen.

Du möchtest eine differenziertere Definition des Begriffs „Bild“ fördern. Kannst du deine Gedanken dazu erläutern?
Das ist etwas, worüber ich schon lange nachdenke: Was meinen wir, wenn wir von einem Bild sprechen? Meine Arbeit wird oft als etwas verstanden, das sich auf die Malerei bezieht. Aber das ist meiner Meinung nach nicht das Universum, in dem ich mich bewege. So viel Kunst ist gezwungen, irgendwie „ein Gemälde sein zu wollen“. Ich denke, man kann Werke für die Wand machen, auch wenn sie vier Ecken haben, ohne dass sie als Gemälde gelesen werden.

Wie fängst du diese Figuren, die für dich „lebendig“ sind, in einem einzigen Bild ein?
Man erfindet für sich selbst eine Logik: wie man die Objekte im Bild platziert, indem man sie fragt, woher sie kommen und wohin sie gehen. Das Ganze ist dem Zeichnen eines Cartoons sehr ähnlich: Sie erzählen eine Geschichte, aber mit stilisierten Stoppbildern. Sie zeigen Karikaturen von Figuren, die gleichzeitig darüber sprechen, was sie darstellen. Sie enthalten eine Menge Meta-Informationen. Durch Wiederholung, in einem anderen Kontext werden sie zu einem Zeichen sowohl für sich selbst als auch für etwas, das sie darstellen.

Könntest du genauer erklären, was du meinst?
Denke an irgendeine gezeichnete Figur, die ein breiteres Publikum anspricht. Zunächst ist es nur eine lustige Comicfigur, vielleicht eine Karikatur, die ein Argument in einer politischen Debatte anspricht. Je öfter sie auftaucht, desto mehr erfährt man über ihr Universum und die verschiedenen Bedeutungen, die sie darin hat. Sie gewinnt ein Eigenleben.

Was steht bei dir als nächstes an?
Zunächst möchte ich etwas Großes weben, etwas, das ich mir wünsche, seit ich mich endlich getraut habe, mit dem Weben zu beginnen. Das wäre ein therapeutisches Wandteppich-Projekt ohne absolute Deadline; ein Weben, dem ich mich immer dann zuwenden kann, wenn ich das Gefühl habe, anderswo festzustecken. Als langsame und meditative Übung bietet es einen Ausweg. Zweitens möchte ich einfach immer mehr von allem machen. Je mehr sich mein Universum ausdehnt, desto mehr Sinn scheint es für mich zu ergeben.

Interview: Rasmus Kyllönen
Fotos: Sabrina Weniger