Yingmei Duan wurde ursprünglich als Erdölingenieurin ausgebildet, bevor sie nach Peking zog, um ihre künstlerischen Träume zu verfolgen. Nach einigen Jahren des Studiums der Malerei und des Zeichnens wurde sie Teil des renommierten East Village Kollektivs, wo sie sich für Performance begeisterte und To Add One Meter to an Anonymous Mountain (1995), eine der klassischen Performances der chinesischen Gegenwartskunst, mitgestaltete. Seitdem ist Duan nach Deutschland gezogen, hat bei Marina Abramović studiert und mit allen möglichen Leuten gearbeitet, von Kindern bis zu Rentnern, Wissenschaftlern und Philosophen. Dabei hat sie Hunderte von Werken geschaffen – so viele, dass sie selten das gleiche Werk zweimal zeigt und sogar die Ausstellungsstücke wechselt.

Yingmei, wie begann dein Interesse an der Kunst?
Seit ich ein kleines Kind war, hatte ich ein Problem mit dem Sprechen. Ich fand es beängstigend und habe kaum gesprochen, bis ich 21 Jahre alt war. Wenn man nicht viel spricht, muss man andere Wege finden, um mit der Welt zu kommunizieren. Für mich war das Zeichnen.

Und wann hast du gemerkt, dass du dich professionell mit Kunst beschäftigen willst?
Ich wurde 1969 geboren, und meine Kindheit fiel mit dem Ende der Kulturrevolution in China zusammen. Die Menschen lebten noch sehr einfach. Obwohl es mein Traum war, Kunst und Zeichnen zu lernen, wusste ich nicht wirklich, wo ich das tun konnte. Ich zeichnete nur für mich allein und lernte von niemandem außer meinem Bruder.

Folglich hast du zunächst eine Ausbildung als Erdölingenieurin an der Northeast Petroleum University in Daqing gemacht.
Ich wollte Medizin studieren, aber das war sehr schwierig. Stattdessen habe ich Erdöl studiert, weil meine Heimatstadt eine Erdölstadt ist. Nach meinem Abschluss arbeitete ich ein Jahr lang in der Branche, aber es fiel mir immer schwer, mit Menschen zu sprechen, was ein wichtiger Teil der Arbeit war. 1991, als ich 21 Jahre alt war, unterzog ich mich in Peking einer größeren Operation, um meine Aussprache zu verbessern. Das hat mein Leben verändert. Nach der Operation hatte ich neun Tage Urlaub, um mich zu erholen, und drei Tage lang träumte ich von Kunst. Ich erzählte meinem Vater davon, der sich in Peking nach einem privaten Kunstlehrer für mich umsah. Er fand jemanden von der Zentralen Kunstakademie, und so blieb ich in der Stadt, um Kunst zu studieren.

Was hast du von diesem Lehrer gelernt?
Er sagte mir, dass ich eigentlich zu alt sei, um mit dem Zeichnen anzufangen, und ich solle zurück zum Ingenieurwesen gehen. Er war der Meinung, dass man in sehr jungen Jahren mit der Ausbildung beginnen muss, um eine Künstlerin zu werden. Trotzdem akzeptierte er mich, und er war ein sehr guter Lehrer. Ich lernte recht schnell – nach nur wenigen Monaten konnte ich einen menschlichen Kopf richtig zeichnen. Ich glaube, meine Erfahrung mit Mathematik hat mir sehr geholfen. Jeden Tag, an dem ich zeichnen lernte, war ich glücklich. Ich lebte meinen Traum – ein Gefühl, das ich auch heute noch habe. Ich möchte einfach immer etwas kreieren.

Wie hat sich deine Ausbildung danach entwickelt?
Nach einigen Monaten des Zeichnens von Gegenständen sagte mir mein Lehrer, ich solle eine Zeichnung oder ein Gemälde aus meiner Fantasie heraus anfertigen. Ich war ziemlich nervös und wollte, dass er stattdessen ein Thema für mich auswählt. „Nein. Wenn du eine Prüfung an der Akademie machen müsstest, wäre ich nicht da, um sie für dich zu machen“, sagte er und ermutigte mich indirekt. Das war ziemlich ungewöhnlich – normalerweise müssen Kunststudenten in China viele Jahre lang Stillleben und Zeichnungen anfertigen und beginnen erst am Ende ihres Studiums, eigene Kompositionen zu entwerfen. Kurz darauf meldete ich mich zu einem Fortbildungskurs an der Zentralakademie an. Er richtete sich an Menschen, die sich neben ihrem Beruf in Fabriken oder Schulen sehr lange mit Kunst als Hobby befasst hatten. Ich war im Vergleich dazu recht jung – mit ihnen zu studieren hat mich sehr erwachsen werden lassen.

Einige Jahre später bist du in das Dorf Dashanzhuang in Peking gezogen, ein legendäres Künstlerviertel, in dem auch das Kollektiv Beijing East Village beheimatet war, dem du angehörtest.
Ich kam im Sommer 1992 zufällig dorthin. Am Anfang hieß es noch nicht einmal East Village, und es gab nur wenige Künstler dort. Bis 1993 kamen immer mehr, und wir waren eine Gruppe von etwa zehn Leuten. Wir trafen uns alle, um über Kunst und unsere Karrieren zu diskutieren. Ich war ziemlich naiv und weniger kontaktfreudig als die anderen, ich hörte hauptsächlich zu. Ich hörte hauptsächlich zu. Zusammen hörten wir auch eine Menge Musik. Da gab es diesen Musiker, Zuoxiao Zuzhou, der auf der Straße Kassetten mit amerikanischer Musik aus den sechziger und siebziger Jahren verkaufte. Die meisten Menschen in China hatten diese Art von Musik in den frühen neunziger Jahren noch nicht gehört. Es war illegal, diese Kassetten zu besitzen, die über Hongkong kamen. Zhang Huan, eines der wichtigsten Mitglieder unserer Gruppe, traf eines Tages Zuoxiao Zuzhou und lud ihn ein, in unser Dorf zu kommen und dort zu leben. Später lebten Zuoxiao und ich zusammen. Viele Jahre lang hörten wir jeden Tag gemeinsam Rock'n'Roll-Musik. Meine Lieblingsbands waren The Doors, Nirvana und Queen.

Wie kam es dazu, dass sich das East Village mehr für die Performance-Kunst interessierte?
Das geschah im Laufe der Zeit. Zhang Huan, Ma Liuming, Zhu Ming und Cang Xin waren besonders daran interessiert. Ich fand das, was sie taten, so interessant, dass mich etwas daran wirklich berührte. Ich war sehr schüchtern, aber ich fühlte mich veranlasst, mitzumachen. Nachdem ich so viele Jahre lang gemalt und gezeichnet hatte, wusste ich, dass ich etwas Neues erleben musste. Viele der Nicht-Künstler, die im Dorf leben, hatten allerdings ein Problem mit unseren Aufführungen. Bei einer Aufführung ging Zhang Huan zum Beispiel nackt von seinem Haus bis zu einer öffentlichen Toilette. Das gefiel den Dorfbewohnern nicht. Sie zeigten uns mehrmals bei der Polizei an.

Eines der berühmtesten Werke, das das East Village aufführte, war To Add One Meter to an Anonymous Mountain (1995), das zu einem der Klassiker der chinesischen Gegenwartskunst geworden ist. Du hast daran mitgewirkt. Kannst du uns von dieser Erfahrung berichten?
Wir haben Journalisten, Schriftsteller, Videofilmer und einen Fotografen eingeladen. Am Tag danach gab es sowohl in China als auch im Ausland Berichte über die Aufführung. Über Nine Holes, eine andere Aufführung, die wir am selben Tag gemacht haben, wurde dagegen nicht so viel geschrieben. Zu dieser Zeit war das East Village noch nicht so berühmt wie heute. Die zeitgenössische Kunstszene begann sich in China um 2003 herum stärker zu entwickeln. Seitdem sind wir bekannter geworden, und das East Village wird in Diskussionen über chinesische Gegenwartskunst als sehr bedeutend angesehen.

An dem Stück waren zehn Darsteller/ Mitwirkende beteiligt. Gab es besondere Herausforderungen, die mit der Zusammenarbeit in einer so großen Gruppe verbunden waren?
1999 bewarb sich Zhang Huan mit To Add One Meter to an Anonymous Mountain bei der Biennale von Venedig und behauptete, es sei sein Werk. Ungefähr zu dieser Zeit erhielt ich ein Fax von Ma Liuming, in dem er mich bat, ein Schreiben zu unterzeichnen, in dem stand, dass das Werk eine Gemeinschaftsarbeit aller beteiligten Künstler sei. Alle waren sehr verärgert, denn wir hatten alle für die Materialien und Kassetten bezahlt, die wir für die Originalversion verwendet hatten. Es war unser gemeinsames Werk. Ich kann mich nicht mehr daran erinnern, wer die ursprüngliche Idee dazu hatte. Zhang Huan sagt, es sei seine gewesen, andere Leute sagen etwas anderes. Für mich ist das nicht wichtig. Ich habe in meiner Karriere über 100 gemeinsame Performance-Projekte gemacht, manchmal mit über dreißig oder vierzig Leuten. Wenn ich mich für eine Zusammenarbeit entscheide, betrachte ich sogar die Ideen, die ich vorschlage, als gemeinsam – ich wäre nicht auf sie gekommen, wenn ich nicht in einem kreativen Prozess mit meinen Mitarbeitern gewesen wäre. Das Werk gehört uns allen, wir haben alle das gleiche Urheberrecht. Ich bevorzuge diese Arbeitsweise, weil sie so einfach ist. Ich interessiere mich nicht dafür, wer das Urheberrecht hat und wer nicht, sondern dafür, wie ein Kunstwerk entsteht. Dieser Ansatz gilt sowohl für Künstler als auch für Nicht-Künstler. Ich arbeite mit Menschen aus vielen verschiedenen Bereichen der Gesellschaft, von Rentnern über Kinder, Wissenschaftler, Professoren und Philosophen. Ich interessiere mich für Menschen und für das, was sie tun. Ich mag alles. Jede Disziplin ist interessant, nicht nur die Kunst.

2000 bist du nach Deutschland gezogen, um an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig Kunst zu studieren. Was hat dich an dieser Schule und an Deutschland im Allgemeinen gereizt?
Nach 1995 durften wir nicht mehr im East Village wohnen, also zog ich in das heutige Songzhuang Art District. Ich lebte dort ein paar Jahre, war aber nicht glücklich und wollte mein Leben ändern, also lernte ich Deutsch und bewarb mich für ein Studium an einer Kunsthochschule in Deutschland. Ich war schon vorher in Deutschland gewesen. Hans van Dijk, der Gründer des New Amsterdam Arts Centre in Peking, und Detlef Pilz vom ostdeutschen Kulturministerium besuchten mich 1994 im East Village. Detlef war gerade dabei, eine große Ausstellung asiatischer Kunst in Deutschland zu kuratieren. Als er meine Bilder sah, war er begeistert und lud mich ein, dort eine Einzelausstellung zu veranstalten. Sechs Monate später reiste ich für die Ausstellung nach Deutschland und blieb einen Monat lang in Erfurt. Ich war die erste Künstlerin aus dem East Village, die nach Europa ging.

Während des Kurses hast du Marina Abramović getroffen, richtig?
Ich war immer noch schüchtern, vor Leuten aufzutreten, also habe ich stattdessen Performances für Videos gemacht. Marina sah sich ein paar davon an und nahm mich in ihre Klasse auf. Sie wusste, dass ich sehr lernwillig war und immer hart arbeitete. Ich zeigte ein ganzes Atelier voller Werke: Gemälde, Skulpturen, Metallarbeiten, Holzarbeiten, Drucke und so weiter. Marina sagte mir, sie habe den Eindruck, dass meine Präsentation eher die eines akademischen Studenten als die eines Künstlers sei. Auch keiner der anderen Studenten lobte mich für meine Arbeit. Ich war sehr traurig und auch ein wenig wütend. Ich wusste, dass ich besser war als sie – ich war äußerst emsig, und sie waren es nicht. Ich machte mir auch selbst Vorwürfe. Mir wurde klar, dass ich zu viel getan hatte. Das war der Tag, an dem ich beschloss, mich nur noch auf Performance zu konzentrieren.

Wie war Marinas Unterrichtsstil?
Sie war eine sehr gute Lehrerin. Ihr Unterricht war nicht auf den Campus der Universität beschränkt. Sie liebte es, ihre Studenten zu Auftritten in Museen, auf Festivals und anderen Plattformen in der ganzen Welt mitzunehmen, z. B. zur Biennale in Venedig und ins Van-Gogh-Museum. Wir hatten großes Glück, denn andere Professoren waren nicht so großzügig. Dank ihr hatte ich eine wirklich schöne Zeit an der Universität. Sie hat mein Leben verändert.

Du hast schon während deines Studiums professionell Kunst ausgestellt und 2003 in der OKS Galerie in Braunschweig deine erste „Wechselausstellung“ gezeigt – Ausstellungen, bei denen du jeden Tag veränderst, was oder wie etwas ausgestellt wird. Was hat dich zu diesem Format bewogen?
Da gab es viele Dinge. Manchmal gehe ich in Ausstellungen und sehe, dass die dort gezeigten Arbeiten drei Monate lang die gleichen sind. Wenn ich mir das ansehe, denke ich an die Hunderte von verschiedenen Möglichkeiten, wie man sie ausstellen könnte. Ich mag es, verschiedene Varianten zu zeigen. Das gibt einem die Möglichkeit, viel nachzudenken, Dinge zu entwickeln, mit dem Raum zu arbeiten und seine Fähigkeiten zu schulen.

Nachdem du dich ganz auf Performance konzentriert hast, hast du Malerei, Videos und andere Medien wieder in deine Praxis integriert. Zum Beispiel hast du begonnen, dich intensiver mit Musik und Gesang zu befassen und hast 2018 dein erstes Album Forty-Eight Years Ago, the Road an Ocean veröffentlicht. Was hat dich dazu veranlasst, diese Richtung einzuschlagen?
Ich habe bei meinen Auftritten schon ein paar Mal mit Sound und Musik gearbeitet – manchmal habe ich dabei improvisierte Melodien gesungen. Vielleicht liegt das an Zuoxiao Zuzhou, meinem Ex-Freund, der Musiker ist. Ich habe auf einem seiner Alben gesungen. Er hat mich sehr ermutigt.

Wie hat sich sonst deine Herangehensweise an deine künstlerische Praxis im Laufe deiner Karriere verändert?
Mit der Zeit bin ich immer besser darin geworden, vor einem Publikum zu sprechen. Jetzt kann ich vor bis zu 100 Leuten sprechen, in jedem Raum, in jedem Land – ich habe über 40 Länder für Ausstellungen und Aufenthalte besucht – und habe keinerlei Probleme mehr. Das verdanke ich zu einem großen Teil Marina; während meiner Zeit in ihrer Klasse habe ich mich daran gewöhnt, mit Situationen umzugehen, die mir unangenehm waren. Ich habe mich auch immer mehr für die Interaktion mit dem Publikum und die Zusammenarbeit interessiert. Interaktion und Zusammenarbeit eröffnen die Möglichkeit, dass eine Aufführung in eine andere Richtung geht als geplant. Die Arbeit an interaktiven und kollaborativen Performance-Projekten hat mir sehr viel gebracht. In den letzten 23 Jahren habe ich immer gemacht, getan und experimentiert. Machen ist die Aufgabe eines Künstlers. Ich kenne einige Künstler, die ständig die Shows anderer Leute besuchen, um sich inspirieren zu lassen, aber ich habe nicht das Bedürfnis dazu. Ich kann in zwei Tagen 20 verschiedene Performance-Konzepte schreiben, und ich kreiere immer neue Arbeiten für Ausstellungen, anstatt dasselbe Stück mehrmals zu zeigen. Wenn man immer arbeitet, entstehen ständig neue Ideen.

Was sind deine Pläne für die Zukunft?
Ich würde gerne eine Einzelausstellung in der Tate Modern machen. Ich bin sehr zuversichtlich, dass das passieren wird. Ich werde weiterhin in meinem eigenen Tempo arbeiten, denken und mich entwickeln, ohne mich darum zu kümmern, was andere Leute um mich herum tun.

Interview: Emily May
Fotos: Sabrina Weniger